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'History of Arts/20C'에 해당되는 글 16건

  1. 2020.05.26 salvador dali
  2. 2020.05.26 Matisse, Henri
  3. 2020.05.26 Pablo Picasso
  4. 2020.05.18 marc chagall
  5. 2020.05.18 *현대미술은 왜 현대미술인가? (2)
  6. 2012.10.19 키키 스미스는 (1)
  7. 2010.03.12 christian boltanski
  8. 2010.03.12 ROBERT RASUCHENBERG
  9. 2010.03.09 IYVE KLEIN
  10. 2010.03.09 MARK ROTHKO

salvador dali

History of Arts/20C 2020. 5. 26. 18:18 |
http://www.salvadordalimuseum.org/home.html
http://www.virtualdali.com/
http://www.daligallery.com/

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Salvador Felipe Jacinto Dali I Domenech was born at 8:45 on the morning of May 11, 1904 in the small agricultural town of Figueres, Spain. Figueres is located in the foothills of the Pyrenees, only sixteen miles from the French border in the principality of Catalonia. The son of a prosperous notary, Dali spent his boyhood in Figueres and at the family's summer home in the coastal fishing village of Cadaques where his parents built his first studio. As an adult, he made his home with his wife Gala in nearby Port Lligat. Many of his paintings reflect his love of this area of Spain.

The young Dali attended the San Fernando Academy of Fine Arts in Madrid. Early recognition of Dali's talent came with his first one-man show in Barcelona in 1925. He became internationally known when three of his paintings, including The Basket of Bread (now in the Museum's collection), were shown in the third annual Carnegie International Exhibition in Pittsburgh in 1928.

The following year, Dali held his first one-man show in Paris. He also joined the surrealists, led by former Dadaist Andre Breton. That year, Dali met Gala Eluard when she visited him in Cadaques with her husband, poet Paul Eluard. She became Dali's lover, muse, business manager, and chief inspiration.

Dali soon became a leader of the Surrealist Movement. His painting, The Persistance of Memory, with the soft or melting watches is still one of the best-known surrealist works. But as the war approached, the apolitical Dali clashed with the Surrealists and was "expelled" from the surrealist group during a "trial" in 1934. He did however, exhibit works in international surrealist exhibitions throughout the decade but by 1940, Dali was moving into a new type of painting with a preoccupation with science and religion.

Dali and Gala escaped from Europe during World War II, spending 1940-48 in the United States. These were very important years for the artist. The Museum of Modern Art in New York gave Dali his first major retrospective exhibit in 1941. This was followed in 1942 by the publication of Dali's autobiography, The Secret Life of Salvador Dali.

As Dali moved away from Surrealism and into his classic period, he began his series of 19 large canvases, many concerning scientific, historical or religious themes. Among the best known of these works are The Hallucinogenic Toreador, and The Discovery of America by Christopher Columbus in the museum's collection, and The Sacrament of the Last Supper in the collection of the National Gallery in Washington, D.C.

In 1974, Dali opened the Teatro Museo in Figueres, Spain. This was followed by retrospectives in Paris and London at the end of the decade. After the death of his wife, Gala in 1982, Dali's health began to fail. It deteriorated further after he was burned in a fire in his home in Pubol in 1984. Two years later, a pace-maker was implanted. Much of this part of his life was spent in seclusion, first in Pubol and later in his apartments at Torre Galatea, adjacent to the Teatro Museo. Salvador Dali died on January 23, 1989 in Figueres from heart failure with respiratory complications.

As an artist, Salvador Dali was not limited to a particular style or media. The body of his work, from early impressionist paintings through his transitional surrealist works, and into his classical period, reveals a constantly growing and evolving artist. Dali worked in all media, leaving behind a wealth of oils, watercolors, drawings, graphics, and sculptures, films, photographs, performance pieces, jewels and objects of all descriptions. As important, he left for posterity the permission to explore all aspects of one’s own life and to give them artistic expression.

Whether working from pure inspiration or on a commissioned illustration, Dali's matchless insight and symbolic complexity are apparent. Above all, Dali was a superb draftsman. His excellence as a creative artist will always set a standard for the art of the twentieth century.

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<매 웨스트의 초상> 미국의 인기있는 여배우. -초현실주의자들을 위한 방.

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Salvador Dalí. The Persistence of Memory. 1931. Oil on canvas. 24.1 x 33 cm. The Museum of Modern Arts, New York, NY, USA
<기억의 고집> 에스파냐의 카탈로니아 해변. 화가달리의 자화상.

Salvador Dalí. Sleep. 1937. Oil on canvas. 50.2 x 76.7 cm. Private collection.


Salvador Dalí. Apparition of Face and Fruit Dish on a Beach. 1938. Oil on canvas. 114.5 x 143.8 cm. Wadsworth Atheneum, Hartford, CT, USA.
<바닷가의 얼굴과 과일접시>


Slave Market with the Disappearing Bust of Voltaire.
1940. Oil on canvas. 46.5 x 65.5. Salvador Dali Museum, St. Petersburg, FL, USA.
<노예시장> 왼쪽여인은 갈라. 플란드르 여인이 볼테르의 얼굴로.
가끔 뭉쳐놓은 옷안에 사람의 얼굴 윤곽이 드러나거나, 모래에 찍힌 발자국이 사람얼굴로 보일때가 있다. 시각적 착시로 인한 새로운 이미지가 중첩된다.-왜상


Salvador Dalí. Design for set curtain for Bacchanale. 1939. Oil on canvas. 46 x 61 cm. Private collection.

Salvador Dalí. Soft Construction with Boiled Beans: Premonition of Civil War. 1936. Oil on canvas. 110 x 84 cm. Museum of Art, Philadelphia, PA, USA.

Salvador Dalí. Angelus. ca.1932. Oil on wood 16 x 21.7 cm. Private collection.

Salvador Dalí. Atavism at Twilight. 1933-34. Oil on wood. 13.8 x 17.9 cm. Kunstmuseum, Berne, Switzerland.

Salvador Dalí. Figure at a Window. 1925. Oil on canvas. 102 x 75 cm. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid, Spain. 

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The Lacemaker (after Vermeer) 1954-55. Oil on canvas. 23.5 x 19.7 cm. The Metropolitan Museum of Art, New York, USA.
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Matisse, Henri

History of Arts/20C 2020. 5. 26. 18:17 |
피카소와 쌍벽을 이루는 마티스.
개인적으로 피카소보다 마티스를 더 좋아한다.
그리고 그의 노년기의 종이작업은 디자인의 선구자이다.
감각적인 색채, 노련한 형태감각은 페인팅을 방불케하는 완벽성을 보여준다.

 



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Blue Nude IV. 1952. Gouache on paper cut out. Musée Henri Matisse, Nice, France
가위를 들고 색종이의 형태를 오리면서 주제를 완성하는 방법. 마티스는 가위는 훌륭한 소묘도구. 앉아있는 여자의 알몸을 그린 작품.


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Icarus. 1947. Illustration for the book 'Jazz', screen-print after gouache on paper cut-out <이카로스>고대신화에 나오는 인물. 이카로스의 아버지 다이달로스는 아테네의 유명한 장인이었는데, 이카로스에게 날개를 밀랍으로 붙였다.너무 높이 날아올라 태양의 뜨거운 기운으로 밀랍이 녹으면서 노란 별빛을 바라보며 바다로 추락하는 장면. 붉은 심장.

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"La Danse" with Nasturtiums. 1912. Oil on canvas. The Pushkin Museum of Fine Art, Moscow, Russia

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Madame Matisse, "The Green Line" ( La Raie verte). 1905. Oil on canvas. Statens Museum for Kunst, Copenhagen, Denmark.

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Harmony in Red. 1908. Oil on canvas. The Hermitage, St. Petersburg, Russia.

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Music. 1939. Oil in canvas. Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY, USA


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La Musique. 1910. Oil on canvas. The Hermitage, St. Petersburg, Russia.

<음악>,<춤> 사람들은 빨강, 하늘은 파랑, 땅은 초록- 색채는  단순. 
<음악>은 두사람은 악기를, 세사람은 노래를 부르고 있다.
<춤>에서는 아무것도 입지 않은 자유로운 사람들이 손을 잡고 덩실덩실 춤을 추고 있다.

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La Danse (first version). 1909. Oil on canvas. The Museum of Modern Arts, New York, NY, USA. 



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The Dance. 1932-33. Oil on canvas. Barnes Foundation, Lincoln University, Merion, PA, USA


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Matisse, Henri (-Émile-Benoît) (b. Dec. 31, 1869, Le Cateau, Picardy, Fr.--d. Nov. 3, 1954, Nice)
artist often regarded as the most important French painter of the 20th century. The leader of the Fauvist movement around 1900, Matisse pursued the expressiveness of colour throughout his career. His subjects were largely domestic or figurative, and a distinct Mediterranean verve presides in the treatment.

Matisse, Master of Color

The art of our century has been dominated by two men: Henri Matisse and Pablo Picasso. They are artists of classical greatness, and their visionary forays into new art have changed our understanding of the world. Matisse was the elder of the two, but he was a slower and more methodical man by temperament and it was Picasso who initially made the greater splash. Matisse, like Raphael, was a born leader and taught and encouraged other painters, while Picasso, like Michelangelo, inhibited them with his power: he was a natural czar.

Matisse's artistic career was long and varied, covering many different styles of painting from Impressionism to near Abstraction. Early on in his career Matisse was viewed as a Fauvist, and his celebration of bright colors reached its peak in 1917 when he began to spend time on the French Riviera at Nice and Vence. Here he concentrated on reflecting the sensual color of his surroundings and completed some of his most exciting paintings. In 1941 Matisse was diagnosed as having duodenal cancer and was permanently confined to a wheelchair. It was in this condition that he completed the magnificent Chapel of the Rosary in Vence.

Matisse's art has an astonishing force and lives by innate right in a paradise world into which Matisse draws all his viewers. He gravitated to the beautiful and produced some of the most powerful beauty ever painted. He was a man of anxious temperament, just as Picasso, who saw him as his only rival, was a man of peasant fears, well concealed. Both artists, in their own fashion, dealt with these disturbances through the sublimation of painting: Picasso destroyed his fear of women in his art, while Matisse coaxed his nervous tension into serenity. He spoke of his art as being like "a good armchair"-- a ludicrously inept comparison for such a brilliant man-- but his art was a respite, a reprieve, a comfort to him.

Matisse initially became famous as the King of the Fauves, an inappropriate name for this gentlemanly intellectual: there was no wildness in him, though there was much passion. He is an awesomely controlled artist, and his spirit, his mind, always had the upper hand over the "beast" of Fauvism.


The experimental years

Matisse's Fauvist years were superseded by an experimental period, as he abandoned three-dimensional effects in favor of dramatically simplified areas of pure color, flat shape, and strong pattern. The intellectual splendor of this dazzlingly beautiful art appealed to the Russian mentality, and many great Matisses are now in Russia. One is The Conversation (1909; 177 x 217 cm (5 ft 9 3/4 in x 7 ft 1 1/2 in)) in which husband and wife converse. But the conversation is voiceless. They are implacably opposed: the man-- a self portrait-- is dominating and upright, while the woman leans back sulkily in her chair. She is imprisoned in it, shut in on all sides. The chair's arms hem her in, and yet the chair itself is almost indistinguishable from the background: she is stuck in the prison of her whole context. The open window offers escape; she is held back by an iron railing. He towers above, as dynamic as she is passive, every line of his striped pyjamas undeviatingly upright, a wholly directed man. His neck thickens to keep his outline straight and firm, an arrow of concentrated energy. The picture cannot contain him and his head continues beyond it and into the outside world. He is greater that it all, and the sole "word" of this inimical conversation is written in the scroll of the rail: Non. Does he say no to his intensity of life? They deny each other forever.

Supreme decoration

But denial is essentially antipathetic to Matisse. He was a great celebrator, and to many his most characteristic pictures are the wonderful odalisques he painted in Nice (he loved Nice for the sheer quality of its warm, southern light). Though such a theme was not appreciated at the time, it is impossible for us to look at Odalisque with Raised Arms (1923; 65 x 50 cm (25 1/2 x 19 3/4)) and feel that Matisse is exploiting her. The woman herself is unaware of him, lost in private reverie as she surrenders to the sunlight, and she, together with the splendid opulence of her chair, he diaphanous skirt, and the intricately decorated panels on either side, all unite in a majestic whole that celebrates the glory of creation. It is not her abstract beauty that attracts Matisse, but her concrete reality. He reveals a world of supreme decoration: for example, the small black patches of underarm hair on the odalisque are almost a witty inverted comma mark round the globes of her breasts and the rose pink center of each nipple.

Sculpting in paper

Picasso and Matisse were active to the end of their lives, but while Picasso was preoccupied with his ageing sexuality, Matisse moved into a period of selfless invention. In this last phase, too weak to stand at an easel, he created his papercuts, carving in colored paper, scissoring out shapes, and collaging them into sometimes vast pictures. These works, daringly brilliant, are the nearest he ever came to abstraction. Beasts of the Sea (1950; 295.5 x 154 cm (9 ft 8 in x 5 ft 1/2 in)) gives a wonderful underwater feeling of fish, sea cucumbers, sea horses, and water-weeds, the liquid liberty of the submarine world where most of us can never go. Its geometric rightness and chromatic radiance sum up the two great gifts of this artist and it is easy to see why he is the greatest colorist of the 20th century. He understood how elements worked together, how colors and shapes could come to life most startingly when set in context: everything of Matisse's works together superbly.

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Pablo Picasso

History of Arts/20C 2020. 5. 26. 18:17 |
Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Martyr Patricio Clito Ruiz y Picasso (October 25, 1881April 8, 1973) was a Spanish painter, draughtsman, and sculptor. As one of the most recognized figures in twentieth-century art, he is best known for co-founding the Cubist movement and for the wide variety of styles embodied in his work. Among his most famous works are the proto-Cubist Les Demoiselles d'Avignon (1907) and his depiction of the German bombing of Guernica during the Spanish Civil War, Guernica (1937).

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<아비뇽의 처녀들> 아비뇽은 에스파냐 바르셀로나 거리 이름. 다섯명의 여인들의 모습에서 아프리카 가면 조각이 보인다.그리고 입체적인 식각을 엿볼 수 있다. 이 작품에서부터 입체파가 시작된다.

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<게르니카>는 스페인의 독재자 프랑코를 지원하는 독일 비행기가 바스크 지방의 작은 시골마을 게르니카를 폭격한 사건을 다룬 그림. 독재자와 공화당 내전의 피해는 민간인 대량살상으로.
이 작품에는 폭탄이나 무기를 든 이는 보이지 않고, 오직 다치거나 죽어가는 사람들의 신음소리, 비명, 울음소리가 동물들의 모습과 어우러져 있다.


<회화>는 아파트나 치장하기 위해 있는 것이 아닙니다.
<회화>는 적과 싸우며 공격과 수비를 행하는 하나의 전투무기입니다.

어떻게 예술가가 다른사람들의 일에 무관심할 수 있습니까?

어느 사진작가의 말이 떠오릅니다.
제 목소리를 내지 못하는 이들을 위한 진실의 목소리가 되 주고자
오늘도 나는 카메라를 들고 진실의 순간을 위해 셔터를 누릅니다.

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전쟁의 참사를 느끼게 하는 데 성공한 작품. 위대한 예술이 무엇을 할 수 있는가?
예술과 인류애의 중시. 우리시대의 병폐 무력앞에 무관심. 예술의 힘.
희망과 저항의 이미지를 비극적으로 묘사. 예술과 악 선과 악의 싸움.
오른편 촛불 든 사람의 손. 왼편에 거대한 황소. 전구는 악의 눈, 학살의 도구,
전구와 촛불이 대조를 이루고 있다. 출구가 없는 악몽.
고야의 나폴레옹의 처형과 비슷) 밑에는 예수그리스도처럼 손을 벌리고 손바닥에는 기독교 표시. 그리고 한송이 꽃.


당시 나치는 현대적인 표현주의와 추상미술을 퇴폐미술이라고 규정하고 탄압하였다.
<게르니카>를 보고 그들이 당신이 한 건가? 라고 묻자 아니오, 당신들이 했지요.

1920년대 파리에서는 아방가르드(1927년 마리 테레즈:16살)
제 1차 세계대전 무렵부터 기성예술과 전통을 부정하고 나선 전위적인 예술운동을 통칭.
1. 과거를 답습하지 말고
2. 여성 누드의 아름다움 부드러움, 은근한 관능 을 거부하고<아비뇽의 처녀들>
3. 미술에 대한 개념을 바꾸는 큐비즘 등장.
큐비즘: 세상을 다르게 보는 방식, "입체파" 대중울 즐겁게 하는 데 관심이 없고, 예술적으로 재배치된 실체를 표현하는 데 주력.
독일군에게 폭격 받은 게르니카 지역을 보고 시대적 의식을 갖게 된다.
1937년 만국박람회 파리, 정치적 목적 정치적 메시지를 전달하는 진지한 예술가
(파시즘)은 유럽 전역을 휩쓸었다. 프랑스 공산당에 입당하고 30년간 내리막길.

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marc chagall

History of Arts/20C 2020. 5. 18. 22:55 |

마르크 샤갈 (1887~1985) 러시아 유대인 화가



마르크 샤갈의 대표작은 프랑스 파리 오페라 하우스 천정화1963년

 

 

 

 



샤갈의 성서화의 내용은 
1. 유대 민족의 성조 
2. 유대 왕국 건설에 이바지한 인물들
3. 예언자들...



그의 고향은 러시아 바테브스크



   



 

 

 Small Drawing Room. 1908. Oil on paper mounted on cardboard. 22.5 x 29. Private collection.



Study for the painting "Rain". 1911. Gouache and pencil on cardboard. The Tretyakov Gallery, Moscow, Russia.


The Poet, or Half Past Three (Le poète, ou Half Past Three). 1911-12. Oil on canvas197 x 146 cm, The Philadelphia Museum of Art, Philadelphia, PA, USA.


I and the Village. 1911. Oil on canvas. 191 x 150.5 cm. The Museum of Modern Arts, New York, NY, USA. ,


Golgotha. 1912. Oil on canvas. 174 x 191. The Museum of Modern Arts, New York, NY, USA.


Adam and Eve. 1912. Oil on canvas. 160.5 x 109 cm. Saint Louis Art Museum, St. Louis, MO, USA.



The Fiddler. (Le violoniste). 1912-13. Oil on canvas. 188 x 158. Stedelijk Museum, Amsterdam, Netherlands. On loan from the State Collection.

Burning House (La maison brûle). 1913. Oil on canvas. 107 x 120.6 cm. The Solomon R. Guggenheim Museum, New York, NY, USA.


Paris through the Window. / Paris par la fenêtre. 1913. Oil on canvas. 135.8 x 141.4 cm. The Solomon R. Guggenheim Museum, New York, NY, USA.


Self-Portrait with Seven Digits. / Autoportrait aux sept doigts. 1912-13. Oil on canvas. 128 x 107 cm. Stedelijk Museum, Amsterdam, Netherlands.


Barber's Shop (Uncle Zusman). 1914. Gouache, oil on paper. 49.3 x 37.2. The Tretyakov Gallery, Moscow, Russia.


The Birthday. 1915. Oil on cardboard. 80.5 x 99.5 cm. The Museum of Modern Arts, New York, NY, USA.


The Promenade (La promenade). 1917-18. Oil on canvas. 169.6 x 163.4 cm. State Russian Museum, St.Petersburg, Russia.


Window in the Country. (Fenêtre à la campagne). 1915. Oil on canvas. 100 x 80.5 cm. The Tretyakov Gallery, Moscow, Russia.


Cemetery Gates.
1917. Oil on canvas. 87 x 68.6 cm. Private collection.

Peasant Life (The Stable; Night; Man with Whip). 1917. Oil on cardboard. 21 x 21.5 cm. The Solomon R. Guggenheim Museum, New York, NY, USA.







Self-Portrait with Muse (Dream). 1917-1918. Oil on canvas. 157 x 140. Private collection.


Grown Old (Le lion devenu vieux). 1926-27. Gouache on paper. 48.2 x 40.6 cm. Private collection.

 

Bride with Blue Face. 1932-1960. Oil on canvas. 100 x 81. Private collection.
 

The Green Violinist. 1923/24. Oil on canvas. 198 x 108.6 cm. The Solomon R. Guggenheim Museum, New York, NY, USA.

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1.현대미술의 개념

Modern Art-근대 미술, 또는 현대미술/ 포괄적이고 상대적 의미: 15세기 르네상스 시대의 사람들도 자신들의 시대를 modern이라 칭함.

Contemporary Art- 동시대 미술/20세기미술∼현재

2. 현대미술로 가는 길잡이

19세기 근대 사회의 태동과 미술의 전개 과정은 밀접한 관계를 맺음: 산업혁명, 도시의 발 달, 과학과 기술의 발전, 자본주의의 정착. 1, 2차 세계대전.

1) 현대 미술은 이전 미술과 어떻게 다를까?

현대 미술 이전의 미술은 시각적 사실을 충분히 재현하는데 목적이 있었음.

-착시(illusion): 2차원의 평면을 3차원의 현실처럼 보이게 할 것./원근법, 명암법 등

-사실주의(realism): 사실주의는 19세기 미술운동으로서의 Realism과 일반적 의미의 realism으로 구별할 필요가 있다. 19세기 이전의 사실주의는 미술을 현실세계의 거울 로 생각해 그림이나 조각이 실제처럼 보이게 하려함. 착시효과도 여기서 기인함. 19 세기 사실주의 이후는 직접 목격한 현실을 그림에서 표현하는데 중점을 둠.

-인상주의(Impressionism): 시각적 사실성.

2) 20세기 초 미술의 위기

사진, TV, 비디오, 영화, 가상현실의 등장으로 회화는 위기에 처하게 됨. 이에 대한 해결책으로 개념 중시, 혼합 매체, 미술 영역의 확대 등이 제시됨.

3)미술 개념의 변화

미술은 더 이상 자연의 거울이 아니라 독자적이고 자율적인 세계라는 생각이 자리 잡게 됨.

여기서 미술가 자신이 보다 직접적으로 드러나게 되었음. 1, 2차 세계대전은 미술이 신체, 생명, 고통에 대해 보다 깊이 생각하게 함.


*팝아트(Pop Art)

 

1.명칭의유래

1956년 대중문화에 관심이 있었던 영국 젊은 미술가들의 모임인 인디펜던트 그룹의 전시회인 <이것이 내일이다>/이 전시회의 포스터 겸 카탈로그에 쓰일 이미지로 해밀턴의 콜라주 작품<오늘날의 가정을 이토록 색다르고 멋지게 만드는 것은 무엇인가> 등장, 이 작품 중에 Pop이란 단어 출현.

이 그룹의 비평가였던 로렌스 알로웨이가 팝 아트라는 말을 처음 사용함.

 

2.팝아트의 발생배경

2차 대전 이후 급속하게 진행된 산업국가에서 확산되는 대중문화, 영상매체에 대한 관심이 주요한 배경이 됨.

 

3. 팝아트의 전개

1)영국팝아트

보수화되고 정체된 사회에 대한 비판적 성격이 강하며 사회와 미술을 연결시키고자 함.

1950년대 초부터 리처드 해밀턴, 데이비드 호크니 등이 대중사회와 문화의 문제에 대해 토론하고 전시회를 개최.

기존 미술과 달리 대중문화를 무시하는 태도를 보이지 않음. 뒤샹과 다다의 영향.

- 주요작가: 리처드 해밀턴, 피터 블레이크, 데이비드 호크니,에드와르도 파올로치, 엘렌 존스 등

2) 미국 팝아트

1960년대 초반에 등장함. 1940-50년대의 추상표현주의의 주관적이고 모호한 성향에 대한 반작용.

영국 팝아트와 달리 산업 사회에 대한 낙관적인 입장. 대량 생산의 결과물과 대중문화의 상징에 대한 관심을 적극적으로 표명함.

 

4. 팝아트의 특성

1)고급문화(순수 음악, 순수 미술 등 기존의 예술이라 칭했던 분야)

저급 문화(상업 영화, 텔레비전, 광고, 만화 등)의 구별을 무의미하게 만듬.

2) 반복과 복제

3) 작가의 독창성에 대한 의문 제기


*추상표현주의와 엥포르멜

<추상표현주의>

1.추상표현주의(AbstractExpression!ism) 발생 배경

1)1930년대초 이래 나치의 위협과 전쟁을 피해 유럽 예술가들이 미국으대거이주.

2)유럽의 영향에서 벗어나 미국을 새로운 문화의 중심지로 위치시키고자 하는 시도가 나타남.

  a. 프랑스 미술을 대표한다고 여겨졌던 초현실주의에 대한 반발

  b. 보다 건전하고 순수한 미국적 토대에 기초한 미술 추구

3)새로운 현대미술의 중심지로서의 미국의 역할 강조- 2차대전 이후 냉전체제하에서 미국의 정치적, 경제적 힘을 바탕으로 세계미술의 중심지로 부상.

  a.1929년 세계 경제 대공황

  b.1933년 루즈벨트 대통령의 뉴딜정책/연방미술사업(FederalArtProject):

      미술가이  국가에 고용되어 공공 건물에 벽화를 그려 미술가의 고용창출과 최저

     생계비를 보장했던 사업-사실적 미술에 대한 장려: 미국 ‘지방색’의 형상화에 주력함.

 

2.추상표현주의 명칭의 유래

1)1929년 미국에서 열렸던 칸딘스키 전시회에서 알프레드 바가 ‘형식은 추상적이지만 내용은 표현적’이라고 언급한 데서 유래.

2)1946년 <뉴요커>의 미술 비평가 로버트 코츠가 한스 호프만의 전시회에 대한 전시평에서 ‘추상표현주의’라는 용어를 처음으로 사용함.

 

3.추상표현주의의 전개

1)액션페인팅(ActionPainting)

a.순간의 행위 - 우연성의 효과를 새로운 미의식으로 발전시킴

 자신들의 회화세계 구축 -드리핑(Dripping), 타시즘(Tachisme), 컬리그래피 (Calligraphy) 와 같은 개성적인 표현

-자유롭고 율동적인 선 / 비정형적, 우연적인 형태

-즉흥적, 속도감 있는 특성의 표현 / 단순한 색채보다는 다채로운 색채를 사

b. 전면회화(All-Over painting)

: 화면 전체가 위계 없이 균일한 의미..회화 본래의 평면성에 주의 집중, 제작과정에서 상하 좌우의 구별이 무의미함.

캔버스 너머까지 확장되는 벽화 개념

색채와 회화평면이 완전히 일치되어 회화의 평면성 강조

-화면의 구성, 명암법을 제거한 색채의 균질성으로 화면의 평면성 강조

c. 원시적, 신화적 주제 추구-앙드레 마송의 자동기술법의 영향

 원초적 상태의 인간에 대한 관심-원시 미술, 인디안 미술에 대한 관심.

2)색면추상(Color-FieldPainting)

a. 색면추상이란: 추상표현주의의 한 경향, 전면 회화방식에서 영향 받음.

액션페인팅에 반대, 촉각적인 회화의 물질성 거부, 색채에 대한 관심이 결합됨.

명상적, 정신적인 분위기의 고요한 작품 제작

b. 색면추상의 특성

전쟁의 허무감 극복 - 실존적 입장에서 좀더 근원적인 상징물 필요함 자각

우연과 임의보다 철학적 이념 바탕.

-단순하고 강렬한 색면 회화Color-Field Painting 추구

원시미술, 마티스 연상 : 강렬, 단순한 색채 -> 숭고의 이미지를 넓은 색면 위에 나타냄.

 

5. 추상표현주의의  특성

1)서구 근대 미술의 복합적인 요소 모두 포함

:야수주의, 표현주의, 다다, 미래주의 초현실주의로 이어지는 한 계보와 인상주의, 입체주의, 기하학적 추상의 계보 모두 받아들임.

2)자동기술법의 강조-무의식 상태

:형상성 초월하려는 시도/구상적, 또는 추상적이든 지시성과 방향성 가진 형상 거부

6.추상표현주의의조형상의특징

1) 형식과 주제의 동시성

2) 결과물 보다는 과정 강조: 액션 페인팅, 미완성의 상태

3) 평면성의 강조-전면회화

4) ‘오브제’로서의 그림-그림의 ‘사물성’의 강조

 

<앵포르멜>

1.앵포르멜(Informel)명칭의 유래

1) ‘앵포르멜’은 원래 부정형, 비정형의 뜻

제 2차 세계대전 후 정형화, 아카데미즘화한 추상, 기하학적 추상에 대해 반발하여 일어남.

2) 미국의 추상표현주의에 상응하는 동시대 유럽미술 지칭.

3)서정추상, 타시즘과도 거의 혼용

뜨거운 추상 전체를 양식적으로 대표하는 용어

 

2.앵포르멜의 발생 배경

1)2차 세계 대전 : 황폐된 유럽과 보편적 가치의 상실.

2) 사상적 배경: 장-폴 사르트르, 알베르 까뮈 / 실존주의

개인이 도덕적 가치의 근원/ 외적인, ‘객관적인’ 기준에 의지하지 않음. 삶 안에서 스스로의 행동을 선택

직접적, 자발적인 표현 : 개인의 특정한 상황 반영

=> 추상의 정당화.

=>전쟁 동안 고통을 겪은 몇몇 미술가들의 전후 (戰後) 전시는 이러한 배경에서 깊은 영향을 줌.

 

3.앵포르멜의 전개

1)1939년경 - 추상 : 회화와 조각의 대안으로 등장

전쟁 이후 파리의 추상미술 : 기하추상이 주류를 차지함

‘차가운 추상’(기하추상)과 ‘뜨거운 추상’(서정추상) 구별

- 타시즘, 앵포르멜, 물질주의(Matérisme), 또 하나의 미술(un art autre)등 여러 명칭으로 불림.

2)추상적인 표현주의 경향을 띠었음

=> 1950년대 후반 – 국제적으로 인정받음.

 

4.앵포르멜의 특성

1)포트리에, 뒤뷔페, 볼스 : 앵포르멜 미술 운동 선구자 역할/ 가혹한 전쟁의 상황속에서 자신의 체험을 기반으로 억압된 인간의 극한적인 정신을 다룸.

2) 삶의 실존적인 모습 표출하고자 함/ 소수의 문학가 및 화가에게 인정받았을 뿐, 앵포르멜의 이념은 비평가 미셀 타피에에 의해 구체화됨./구상 ,비구상을 부정. 앵포르멜 미술에서는 표현의 제스처보다는 마티에르에 중점을 두어야 한다고 강조하였으나 작가들의 양식은 다양했으며 구성원도 늘 유동적.


<초현실주의>

1.명칭의 유래: 1917년 기욤 아폴리네르가 장 콕토의 발레극 <퍼레이드>와 자신의 희곡 <티레시아스의 유방>을 “초현실적”이라 부른 데서 유래함.

2. 초현실주의의 발생배경: 다다의 반 부르주아적, 반이성적 태도에서 영향 받음. 프로이드의 정신 분석학과 꿈에 대한 연구에서 영향 받음.

3.초현실주의의 특성

-로트레아몽의 시 구절인 “ 재봉틀과 우산이 해부대에서 우연히 만나는 것은 아름답다” 가 초현실주의의 주도적 이념임.

-브르통: 선입견 없이 현실을 바라보아야 한다고 주장하며 이를 위해서는 꿈과 무의식의 영역을 탐구해야 한다고 봄.

결과적으로 억눌린 욕망의 해방 추구-비논리적이고 우연성에 입각한 예술, 내면의 그림이 미술작품의 직간접적인 원본이 됨.

4. 초현실주의의 형성

1차 세계대전 이후 다다운동에 참여했던 이들 대부분이 초현실주의에 가담..

다다와 마찬가지로 초현실주의 역시 문학에서 먼저 시작되어 회화, 조각, 사진, 영화 등으로 확대됨.

1926년 초현실주의 갤러리가 개관

1938년 ‘국제 초현실주의 전시회’-파리 보자르 갤러리

1939년 2차 세계대전 발발로 수 많은 초현실주의 예술가들이 미국으로 피난함.

1966년 지도자인 시인 브르통의 사망으로 공식 해체됨.

5. 초현실주의 미술의 특징

입체주의, 추상회화의 추상적 형식언어를 거부하고 구상적인 표현으로 복귀. 묘사수단 대신 그림 내용에 중점을 둠.

5. 초현실주의 사진과 영화

현실을 묘사하는 대신에 새롭게 창안해야 한다고 주장.

사진의 객관성이 착오임을 폭로함. 카메라의 조작이 자유롭게 이루어짐.

초현실주의 영화- 달리, 브뉘엘 / <안달루시아의 개>(1928)

브뉘엘/ <황금시대>(1930)

6. 초현실주의 기법

1) 자동기술법 Automatisme

모든 습관적 기법이나 고정관념, 이성 등의 영향을 배제하고 무념무상의 상태에서 손이 움직이는 대로 그리는 것을 말한다.

2) 프로타주frottage

나무 파편이나 나뭇잎 위에 종이를 대고 연필을 문질러 그림이 떠오르게 하는 수법을 말한다.

3) 데칼코마니decalcomanie

회화에서는 미끄러운 성질의 종이에 물감을 칠하고 그것을 접었다가 다시 피거나 또는 다른 종이를 그 위에 대고 눌렀다가 뗄 때 생기는 우연한 효과를 작품에 이용한 것을 의미한다.

4) 데페이즈망depaysement

초현실주의 회화에서는 낯익은 물체를 뜻하지 않은 장소에 놓으므로써 꿈속에서 밖에 없는 화면을 구성했는데, 이는 심리적 충격뿐 아니라 보는 사람의 마음속 깊이 잠재해 있는 무의식의 세계를 해방시키는 역할을 한다.

5)레이요그램rayogram

카메라를 사용하지 않고 직접 감광 재료 위에 물체를 얹어 거기에서 만들어지는 명암 속에서 추상적 사진을 찍은 것이다.

6)꼴라주collage

화면에 인쇄물, 천, 쇠붙이, 나무조각, 모래, 나뭇잎 등 여러 가지 물질을 붙여 구성하는 것인데, 이차원적 평면에 마치 3차원의 물체를 콜라주한 것처럼 트롱프 뢰이유 기법으로 그리기도 함.

7)오브제object

예술과 관련 없는 물건, 또는 그 부분을 본래의 일상적 용도에서 떼어내어 보는 사람으로 하여금 잠재한 욕망이나 환상을 불러일으키게 하는 상징적 기능의 물체를 말한다.

*문학, 예술에서는 우연히 발견된 사물 즉 object troube. 로트레아몽의 <말도로르의 노래> 중의 한 구절에서 낯선 사물들의 만남에 관한 내용. “해부대 위에서의 재봉틀과 우산의 만남

*다다와 초현실주의

<다다>

1. 다다의 발생 배경

1차 세계대전은 서구세계에 심각한 상처를 남김

-근대문명에 대한 회의와 부정적 입장의 확산

-전통적인 규범에 대한 반발과 부정

-합리주의와 기존 예술에 대한 반발에서 비합리주의와

반문화적인 예술 추구

 

2. 다다의 전개

1) 명칭의 유래: 아이가 내는 중얼거리는 소리, 장난감 목마 등을 뜻하기도 함-아무 런 뜻도 없는 무의미한 소리를 뜻함.

2) 다다의 전개: 다다의 태동지는 스위스 취리히의 카바레 볼테르-1916년부터 후고 발, 한스 아르프, 트리스탄 차라 등이 부르주아 문화에 반대하는 모임을 가짐.

뒤샹 등 미술가가 합류해 오브제, 콜라주, 포토몽타주 등의 표현기법 개발.

베를린, 퀄른 등지에서 또 다른 다다 그룹-막스 에른스트가 주도. 미국 뉴욕에서도 다다 그룹이 결성됨.

1922년 해산과 동시에 대부분의 다다이스트들이 초현실주의에 합류.

1차 세계대전 이후 아방가르드 미술의 중심지인 파리 예술계와 긴밀한 접촉-초현실주의 지도자인 브르통이 1920년 <리테라튀르>에서 다다 선언을 실음.

3) 다다의 의의: 반문화적, 반 부르주아적 태도를 표명-이성과 합리성에 반대하고 우연성과 개인의 근원적 욕구에 충실하고자 함으로서 초현실주의를 포함한 현대미술 전체에 큰 영향을 줌.

<뒤샹의 레디메이드(readymade)>

뒤샹은 만 레이와 같이 뉴욕 다다에서 주도적 역할.

1913년 미술가의 역할에 대해

“물질을 교묘하게 치장하는데 있지 않고 미의 고찰을 위한 선택에 있다”고 정의.

-이후 개념 미술 작가들에게 영감의 원천을 제공함.




*표현주의

 

명칭의 유래

표현주의는 20세기에 독일을 중심으로 나타난 예술의 한 경향을 말한다. 표현주의라는 명칭은 1910년 쥴리앙 에르베가 자기작품을 설명 하면서 처음 사용했고, 현재의 의미로 사용된 것은 <베를린 신분리파>전시회에서 한 심사위원이 페히슈타인의 작품을 보고 “아직도 인상주의(Impressionism)인가?”라고 물었을 때 “아니다, 표현주의(Expression!ism) 이다'라고 대답한 데서 유래했다. 표현주의라는 말이 보편화된 것은 헤르바르트 발덴이 미술 잡지 <스트룸(Strum)>에서 표현주의라는 표제로 모든 혁명적 미술운동을 취급한 이후이다.

 

표현주의의 발생배경

•표현주의는 미술뿐 아니라 문학, 연극, 음악, 영화 등 대부분의 예술분야에 걸쳐 다양하고 광범위한 형태로 나타나게 되었다. 당시 프랑스와 영국은 산업화와 민주정치의 발달을 보였으나 독일은 급속한 공업화와 도시화, 전쟁이 끊이지 않는 가운데 정치, 경제적으로 매우 복잡하고 어지러운 상황이었다. 그 결과 부정과 사회적 모순에 대한 항의로서의 도덕적 병폐를 고발하는 폭력, 꿈, 비관주의, 유토피아를 향한 갈망과 옛것에 대한 증오 등이 혼합된 독일사회의 문제점을 반영하는 경향을 띤 사조인 표현주의가 처음으로 나타나게 되었다.

 

표현주의의 형성과 전개

표현주의의 정신적 출발점은 제 1차 세계대전과 그 전쟁 중에 생긴 주변 상황에 대한 공포라고 볼 수 있다. 표현주의 회화의 선구자로는 반 고흐, 고갱, 뭉크, 앙소르(Ensor)를 꼽을 수 있다.이들은 자연을 그대로 묘사하기보다는 개성적이며 독특한 색채 사용으로 감정을 환기 시키려 시도하였다. 당시 독일의 심각한 정치, 사회, 문화 전반에 걸친 문제점을 반영하듯 독일의 표현주의는 신비주의와 종교적 감성 그리고 기계문명에 대한 반발 등의 영향으로 비물질적이고 정신적 표현을 시도하게 되었다. 독일 표현주의는 사물의 외형이나 실체를 똑같이 재현하는 사실주의에 반대하여 사물의 내면에 존재하는 것들을 나타내고자 하였으며 그 결과 미술의 영역을 확장하여 눈에 보이는 세계를 훨씬 넘어섬으로써 추상적이고 가공적인, 예지를 할 수 없는 세계까지 다루려 했다. 표현주의 작가들은 주관적 감정에 따라 형태를 왜곡해 표현함으로서 기이하고 공포스러운 분위기를 표현해 당시의 정치적, 사회적 상황을 어떻게 표현할 것인가를 고민하던 예술가들에게 영향을 주었다.

20세기초 독일에서 일어난 표현주의는 크게 두 개의 운동으로 나눌 수 있다.

독일 표현주의: 그래픽의 충동,
20세기 초 독일과 오스트리아에서 시작된 폭넓은 모더니스트 운동인 표현주의에 관련하여~
당시의 미학, 사회, 정치 상업의 융합은 독일의 화가와 조각가에게 판화 드로잉 포스터 정기간행물 등의 그래픽 매체를 선택하게 만들었고, 그래픽예술, 판화의 부활로 이어졌다. 표현주의가 처음 떠오른 드레스덴을 시작으로 청기사파의 집결지인 뮌헨, 오스트리아의 표현주의가 탄생한 빈까지 막스베크만, 오토 딕스 등 

 

-1905년에 결성된 원시주의적 미술운동인‘다리파’(키르히너,헤켈,슈미트-로틀러프)

-1911년에 등장하는‘청기사파’(야울렌스키,칸딘스키,파울클레,마케,프란츠마르크,뮌터)

 

표현주의 영화의 발생배경

독일 정부는 제 1차 세계대전과 다양한 정치적 견해로 분열된 독일국가의 단결력을 결집하기 위해 1917년 작은 영화사들을 통합-U.F.A라는 거대한 회사를 설립했다. 이러한 상황은 경쟁력 있는 상품이었던 영화를 수출하기 위해 영화의 제작을 장려하는 분위기를 확산시켰다.(외국 영화의 수입이 철저하게 제한됨)

U.F.A의 활약으로 1920년대 독일 영화계는 최고의 전성기를 누린다. 이때 독립적으로 활동하던 소규모 제작사들은 U.F.A의 통상적인 영화 제작양식에서 벗어나려는 시도를 하게 되어 다양한 장르의 실험적인 영화들이 제작되었다. 여기서 당시 전위운동의 하나로 미술에서 먼저 나타난 표현주의 양식을 영화에 도입하였고, 독일인들의 패전의 경험에 따른 비현실적이고 불안한 사회분위기를 반영하는 소재들이 이러한 표현주의 양식과 결합하면서 독일 표현주의 영화라는 독특한 양식이 탄생하였다.

 

표현주의 영화의 특징

독일 표현주의자들은 현실을 기계적으로 복제하는 사실주의를 넘어 영화적인 현실세계에 주목, 새로운 창조를 위해 소리, 색, 시공간적 연속성 등을 철저하게 이용하였다.

피사체를 객관적으로 반영하는 카메라에 심리적이고 주관적인 시각을 부여했으며 또 빛의 화가 렘브란트를 연상시키는 로키(Low-key)와 키 라이트(Key-light)를 사용한 극단적인 명암과 정밀하게 짜인 세팅을 종종 사용하였다.

배우들의 연기조차 과장되면서도 정교화 되었다. 영화의 공간도 초현실주의적인 이미지를 담으며 기하학적이고 왜곡된 미장센이 도입되었다.

 

야수주의와 입체주의

20세기 초, 20세기 미술의 성향을 단적으로 제시하는 미술운동이 프랑스에서 일어난다. 야수주의와 입체주의가 그것으로 현대미술에 대한 대중의 인식에 지대한 영향을 주었다. 야수주의와 입체주의가 태동한 배경에는 고갱, 반 고흐, 세잔과 같은 후기 인상주의에 속한 작가들의 대규모 회고전이 있었다.

20세기 초 서구 제국주의 열강의 식민지 쟁탈과 이국적인 정취 선호가 확산되면서 미술에 있어서도 아랍문화, 아프리카 흑인미술 등에 대한 관심이 증대되었다.

 

1. 야수주의(Fauvism)

 

1)명칭의 유래

야수주의는 1905년에서1910년경까지 지속되었으며, 평론가 루이 복셀이 1905년에 열린 살롱 도톤느에 출품된 마티스, 드랭, 블라맹크 등의 작품을 야수들(Les fauves)의 그림이라 혹평한 데서 유래되었다. 프랑스 국립미술학교에서 상징주의 화가 구스타브 모로의 가르침을 받았던 마티스 등은 스승의 격려에 힘입어 새로운 미술에 대한 실험을 제기했다.

 

2)야수주의의 전개와 특성

야수주의는 1905년 살롱 도톤느와 살롱 데쟁데팡당전에서 최고조에 다다랐고, 1908년 이후에는 독자적 방향으로 나아가게 된다. 마티스, 드랭, 블라맹크 등이 즐겨 방문했던 낙천적이고 열정적인 프랑스 남쪽의 분위기는 야수주의의 밝고 낙관적인 주제와 색채로 드러난다.

색채를 통한 회화의 독자성을 추구했던 야수주의는 그동안 회화에 있어 보조적인 위치에 있었던 색채를 선, 형태, 상징과 같은 위치로 끌어올려, 색채를 중심으로 하는 새로운 회화를 선보였다. 또한 색채를 묘사적 기능에서 해방시켜 표현적, 장식적 기능으로 사용함으로서 강렬한 원색으로 대표되는 색채 감각에 의한 형태변형과 단순화를 시도함으로서 색채의 독립을 선언했다.

 

 

2. 입체주의(Cubism)

 

1)명칭의 유래

입체주의는 1900년에서 1914년까지 파리에서 진행되었던 미술운동이다. 1908년 마티스는 살롱 도톤느에서 브라크의 그림을 작은 입방체(cube)라 칭했고, 평론가 루이 복셀이 브라크의 그림을 두고 ‘모든것을 기하학적 도형, 입체로 환원시킨다’라고 조롱한 것을 계기로 입체주의 이론가인 시인 아뽈리네르가 피카소, 브라크 등이 창시한 새로운 미술운동을 지칭하는공식 명칭으로 입체주의를 사용하게 되었다.

 

2) 입체주의의 전개와 특성

(1)입체주의의 성립배경

19세기말부터 회화적 본질에 대한 숙고와 과학은 발전은 입체주의가 태동할 수 있는 배경으로 작용했다. 막스 플랑크, 아인슈타인 등의 혁신적 이론 발표와 라이트 형제의 비행성공은 회화에서도 가시적인 것을 넘어서는 조형 분석력과 , 입체감에 대한 관심을 갖도록 부추겼다.

1907년 살롱 도톤느에서 개최된 세잔의 대회고전은 입체주의가 전개되는 데 결정적인 영향을 미친다. 인상주의가 부정한 사물의 고유색을 인정하고 데생에 새롭게 주목한 세잔의 그림은 모든 사물의 기본적 형태를 단순한 기하학적 모양으로 환원해 2차원적 평면에서 재구성해 표현한 특징을 갖고 있었다. 이렇게 모든 물체를 구, 원추, 원통으로 제시한다는 것은 한 화면에 여러 개의 시점 공존과 직결된다고 할 수 있다.

화면에 합리적, 객관적 질서를 부여하려 했던 고전미술에 다시 주목함으로서, 단순히 감정적 표현에서 벗어나 보다 이지적이고 지성적인 미술이 나올 수 있게 했다.

아프리카 흑인미술, 고갱의 타히티 그림에서 드러난 원시미술은 형태의 단순화와 힘의 표현에서 입체주의가 새로운 형태와 공간을 재현하는데 영향을 주었다.

(2)입체주의의 특성

입체주의는 전개과정에 따라 분석적 단계와 종합적 단계로 구분된다.

피카소는 1907년 작 <아비뇽의 아가씨들>에서 공간처리에서 세잔의 파사주 기법을 사용하여 여러 개의 시점을 단일 형태에서 결합했다. 인물의 처리에서 화면 오른쪽 아래에 주저앉아 있는 여인은 기존의 관점에서 보면 얼굴은 앞모습이고 몸은 뒷모습인 불가능한 자세를 하고 있다. 복수의 시점이 한 형태에서 어떻게 결합하고 있는지를 보여 주는 예이다.

또한 여인들의 얼굴 표현에서는 아프리카 가면의 영향이 드러난다.

브라크는 <레스타크의 집들>(1908년)에서 색조를 제한하고 공간 처리에 있어 역시 세잔의 파사주 기법을 사용했다. 일종의 기하학적 풍경화라 볼 수 있는 이 작품은 고정된 관객의 시점에서 벗어나 여러 시점을 사용하고 화면에 빛을 투영하는 광원을 화면 곳곳에 산재시킴으로서 공간과 2차원적 평면인 화면사이에 미묘한 긴장관계를 부여하고 있다.

a. 분석적 단계: 대상을 단면들로 잘게 분할, 색조를 제한하여 사용하거나 단색조 화면을 제시한다.

ex)피카소, <칸바일러의 초상>, 1910.

브라크, <바이올린과 촛대>, 1910.

b. 종합적 단계

1912년경부터 피카소, 브라크는 실제 생활 및 대중 문화-신문지, 벽지, 상표 등의 요소들을 화면에 직접 도입해 화면위에서 조합해 낸다. 색채가 재도입되며 콜라주(collage), 파피에 콜레(papier colle)가 발명되기에 이른다.

ex)피카소, <등나무 의자 무늬가 있는 정물>, 1912/ 밧줄, 유채, 종이를 붙임

브라크, <과일 접시와 유리컵>, 1912/ 목탄, 종이를 붙임

(3)입체주의의 의의

입체주의는 이후에도 지속적으로 작가들에게 중요한 위상을 차지한다. 입체주의는 20세기 전체에 걸쳐 지속적인 영향을 주었다. 입체주의의 미술적 이념은 회화의 독립을 완성해, 추상미술로 가는 직접적인 통로로 작용했다



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  1. @artnstory Art&Story 2018.10.06 19:55 신고 Address Modify/Delete Reply

    독일 표현주의: 그래픽의 충동,
    20세기 초 독일과 오스트리아에서 시작된 폭넓은 모더니스트 운동인 표현주의에 관련하여~
    당시의 미학, 사회, 정치 상업의 융합은 독일의 화가와 조각가에게 판화 드로잉 포스터 정기간행물 등의 그래픽 매체를 선택하게 만들었고, 그래픽예술, 판화의 부활로 이어졌다. 표현주의가 처음 떠오른 드레스덴을 시작으로 청기사파의 집결지인 뮌헨, 오스트리아의 표현주의가 탄생한 빈까지 막스베크만, 오토 딕스 등

  2. @artnstory Art&Story 2018.10.06 22:18 신고 Address Modify/Delete Reply

    오토 딕스, 조지 그로스와 신즉물주의
    암울한 독일 시대상을 감정과 감성이 통제된 냉철함으로 현실을 기록하듯
    제 1차 세계대전 후 출범한 바이마르공화국(1919~1933) 시대에 활동했던 신즉물주의 작가들이다.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

1979년부터 신체를 주제로 작업을 하였다. 80년대 초 뉴욕으로 거주지를 옮겨 한동안 언더그라운드 비주류 작가로 인식되면서 White Columns, Artists Space, PS1과 몇몇 상업 갤러리들에서 그룹 전을 통해서 작업을 발표하였다. 그러다 1988년 Fawbush 갤러리에서 첫 개인전을 필두로 하여 1990년 Museum of Modern Art의 Projects전시를 기점으로 키키 스미스는 불과 몇 년 사이에 세계적인 작가로 급성장하게 되었으며 오늘날 여성으로서 가장 주목 받고 있는 작가 중 한 사람이라고 할 수 있다.

 

키키 스미스의 작업을 통해서 표출되는 신체에 대한 작가의 해석은 매우 독특한 것인데 이는 상당부분 스미스 가족의 질병이나 죽음과 얽혀 있음을 알 수 있다. 저명한 미니멀리즘 조각가였던 아버지 토니 스미스가 1982년 사망한 직후, 그리고 1988년 에이즈로 사망한 언니의 죽음을 목격한 이후 키키 스미스는 가장 암울하고 어두운 일련의 작업을 발표하였다. 이러한 개인사적인 요인들이 초기작업에 작용하는가 하면 80년대 당시 미술계에서 신체미술이 두드러지는 담론으로 등장하였던 상황과도 맥을 같이 한다. 그리고 이는 에이즈에 대한 위기의식과 함께 신체와 성에 대한 경각심, 동성애 공포증과 낙태 찬반론 등 신체를 둘러싼 공공연한 논쟁이 미국 사회에 널리 확장되면서 미술작업에서 신체는 줄곧 피폐하거나 병리학적인 대상으로서 재현되었다.

 

 

이러한 사회적 배경으로 루이스 부르주아를 이어 로버트 고버와 키키 스미스를 비롯한 다른 미술가들이 조각난 신체의 형상들을 이용해 섹슈얼리티와 필멸성의 문제를 제기한다.-1900이후 미술사 -

 

 

 

키키 스미스의 초기 작업에는 신체를 극적인 환경에 연출하는 작업이 자주 등장하였는가 하면, 육체와 체내의 내장과 기관을 임상실험적으로 탐구하는 작업으로 크게 분류할 수 있다. 작가는 그녀의 초기작업에 대하여 신체는 외부와 내부를 노출시켰을 때 무척이나 아름답다고 하며 대부분 사람들은 체내기관에 대해서는 아무런 시각적인 경험이 없다는 것을 지적하였다. 키키 스미스는 체내기관을 오브제 조형물로서 재현하면서 선례가 없는 이미지의 레파토리를 창출하였으며 이들은 신체라는 하나의 틀을 떠나서 독립적인 조형물로 존재할 때 상당히 경이로운 형체들이다. [소화기(1988)]는 철을 캐스팅한 조각으로서 내장을 미치 라디에이터 난방기처럼 재현하여 벽걸이 조각으로 제작하였고, [무제(1986)]라는 작업은 12개의 유리병을 낮은 선반에 진열하는 설치 작업이었는데 각 병에는 고딕 글씨체의 라벨이 각인되어 있었으며 라벨들에는 가기 다른 신체 분비물을 지칭하는 단어가 쓰여져 있었다: 땀, 피, 구토 등, 그녀는 또한 자기로 골반을 제작하는가 하면 석고로 갈비뼈를 만들고, 자궁의 형태와 수백 점의 작은 정자 소품들을 유리로 제작하였다.

 

이러한 신체 부위를 재현하는 작업을 진행하면서 1987년에 키키 스미스는 처음으로 등신상을 제작하였는데, 이때 작가는 중세 아기 예수상을 모델로 하여 형태를 극히 단순화시킨 아기상을 브론즈로 제작하였다. 아기상은 높은 받침대에 진열되어 마치 제단에 놓이는 종교상과도 같은 의식적인 의미를 갖는 것으로 숭배와 경의의 대상으로 제시되었다. 베를린의 한 공공미술 프로젝트의 일환으로 이 조각이 전시되었으며 키키 스미스는 이 아기상을 경찰국 사무동 내부에 전시하였고, 예수상은 창문 앞에 설치되어 바로 맞은편에 있는 Spandau 포로수용소를 바라보게 전시되었다. 이 수용소는 세계 2차 대전 이후 줄곧 나치 장교였던 한명의 포로가 유일하게 감금되어 있던 곳이다. 즉 아기상은 수용소를 응시하고 있었고전시 중에 수용소 건물이 해체되는 것도 목격하게 되었다. 이 조각은 카톨릭의 조상을 인용한 하나의 기호로 작용하면서 전시된 Site의 상징적인 의미체계가 하나의 문맥을 형성하여 사랑, 순수와 자비를 상징하는 아이콘과도 같은 기능을 발휘하였다. 스미스의 또 다른 대표작 중에서 1991년 휘트니 비엔날레에 출품했던 등신상의 남녀 조각이 있다. 이 두 인물에서는 흰 체액이 몸에서 분비되어 남자는 정액이 다리를 타고 흐르고, 여자는 젖가슴에서 우유가 흘러내리는 것을 볼 수가 있다. 그들은 겨드랑이 아래에서 금속 지지대가 받쳐주고 있어 몸이 공중에 매달려 전시되었는데, 남녀가 머리를 떨구고 있고 발이 아래로 힘없이 처져있는 그 형상은 상당히 비참하게 보인다. 이들의 벌겋게 헐벗은 몸은 비애와 고통을 신체로 표현하고 있으며 순교자의 모습과도 같은 숭고함 마저 자아 내었다.

 

키키 스미스의 작업을 조망하는데 있어서 이 작가의 다양한 재료의 선택 또한 중요한 요인이다. 작가는 특히 신체를 표현하는데 있어서 종이나 왁스와 같은 유연한 재료를 즐겨 사용하였는데 이러한 재료들이 상대적으로 다루기 용이하고 온순한 재료이며 사람의 피부와 가장 흡사한 질감의 재료라고 작가는 설명한다. 키키 스미스는 특히 종이를 매우 독창적으로 사용해 왔는데 줄곧 드로잉과 판화의 평면작업 화면으로서 뿐 아니라, 조각의 재료로서, 그리고 설치작업에서 배경을 연출하는데 상당히 독특하게 사용하였다. 1990년 필라델피아와 뉴욕의 Clocktower 전시에서 스미스는 종이로 제작한 등신대 남자 여러 구를 천장에 고정하여 공중에 매달아 놓고 전시실 벽면에는 핏기가 도는 빨갛게 물들인 종이를 부착하여 공간을 마감하였다. 관람객의 머리 위로 무중력의 허공을 떠도는 종이 인구들은 에이즈로 목숨을 잃은 많은 희생자들에 대한 추모와 애도를 표현하는 작업이었다.

작가는 또한 종이로 여성상을 줄곧 재현하였다. 익명의 여성상들은 신체에서 분비물을 흘리고 배출하는데 작가는 근본적으로 여성의 신체를 불완전한 매개체로 인식하며 생리적으로 여성의 신체는 내부에서 밖으로 배출하고 분비되는 메커니즘이라고 인식하였다. 예를 들면, [소변(19922)] 또는 [꼬리(1992)]등의 작업을 보면 여성의 신체는 변화무쌍하고 늘상 유동적이며 이는 생리, 임신, 출산 등의 여성의 생리적인 주기와 연관되어 신체의 젠더를 정의하는 작가의 독특한 방식이다.

 

이러한 종이 조각과 병행하고 있는 작가의 브론즈 작업에 대하여 키키 스미스는 브론즈가 내구성이 강하고 사용하기 어려운 재료이며 이는 신체를 모조하기를 거부하는 재료하고 언급한다. 그러나 작가는 점차 그의 대표적인 야심작들을 브론즈로 제작하면서 자신의 브론즈에 대한 애착을 가시화 시키고 있다. [성모 마리아(1993)]는 브론즈로 제작되어 전신이 박피된 상태로 근육이 노출되어 있고 혈관을 은으로 입사한 작업이다. 또한 [마리아 막달레나(1993)]는 전신이 거친 털로 덮여 있고 발목에는 쇠사슬이 묶여진 여성으로 표현하였는데, 이는 독일의 초기 기독교 미술에서 마리아를 야성인으로 묘사한 유례에서 인용된 것이다.

 

이러한 종교적인 브론즈 상들은 중세미술과 고딕양식에서 볼 수 있는 카톨릭교의 신체 조상에 대한 작가의 깊은 관심을 보여준다. 특히 초기 교회에서 나타난 신체상을 보면 여성의 육신은 성령과 초능력, 마력을 수용하는 신비스러운 대상이라고 격하시켰으며 더불어 영적인 영역과 격리시켰다는 것이다. 그리하여 작가는 초기 카톨릭교의 신체 도상들에 대한 관심을 작품에 도용하고 있고, 키키 스미스의 작업에서 여성의 신체는 신성과 자연을 표현하는 매개체의 역할을 한다. [봄]이라는 작업도 생명체가 움트는 봄기운이라는 추상적이고 시적인 개념을 웅크리고 앉았다가 서서히 일어나려는 자세의 소녀상을 통해 표현하고 있다. 이러한 일련의 작품을 통해서 여성의 신체는 영적인 것을 의미하는 도구로서 존재한다. 카톨릭교에 대한 작가의 관심에 대하여 그는 다음과 같이 언급하였다.

 

카톨릭교에 있어서 한가지 중요한 것은 이것이 '영적인 것을' 물질로 구체화시키는 종교라는 것이다. 영적인 것과 정신에 대한 개념들을 물질적인 형상으로 전환하고 있다. 카톨릭은 영적인 상황을 묘사하는데 신체를 모델로하거나 이미지를 도입한다. 카톨릭 교리의 핵심적인 기적의 행적들은, 예를들면, 성령의 잉태, 십자가 위에서의 죽음과 부활, 예수님의 승천과 성모승천등 모두 육신을 통해서 설명되며, 신체가 곧 성령의 매개체라는 인식을 기초로 표현된다.

 

종교상의 선례와 도상에 대한 작가의 관심은 1995년 Pace Wildenstein 갤러리에서 발표한 작업들에서도 나타났는데, 특히 양팔을 벌리고 있는 여성상은 십자가에서 내려오는 예수상의 도상을 도용한 것이라고 한다. 이러한 자세나 제스쳐 자체가 드러내는 상징적인 의미는 [번제]라는 등신상을 브론즈 조각에서도 볼 수 있다. 장작더미 위에 무릎을 꿇고 앉아 있는 이 여인은 양팔을 힘없이 벌리고 있고 그의 앙상한 작은 팔과 손은 삶과 죽음과 고통에 대한 수용의 의지와 포용력을 표현하는 듯하다. 토르소는 나이 들고 부서지고 상처 받은 여인의 몸을 회화적으로 표현하고 있다. 이 여인은 고개를 뒤로 기울려 관람객과 시선을 자아낸다. 장작더미는 여인을 관람객의 눈높이로 올려서 받쳐주는 구조적인 역할을 하는 조형적인 요소일 뿐 아니라 상징적인 기호체계이기도 하다. 이는 죽음, 제례 의식이나 화형식을 연상시키는 기호이면서 고대신화에 여러 차례 등장하는데 카르타고의 여왕 디도가 장작더미 위에서 화장되었는가 하면 헤라클레스도 자신의 죽음을 극적으로 연출하기 위하여 장작더미를 쌓았다는 이야기가 있다. [번제]라는 이 조각에서 나타나는 드라마는 일련의 얼굴 드로잉으로 이어진다. [스틸; 번제]라는 이 드로잉 시리즈는 9장의 섬세한 필치의 연필 드로잉이며 그 그림 속의 얼굴은 성이나 나이가 불분명한 익명의 얼굴들로서 이 드로잉 시리즈는 비애와 멜란콜리에 젖은 얼굴들이 서로 교차되면서 하나의 장엄한 파노라마를 이룬다. [유희]라는 제목의 드로잉 시리즈는 구약에서 그 소재를 빌린 것이다. 표면 구김이 많은 대형 종이에 키키 스미스는 잉크 드로잉을 콜라쥬하여 입체적인 화면을 구성하였다. 드로잉 속에는 상반신은 여자이고 하반신은 파충류로 보이는 형상이 나무와 선악과를 배경으로 다양한 자세로 묘사되었다. 그녀는 장난스럽게 선악과를 따려고 앞다리를 뻗고 있는 장면과 선악과를 다리로 쥐고 있는 장면들이 하나의 서술적인 이야기를 꾸미고 있다. 하와의 이미지를 원죄의 주체이면서 동시에 사탄의 유혹에 희생당한 피해자로서 묘사하고 있다. 젊은 여성의 섬세한 얼굴을 하고 있는 상반신은 거칠고 억센 뱀의 하반신과 강력하게 시각적으로 대칭되어 있으며 이러한 병력관계는 드로잉 전체에서 제시하는 선과 악, 미와 추, 인간과 자연/동물 등의 일련의 대립되는 개념들을 동반하고 있다.

 

키키 스미스는 또한 일련의 여성상을 제작하였는데 그 레파토리는 종교적인, 또는 신화적인 유래를 가지며 구체적으로는 구양성서, 고대신화, 켈트족의 민속신화, 이집트의 우주론 등 매우 다양하다. 작가의 이러한 일련의 여성상들은 인간의 한계를 거부하거나 초월하는 인물로서 설정되고 이들은 초능력이나 비상한 힘을 발휘하는 존재들이다. 한 예로 [사이렌]이라는 브론즈 조각은 뮤즈의 딸이라고 하며 반인반조였다는 신화적인 존재를 조형적으로 재현하였다. 섬에서 살았다는 사이렌은 그 노래 소리가 너무나도 아름다워서 지나가는 선원들을 유인하여 영원히 그 섬 주변을 맴돌게 하였다는데 그래서 사이렌의 주변은 서원들의 뼛가루로 온통 하얗게 뒤덮여 있었다고 한다. 이러한 사이렌을 작가는 어두운 여성상으로 재현하면서 몸을 웅크리고 앉아 두 손을 입으로 모아 아름다운 노래를 발산하여 관람객을 향하여 죽음의 노래를 전하고 있는 듯 하다. 연약하고 앙상한 사이렌의 몸은 삼엄하고 나이든 여인의 얼굴과 극적인 대비를 이루고 있다. 이 신화 속의 여인은 인간과 동물세계에 공존하며 아름다움과 죽음을 동반하는 Femme fatale 이면서 연약하면서도 무서운 힘을 소유하는 형상이다. 키키 스미스의 신화적인 여성상 중에서 Nuit 라는 인물이 줄곧 등장한다. Nuit는 고대 이집트인들의 하늘의 여신인데 그녀는 매일 밤 태양을 삼켰다가 다음날 아침 이를 토해내는 여신이었다고 한다. 1993년 MAK(오스트리아 응용미술관)에서 개인전 당시 처음 발표되어 차후 여러 차례 작가의 작업에서 등장한 여성상이다. Nuit는 대체로 팔다리가 길고 지구를 굽어 넘어 서있는 여성으로서 재현되는데 Nuit는 키키 스미스에게 특히 관심으 대상이었다. 고대 이집트인들이 여성의 신체를 생명력의 근원, 우주를 잉태한 주체로서 인식하였다는 것이 특별한 의미가 있다는 것이다. 그리고 작가는 또한 여성 신을 해와 달과 별들을 창조한 조물주로 인식한 고대인의 신앙은 범문화적으로 나타나는 종교적 신화적인 원형이며 인간이 사람의 형상으로 신을 상상하였고 더불어 세상을 인간이 척도가 되어 재구성한 것과도 맥을 같이 한다고 설명한다. 대형 설치작 [별과 달]이라는 작업도 이러한 맥락에서 해석할 수가 있을 것이다. 국제갤러리 전시를 위하여 유일한 Edition으로 제작된 [별과 달]은 역시 연약한 몸에 강인한 얼굴의 두상을 하고 있는 여성상이 높은 받침대 위에 서 있으며 상체를 살짝 앞으로 굽어 서있으며 양팔을 앞으로 향해 벌리고 있다. 분명 Nuit여신인 그녀의 등과 다리에는 작은 별들이 부착되어 있고 그녀의 주변에는 큰 브론즈 원판들이 세워져 있는데 이들 천체들은 여신의 주위를 궤도를 그리며 회전하게끔 제작되었다.

 

암울하고 임상학적인 초기 작업에서 키키 스미스는 점차 신체를 통해서 미와 영적인 것을 표현하게 되면서 또한 공예와 장식적인 미술에 대한 관심을 작업에 도입하기 시작하였다. 장식적인 미학의 도입은 키키 스미스의 작업 전반에 걸쳐 하나의 전환점을 제공하게 되었다. 작가의 신체작업이 극한 상태를 탐지하면서 더 이상의 실험적인 탐구의 여지가 불가능하게 되었다는 자각에서 작가는 신체에 대한 집착에서부터 관심을 넓혀 동물 세계와 자연을 소재로 채택하였다. 그녀의 장식적인 작업 중에서는 키치적인 부분이 없지않게 나타나는데 작가는 솔직하게 대중적인 기호에 부응하는 것을 즐긴다고 한다. 키키 스미스는 장식적이라는 평가는 줄곧 여성미술을 지칭하는데 부정적인 것을 시사한다고 하며 그렇기 때문에 장식적인 미학을 더욱 적극적으로 도입하여 이러한 미학에 대한 인식을 타파해야 한다고 언급한 바 있다. 작가의 이와 같은 장식성에 대한 관심에 의해 소재의 선택에 있어서 그가 상당히 자유로워진 것 같다는 인식을 받는다. 한 예로 [수정체]라는 다섯장의 애칭판화는 순수미술에서 흔히 볼 수 없었던 독특한 이미지이다. 작은 수정체의 미세한 부분들을 미시적인 시각으로 관찰하여 섬세하고 시적인 아름다운 이미지를 구상하였다. [꽃]이라는 아쿠아틴트 애칭판화는 꽃 세 송이를 화면 중앙에 배치한 단순한 구도의 그림이며 지나치게 달콤한 소재에 파스텔 색조가 키치한 느낌마져 드는 이미지로서 키키 스미스의 다양한 작업방식을 예증하는 작업이라고 본다.

 

[영생]은 박제된 원숭이를 모사한 에칭판화인데 이는 키키 스미스가 제작한 다양한 동물 이미지의 레파토리의 한 일환이다. 동물에 대한 관심은 몇 년전 New Jersey주에서 하늘을 날던 까마귀 떼가 살충제로 오염된 구름을 지나가다 독살되어 떨어져 죽었다는 뉴스를 접한 것이 계기가 되었다. 작가는 이로부터 "노아의 방주" 또는 죽음의 방주 작업에 착수하게 되었고 이는 생태계에서 위협을 받고 있는 동물들에 대한 하나의 제례의식으로서의 박제된 동물표본이나 다양한 동물들을 오브제로 제작하는가 하면 드로잉과 판화로 그려내고 있다. 키키 스미스의 최근작을 통해서 작가의 작업을 밀도 있게 경험할 수 있을 것이다. 그녀의 작업은 전시공간의 환경에서 관람객의 시선을 사로잡고 주변 공간을 극적으로 점유한다. [인어]라는 작은 브론즈 두상은 오목하게 파인 부분에 이목구비가 새겨져 있고 물고기 꼬리가 달려 있어 벽에 나사로 고정되는 오브제이다. 이 작은 형상이 전시실 입구에서부터 관람객의 시선을 집중시키고 가까이 다가서다가 먼 발취에서 멈추어 조명을 받고 돌출되는 불가사의한 얼굴을 바라보게 된다. 입체적이면서 활짝 미소 짓고 있는 어린아이 같은 얼굴은 동시에 마왕의 탈 같기도 한 섬뜩한 마스크이다.

 

신체를 재현하는데 있어서, 특히 여성의 신체를 표현하는데 키키 스미스는 신체 미술을 하는 많은 여성들과 달리 자서전적인 작업방식에서 탈피하고 있다. 작가의 작업은 줄곧 난해하다는 평가를 받았는데 최근 작업에서는 의미체계가 확장되고 인간의 근원적인 신화에 대한 탐구 내지는 범문화적인 경험과 이야기 구조를 채택하고 있어 좀더 쉽게 다가갈 수 있을 것이다

 

 

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  1. 홍콩 2014.07.17 16:38 Address Modify/Delete Reply

    세번째 작품명이 뭔가요?


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IYVE KLEIN

History of Arts/20C 2010. 3. 9. 17:20 |
YVES KLEIN (1928~1962) 은 194점의 단색화를 그리며 이브클라인 블루를 창조했다.









 

 

 

 

 

 



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MARK ROTHKO

History of Arts/20C 2010. 3. 9. 13:25 |

1970년 2월 20일 자살. 러시아 태생 유대인 출신인 그는 미국으로 이민. 예일대 전장학금. 예술이 세상을 바꿀 수 있다고 믿는 예술가. 예술은 현대 생활의 진부함을 없애 줄 해독제라고 생각. 작품은 관람자 앞에서만 살아있다.
1923년 뉴욕으로 갔으나, 재즈보다는 모짜르트와 마르크스에 심취.



당시 팝 아트와 마크로스코는 대조적인 모습이다.
그는 근본적인 인간의 감정을 표현하는데 관심. -비극, 황홀경, 운명. 
1936년 모마에서 열린 다다이즘, 피카소 등등을 봤지만, 특정한 대상으로부터 회화를 해방시킨 마티스의 붉은 화실을 보고 감동받음. 
미켈란젤로 건축 산 로렌초 성당 도서관을 보고 그가 추구하는 모든 것이 같다고 생각한다. 밀폐된 창, 밀폐된 문, 

1940년대 미국 회화 경향: 색면회화 COLOR FIELD ABSTRACT
추상적 이미지를 색채형태와 색채영역의 방식으로 제시.
현대미술의 화려함 보다는 영혼을 열어주는 출구, 탄생과 죽음.
그의 작품은 사람들을 빨아들이는 중독상을 갖고 있다, 그것은 "빛"
깊고 몽롱한 빛을 담은 색채.(렘브란트와 터너만큼 강렬하고 복잡한 작품.)
자석과 같은 신비한 느낌. 심오하고 깊이가 느껴지는 독창적인 작품 세계.
단순한 색채의 연속같지만, 다른 작품과는 다르게
잔물결이 이는 느낌은 빛을 느낄 수 있다.

그는 그의 작품이 부자들의 실내장식화가 될까봐 두려워햇다.
그의 작품은 대중 문화의 한 대안일 뿐, 대중 문화의 동반자가 아니었다.  


창조의 순간을 지배 BLUE&BLACK , BLACK&GRAY 빛과 어둠. 대지와 천상의 분리. 
색면속으로 빨려들어가고 색면 내부의 경계와 색면 경계의 사라짐.


 1. 지하철 시리즈- 현대 사회의 고독감, 아웃사이더, 단절, 비극적이미지와 관념, 그러나, 실체가 없으므로 끄집어 낼 수 없다. 
2.  RED 는 세계로 향하는 시비의 모험, 출구, 통로.
3. HUSTON 성당의 벽화시리즈 BLACK는 어둠이 내려앉은 모습. 빛을 어둡게 더이상 어두울 수 없는 무덤 속으로의 표현이다. 그의 예술을 산 채로 매장하여 조용히 타오르고 있다.




















 

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