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'2020/06'에 해당되는 글 13건

  1. 2020.06.23 방학입니다~.
  2. 2020.06.15 미국미술 1945년이후~~~
  3. 2020.06.15 Damien Hirst (1)
  4. 2020.06.15 19C- 신고전주의 (1)
  5. 2020.06.15 19C- 자연주의
  6. 2020.06.15 19 -낭만주의(터너) (1)
  7. 2020.06.15 밀레 자연주의
  8. 2020.06.15 19C- 사실주의
  9. 2020.06.15 오노레 도미에
  10. 2020.06.15 CAVE ART

방학입니다~.

school 2020. 6. 23. 15:36 |

2020년도 1학기

예술사, 현대미술과 문화

온라인 강의 듣느라 수고하셨습니다.

 


방학입니다...

 

신나게 놀고~.

여행도 하고~. 책 많이 읽고~..

젊음, 좀 더 값지고 멋진 시간으로 채우세요~.

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제 2차 세계 대전이 끝난 1945년  

제 2차 세계 대전은 미국인의 삶과 문화에 분수령이 되었다. 

물리적인 피해가 전혀 없는 미국은 정치, 경제면에서 완전한 승전국으로 급부상하였다. 

전후 베이비 붐. 매년 백만명 이상 인구 증가.

전후 일자리 확대로 가계소득과 중산층 증가.


제 2차 세계 대전  후 

유럽이 전쟁의 폐허를 복구하는 동안, 뉴욕은 미술계의 수도로서 파리를 대체했다. 

뉴욕학파= 추상 표현주의  

1. 미국에 이민, 망 명한 천재들의 덕분... 한스호프만 몬드리안 샤갈 달리 

유럽 전위예술과의 직접적인 접촉으로~~~ 신화적인 내용, 무의식, 이성적이고 개념보다 직관적 과정을 우선시 ---   창작의 자발성과 스케일의 극적 증대 로 최초의 미국미술사조

뉴먼 : 기억, 연상, 향수, 전설, 신화 로부터 자유로워지기를,

마크 로 스코 :기억, 역사, 기하학이라는 장애물 거부.

소재를 포기하고 유럽 문화의 무게에서 벗어나려면 움직임. 미국 고유의 무언가를 찾으려는 시도 


미국예술가들에게 전통과의 결별은  커다란 모험이었고, 대서사시적인 스케일은 야망의 표현이었다. 

구속까지 않는 개인적 표현을 통해 자유가 가장 잘 전달 된다고 생각했다. 자신들이 만들어낸 추상적 형상이 국경과 개별문화의 특수성을  뛰어넘는다고 생각.

 폴록: 나는 그림 안에 있는 동안 내가 무엇을 하고 있는지 깨닫지 못한다. 

라인하르트: 12가지 원칙- 질감 필법 드로잉  형태 디자인 색채 광선 움직임 공간 시간 크기나 스케일 없음... 예술은 자연에서 벗어나면서부터 시작된다. 



1950년대:::

사실주의와 도피주의적인 뮤지컬 ( 왕과 나, 아가씨와 건달들, 마이페어레이디, 사운드 오브뮤직)

풍요로운 1950년대 십대계층 팽창:: 주요한  소비계층. 제임스 딘. 로큰롤, 재즈, 엘비스 프레슬리, 

부가 행복을 보장~ 돈의 열병;; 역설적인 경제적 풍요를 사진 사람들의 삶이 최악.  

앤디워홀. 

미술의 삶~  재스퍼 존스 라우센버그 


Posted by @artnstory Art&Story

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Damien Hirst : Retrospective at Tate Modern

영국 테이트 모던 미술관(Tate Modern Museum)

데미안 허스트(Damien Steven Hirst)의 Retrospective 전시를
4월부터 9월까지 진행합니다.

영국에서 제일 부유한 아티스트인(2010년 조사에서 4000억)

데미안 허스트는 죽음을 작품의 주요 테마
(4.3m      The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living

 damien hirst, the physical impossibility of death in the mind of someone living, 1991
 glass, painted steel, silicone, monofilament, shark and formaldehyde solution
 photographed by prudence cuming associates, © damien hirst and science ltd. all rights reserved, DACS 2012

 


첫 번째 ‘동물’ 설치 작품인 A Thousand Years 가 1990년 친구인 칼 프리드만과 빌리 셀먼과 함께 준비한 “warehouse” 쇼인
Modern Medicine and Gambler라는 전시에서 소개되고 자신의 후원자가 된 찰스 사치를 만나게 된 후부터 점점 명성을 얻게 됩니다.

damien hirst, a thousand years, 1990 (installation view)
glass, steel, silicone rubber, painted mdf, insect-ocutor, cow's head, blood, flies, maggots, metal dishes, cotton wool, sugar and water
photographed by prudence cuming associates
© damien hirst and science ltd. all rights reserved, DACS 2012

세계 최대 광고 에이전시 중 하나인 사치&사치(Saatchi&Saatchi)의 공동 창립자 중 한 사람인 찰스 사치(Charles Saatchi)는
그 후 데미안 허스트에게 원하는 작품을 무엇이든 제작할 수 있도록 지원.

그런 후원을 통해 데미안 허스트는 1992년 사치 갤러리에서 영 브리티시 아티스트(Young British Artist) 
이때 그 유명한 The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living 라는 타이거 상어 사채 작품을 전시합니다.
(이 작품의 제작에 1억원 정도가 들었다고 하며 상어는 호주의 인가된 어부에게 잡힌 것으로 천 만원 정도에 구입하였다고 합니다)

뉴욕타임즈는 2007년 이 작품에 대해 이렇게 설명하였습니다.

“허스트는 종종 마음을 튀기려한다. 그러나 그 방법은 매우 직접적이면서 종종 본능적인 경험을 주는 것이다.
이 작품의 제목을 생각해 보면 상어는 당신이 만나기 전까지 잡을 수 없는 유리 상자 안에 매달려 침묵하는 삶과 죽음의 형상이다.
이는 악마적이면서 죽음과 가까운 형상으로 살고자 하는 선천적인 악마적 욕구를 준다.”

damien hirst, the physical impossibility of death in the mind of someone living, 1991
glass, painted steel, silicone, monofilament, shark and formaldehyde solution
photographed by prudence cuming associates, © damien hirst and science ltd. all rights reserved, DACS 2012

1992년 뉴욕 코헨 갤러리에서 열린 전시에서는 Pharmacy 라는 설치 미술
선반에 올려진 알약들은 상단에 머리를 위한, 중간에는 내장을 위한, 그리고 하단에는 발을 위한 약을 배치하여 인간의 신체와 같은 모델을 만들었습니다.

이 작품 역시 죽음이라는 그의 테마와 연관되어 있는데, 죽음을 막아내지 못하는 이런 알약들의 나열을 통해 인간의 끊임없는 삶에 대한 욕망과 의료술에 대한 믿음?
 “나는 사람들이 왜 예술이 아닌 의술을 아무런 의문 없이 맹신하는지 이해할 수 없다.”

damien hirst, pharmacy, 1992
glass, faced particleboard, painted MDF, beech, ramin, wooden dowels, aluminium, pharmaceutical packaging,
desks, office chairs, foot stools, apothecary bottles, coloured water, insect-o-cutor, medical text books, stationary,
bowls, resin, honey and honey
dimensions variable
tate, photographed by prudence cuming associates, © damien hirst and science ltd. all rights reserved, DACS 2012

damien hirst, pharmacy, 1992
glass, faced particleboard, painted MDF, beech, ramin, wooden dowels, aluminium, pharmaceutical packaging,
desks, office chairs, foot stools, apothecary bottles, coloured water, insect-o-cutor, medical text books, stationary,
bowls, resin, honey and honey
dimensions variable
tate, photographed by prudence cuming associates, © damien hirst and science ltd. all rights reserved, DACS 2012

1993년 베니스 비엔날레에서 열린 전시에서는 또 다른 ‘동물 사체’ 시리즈인 Mother and Child Divided 란 작품을 내놓았으며,
(소와 송아지의 사체를 포름알데히드 등으로 처리하여 각각의 상자에 넣은 작품)

Mother and Child Divided, 1993.
Glass and steel tanks, GRP composites, glass, silicon, cow, calf and formaldehyde solution
in four parts: 190 x 323 x 109 cm, 190 x 323 x 109 cm, 103 x 169 x 63 cm, 103 x 169 x 63 cm
image from c4gallery.com

1994년 런던에서 있었던 전시에서는 양의 사체를 이용한 Away from the Flock 라는 작품을 공개하였습니다.

전시 중 Mark Bridger라는 옥스포드의 아티스트가 갤러리에 들어와 양의 작품에 검은색 잉크를 쏟아 Black Sheep이라고 명명한 사건이 있었는데요.
이 사건으로 이 아티스트는 나중에 고소당했다고 합니다. 그리고 작품은 천 파운드의 비용으로 다시 복원되었고요.

Away from the Flock, 1994
Glass, painted steel, silicone, acrylic, plastic, lamb and formaldehyde solution
displayed: 960 x 1490 x 510 mm
© Damien Hirst and Science Ltd. License this image

1995년에 허스트는 영국의 젊은 아티스트를 선정하는 터너상을 수상하였으며
뉴욕에서는 방문객들에게 공포를 준다는 이유로 부패된 소와 황소가 소재가 된 Two Fucking and Two Watching 작품의 전시를 금지하기도 합니다.


Two Fucking and Two Watching from artPORTAL

1997년에는 자신의 자서전과 아트북을 발간하였으며 1999년에는 Blur의 멤버인 알렉스 제임스와 함께 Fat Les라는 밴드를 구성하기도 하였으며

Fat Les's Vindaloo Album Cover from Wiki

2002년엔 자신의 절친인 The Clash의 리드 보컬 Joe Strummer가 심장마비로 사망한 것을 계기로 담배와 술을 끊고 젊은 뮤지션을 위한 펀드를 만드는 등 다양한 분야에서 활발한 활동

Untitled -- Spot Mini, 2000
Phillips, de Pury & Co., London, Oct. 13, 2007
Image from artnet


누구나 그릴 수 있는 이 점회화 에서 중요한 것은 작품을 제작하는 행위자가 아니라, 누구의 개념과 아이디어에 의해 작품이 제작되었는지가 중요한 점 

Damien Hirst: LSD. Courtesy Gagosian.© Damien Hirst/ Science Ltd, 2012Photography Prudence Cuming Associates

Damien Hirst: Installation at Gagosian Chelsea (W. 21 St.)
© Damien Hirst/ Science Ltd, 2012, Photography Prudence Cuming Associates
Images from artsjournal.com

2003년 9월 런던 큐브 갤러리에서 열린 전시에서는 총 200억 이상의 수입을 걷어 들이는데요. 조각 작품이었던 Charity는 한국의 김창일 아라리오그룹 회장이 30억 정도에 구매 하였다고 합니다.



2007년 5 월에 열린 화이트큐브 갤러리 전시에서는 18세기의 해골에 1,100 캐럿이 넘는 다이아몬드를 장식한 

For the Love of God     총 300억원 가까이 하는  8601개의 다이아몬드가 사용  

For the Love of God, sculpture by Damien Hirst, platinum cast of a human skull covered with 8,601 diamonds.
Copyright of photo not stated, but copyright of the artwork is that of Damien Hirst.
Retrieved from Daily Telegraph, 15 September 2007.

허스트는 또한 2011년 미국의 락밴드 Red Hot Chili Peppers의 I’m with You 앨범

This is the cover art for the album I'm with You by the artist Red Hot Chili Peppers.
The cover art copyright is believed to belong to the label, Warner Bros. Records, or the graphic artist(s), Damien Hirst.

그는 자신의 예술 작업에 대해 이렇게 이야기 했다고 합니다.

“예술은 머리에서 나옵니다. 만약 어떤 재미난 것을 이야기 하면, 그것이 바로 예술 작품의 제목이 되고 저는 그것을 받아 적습니다.
예술은 또한 어디서나 나옵니다. 모든 주변의 것들에 대한 반응이 바로 예술이죠.
저에게는 수 년간 작업해 오고 있는 아이디어들이 있습니다. 가령 갤러리에 무지개를 만드는 방법과 같은 것들 말이죠.
그리고 저는 언제나 엄청나게 많은 작품 제목과 쇼를 위한 아이디어, 그리고 제목이 없는 작품들 리스트를 가지고 있습니다.”

 

테이트 뮤지엄 >> http://www.tate.org.uk/art/artists/damien-hirst-2308

위키피디아 >> http://en.wikipedia.org/wiki/Damien_Hirst


Posted by @artnstory Art&Story

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  1. @artnstory Art&Story 2016.09.16 21:24 신고 Address Modify/Delete Reply

    1995년 영국 테이트 모던 과 채널 4 가 영국에서 활동하는 50세 이하의 작가를 선정, 수여하는 터너 프라이즈 를 수상.

18세기 후반 폼페이와 헤르쿨라네움의 고고학 발굴은 신고전주의의 시작을 알렸다. 신고전주의는 예술부터 신화, 생활양식그리고 교육방식 까지 고대 그리스.로마의 문화를 받아들였으며, 이러한 고전문화의 부활은 예술영역에서 더욱 도드라졌다.


David, Jacques-Louis (1748-1825).
French painter, one of the central figures of Neoclassicism.

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Consecration of the Emperor Napoleon I and Coronation of the Empress Josephine in the Cathedral of Notre-Dame de Paris on 2 December 1804. 1808. Oil on canvas. 621 x 979 cm. Louvre, Paris, France.

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The Intervention of the Sabine Women.
1799. Oil on canvas. 385 x 522 cm. Louvre, Paris, France
당시 로마에 여인이 부족해서 사비니 여인들을 납치하고 그 후 사비니 군인들이 로마에게 복수하는 장면. 하지만, 이미 로마인의 아내가 되어있는 사비니 여인 헤르실레아는 그들의 형제아버지에게 화해할 것을 요청...

The Sabine Women Enforcing Peace by Running Between the Combatants
detail, 1794-99 (70 Kb); Louvre



Napoleon at St. Bernard  1800 (30 Kb)



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Napoleon in His Study
1812 (130 Kb); Oil on canvas, 203.9 x 125.1 cm (80 1 / 4 x 49 1 / 4 in); The National Gallery of Art, Washington, DC
거의 탄 작은 촛불이 켜있는 늦은 밤, 나폴레옹은 여전히 서재애서 일하고 있는 듯한 모습.

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The Death of Socrates
1787 (100 Kb); Oil on canvas, 129.5 x 196.2 cm (51 x 77 1 / 4 in); The Metropolitan Museum of Art, New York

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Marat Assassinated
1793 (120 Kb); Oil on canvas, 165 x 128.3 cm (65 x 50 1 / 2 in); Musees Royaux des Beaux-Arts de Belgique
다비드는 정치에 관심을 갖고 있고 그의 작품은 오싹하고 섬뜩한 느낌을 주었다.
장 폴 마라는 프랑스입장에서 봤을 땐 죽어마땅한 사람이지만, 마치 순교자인 듯 성자처럼 묘사하여 순결한 인물로 다시 . 거짓으로 감동을 주는 예술.
루이 16세가 죽자, 공화당 체제로 들어가면서 다비드도 입당하고 옆에는 마라 그리고 로베스피에로. 혁명정부의 참여를 거부하는 사람을 다 죽임.  하지만, 단지 예술가라 생각하여 후에도  처형되지 않았다.











Ingres, Jean - Auguste - Dominique (1780-1867). French painter, Montauban was born, a minor painter and sculptor, Jean - Marie - Joseph Ingres (1755 에서 1814 사이) son.


Jean - Auguste - Dominique Ingres.
Jupiter and Thetis. 1811. Canvas 51. Musée Granet, Aix - en - Provence, France.

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0 weeks of the portrait of De Broglie.
1853. Canvas 51. The Metropolitan Museum of Art, New York, USA.

 

 

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Turkish bath
1862 (100 managers); oil timber, diameter 108cm (42 1 / 2 "); Musee Louvre later, in Paris on canvas

Jean - Auguste - Dominique Ingres. Le Grande odalisque. 1814. Canvas 51. Louvre Museum, Paris, France.

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Odalisque with slave
1840 (130 managers); 51 canvas mounted on panel 29 3 / 8 x 39 3 / 8, Fogg Art Museum, Harvard University, Cambridge, Massachusetts

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Source
1856 (120 managers), oil on canvas, 163 x 80 ㎝ (5 '4 1 / 4 "× 2'7 1 / 2"); d'Musee Orsay, Paris


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Valpincon bather
1808 (140 managers), oil on canvas, 146 x 97.5 ㎝ (57 1 / 2 x 41 1 / 8), the Louvre Museum, Paris

Ingres, Jean - Auguste - Dominique


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Ingres, Jean - Auguste - Dominique (1780-1867). French painter, Montauban was born, a minor painter and sculptor, Jean - Marie - Joseph Ingres (1755 에서 1814 사이) son.

Riviere
In 1796 he went to Paris, a fellow student of Gros in David's studio early in the Toulouse Academy of Education and Research. The 1801, winning the Grand Prix de Rome, France's economy by 1807, in Rome, he did not receive regular night due to the state. Every year he produced the first portrait. Two categories: a portrait of himself and his friends, a romantic spirit (Gilibert, Mus well? Ingres, Montauban 1805), and a portrait - like the enamel on the purity of line, characterized by what the client how to get pregnant in the fall (Mlle Rivi? E , Louvre Museum, Paris, 1805) dye. These early portraits, including the company's capabilities beyond the outline and the form has its own sense of beauty in their representation of the outline of the calligraphic line and you can notice. It is a picture of his life, Ingres through the essential basics of the features were formed.

Valpincon bather
1808 (140 managers), oil on canvas, 146 x 97.5 ㎝ (57 1 / 2 x 41 1 / 8), the Louvre Museum, Paris


In Rome, he can continue to run the portrait, which is one of their favorite things first bathers start years theme pictures (Valpin? N bath, the Louvre Museum, Paris, 1808). He's in Rome on a scholarship after his 4 years, mainly pencil portraits by members of the French colony of living was imported. But he also Acron over Napoleon's palace in Rome (Triumph Romulus two decorative painting, the Ecole de Beaux - Arts, Paris, 1812; and Ossian's Dream, and received substantial fees Mus? Ingres, 1813). He's in Rome, Florence, 1820, where he for 4 years, usually 13 years, Louis and his oath of Raphaelesque, Montauban Cathedral commissioned the remaining 24. Ingres's work is often critical of Paris 'Gothic' distortions, since 1824, when the salon's reputation, and criticized his own party's new leader set to study for a romantic I was surprised to find this file with. (See Delacroix's Massacre of Chios had the same hair.)

Ingres in Paris the next 10 days to stay in the formal award was successful, and neulsu rokhaetda years. The two big works: Homer's Apotheosis, running on the ceiling of the Louvre museum devoted much time during this period (), and install the martyred St. 1827 Symphorian (Hair, 1834) is the cathedral of Autun. However, when the latter was drawing heavily, he of the French School in Rome, he kept seven days allowed direct years of the post. The model of the administrators and teachers, the school's facilities has improved greatly, but geuneunyi era produced several major works. The 1841 tribute to France once again has returned as a champion of traditional values. He and his wife died in 1849, this hurts, but it costs in 1852, he made a successful second marriage, and the tremendous energy into their 80s, were working. One of his acknowledged masterpiece, the most delicate and Turkish Bath (Louvre, 1863), the last three dates of his life. In his death, he, more than 4,000 drawings) Montauban in their home town (a few pictures of his work, now they are leaving large artifacts in the museum bearing his name is.






Francisco de Goya y Lucientes

(1746-1828) 

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Francisco de Goya. The Colossus. c. 1810-12. Oil on canvas, 116 x 105 cm. Museo del Prado, Madrid, Spain.

Francisco de Goya. The Giant.
1818. Aquatint with butnishing (first state), 29.2 x 21 cm. The Metropolitan Museum of Art, New York, USA. 

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Group on a Balcony

c. 1810-15 (160 kB); Oil on canvas, 194.8 x 125.7 cm (76 3/4 x 49 1/2 in); Metropolitan Museum of Art, New York
Note from Allen Strouse: Considered by most scholars to be a forgery


A Prison Scene. c. 1810-14. Zinc, 42.9 x 31.7 cm. Bowes Museum, Barnard Castle, UK..

 

Francisco de Goya. The Third of May, 1808: The Execution of the Defenders of Madrid. 1814. Oil on canvas, 266 x 345 cm. Museo del Prado, Madrid, Spain.
마드리드, 1808년 5월 3일, 캔버스에 유채, 260x345cm, 1814년, 프라도 미술관.
프랑스의 나폴레옹 군대는 스페인의 마드리드를 점령하고 스페인 궁전 앞 프란시페 피오 언덕에서 애국자들을 처형했다. 고야는 이 현장을 직접 목격하고 잔인한 장면을 그림으로 옮겼다.

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Saturn Devouring One of His Chidren. c. 1820-23. Oil on canvas, 146 x 83 cm. Museo del Prado, Madrid, Spain.
크로노스 천왕성의 막내 아들 (하늘)와 가이아 (대지), 그래서, 그는 최초의 신의 세대 소유했다.
그는 그의 어머니, ovethrew 천왕성의 도움과 함께 하늘에 그의 자리를 대신했다. 마자 그는 세계의 자신의 여동생이 결혼을 크로노스 레아 통치자가되었다. 이후 그에게 그런 그는 자신의 아이 dethroned 될 것이라고 예언했다, 그는 모든대로 차례로 그들을 먹어 마자 그들이 태어 났 : Hestia (베스타), Demeter (세레스), 헤라 (주노), 하데스 (명왕성), 그리고 포세이돈 (넵튠). 오직 제우스 (목성) 그의 어머니 레아, 나중에 예언의 성취에 저장했다.
고대 로마 누스에서 토성과 발견했다.

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Charles IV and His Family. c. 1800. Oil on canvas. Museo del Prado, Madrid, Spain.


Francisco de Goya. The Parasol. 1777. Oil on canvas, 104 x 152 cm. Museo del Prado, Madrid, Spain.

Francisco de Goya. The Nude Maja (La Maja Desnuda). c. 1799-1800. Oil on canvas. Museo del Prado, Madrid, Spain.

Francisco de Goya. The Clothed Maja (La Maja Vestida). 1800-03. Oil on canvas. Museo del Prado, Madrid, Spain.

 

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  1. @artnstory Art&Story 2018.10.06 21:54 신고 Address Modify/Delete Reply

    18세기 후반 폼페이와 헤르쿨라네움의 고고학 발굴은 신고전주의의 시작을 알렸다. 신고전주의는 예술부터 신화, 생활양식그리고 교육방식 까지 고대 그리스.로마의 문화를 받아들였으며, 이러한 고전문화의 부활은 예술영역에서 더욱 도드라졌다.

    출처: http://art.nstory.org/entry/고전주의?category=38360 [Art & Story]

19C- 자연주의

History of Arts/19C 2020. 6. 15. 22:00 |

Jean-Baptiste-Camille Corot

(1796-1875)

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Orpheus Leading Eurydice from the Underworld. 1861. Oil on canvas. 113 x 137. The Museum of Fine Arts, Houston, TX, USA.

Jean-Baptiste-Camille Corot. A Morning. Dance of the Nymphs. Salon of 1850-51. 98 x 131 cm. Musée d'Orsay, Paris, France, Deposit from the Louvre.

Jean-Baptiste-Camille Corot. Landscape with a Lake. c. 1860-73. Oil on canvas. 53 x 65.5 cm. The Hermitage, St. Petersburg, Russia.

Jean-Baptiste-Camille Corot. Idylle. 1859. Oil on canvas. Musée des Beaux-Arts, Lille, France.

Jean-Baptiste-Camille Corot. Memory of Montefontaine / Souvenir de Montefontaine. Salon of 1864. Oil on canvas. 65 x 89 cm. Louvre, Paris, France

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Woman with a Pearl. Oil on canvas. 70 x 55 cm. Louvre, Paris, France.

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Agostina. 1866. Oil on canvas. 130 x 95 cm. The National Gallery of Art, Washington, DC, USA

Woman in Blue. 1874. Oil on canvas. 80x 50.5 cm. Louvre, Paris, France


Millet, Jean-François(1814-75)

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Les Glaneuses

1857 (40 Kb)

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Angelus, 1859

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Jean Louis André Théodore Géricault

(1791-1824) 

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Insane , 1821-24; Oil on canvas. Museum Van Schoone, Kunsten, Gent. (140 Kb)

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The Raft of the "Medusa". 1818-1819. Oil on canvas. 490  x 720 cm. Louvre, Paris, France.


The Derby at Epson. 1821. Oil on canvas. 92 x 123 cm. Louvre, Paris, France.


Delacroix,Eugène, in full FERDINAND- VICTOR-EUGENE DELACROIX (b. April 26, 1798, Charenton-Saint-Maurice, Fr.--d. Aug. 13, 1863, Paris),

Liberty leading the People (90 Kb); Painted on 28 July 1830, to commemorate the July Revolution that had just brought Louis-Philippe to the French throne; Louvre.

시민을 이끄는 자유. 는 사모트라케의 니케처럼 승리를 상징.
 프랑스 국기를 든 쟌다르크 같은 여인은 최후의 심판에서  오른팔을 높이 쳐든 예수의 몸짓을 연상

his painting, which is a sort of political poster, is meant to celebrate the day of 28 July 1830, when the people rose and dethroned the Bourbon king. Alexandre Dumas tells us that Delacroix's participation in the rebellious movements of July was mainly of a sentimental nature. Despite this, the painter, who had been a member of the National Guard, took pleasure in portraying himself in the figure on the left wearing the top-hat. Although the painting is filled with rhetoric, Delacroix's spirit is fully involved in its execution: in the outstretched figure of Liberty, in the bold attitudes of the people following herm contrasted with the lifeless figures of the dead heaped up in the foreground, in the heroic poses of the people fighting for liberty, there is without a doubt a sense of full participation on the part of the artist, which led Argan to define this canvas as the first political work of modern painting.

1789년 프랑스 대혁명이 일어나면서 왕정이 종식. 나폴레옹이 물러나고 부르봉 왕가가 복권하면서 시민들은 1830년 7월 혁명을 일으킨다. 국왕 샤를 10세가 시민참정권과 언론 출판권을 제약한다는 정책을 발표하자 시민들의 분노 폭발.
결국 1848년 2월 시민혁명으로...,


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The Death of Sardanapal
1827 (130 Kb); Oil on canvas, 392 x 496 cm; Musee du Louvre, Paris
<사르다나팔의 죽음> 기원전 9세기 앗시리아를 지배했던 왕

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Arabian Horses Fighting in a Stable
1860 (160 Kb); Oil on canvas, 64.5 x 81 cm; Musee d'Orsay, Paris

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Algerian Women in Their Apartments
1834 (170 Kb); Oil on canvas, (180 x 229 cm) (71 x 90 1/4"); Musee du Louvre, Paris
1832년 모로코 여행의 강렬한 인상. 유럽에서는 오래전에 사라진 고대의 세계가 그곳에서는 현재형으로 남아있기때문.  하렘은 여자들의 은밀한 규방을 의미. 

John Constable

(1776 - 1837)

Dedham Church and Vale.
1800. Pen, ink and watercolour on paper. Whitworth Art Gallery, University of Manchester, Manchester, UK.



'His Majesty's Ship "Victory", Capt. E. Harvey, in the Memorable Battle of Trafalgar between two French Ships of the Line'.
1806. Watercolour on paper. Victoria and Albert Museum, London, UK.

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Turner, John Mallord William (1775-1851). One of the finest landscape artists was J.M.W. Turner, whose work was exhibited when he was still a teenager. His entire life was devoted to his art. Unlike many artists of his era, he was successful throughout his career.

Joseph Mallord William Turner was born in London, England, on April 23, 1775. His father was a barber. His mother died when he was very young. The boy received little schooling. His father taught him how to read, but this was the extent of his education except for the study of art. By the age of 13 he was making drawings at home and exhibiting them in his father's shop window for sale.

Turner was 15 years old when he received a rare honor--one of his paintings was exhibited at the Royal Academy. By the time he was 18 he had his own studio. Before he was 20 print sellers were eagerly buying his drawings for reproduction.

He quickly achieved a fine reputation and was elected an associate of the Royal Academy. In 1802, when he was only 27, Turner became a full member. He then began traveling widely in Europe.

Venice was the inspiration of some of Turner's finest work. Wherever he visited he studied the effects of sea and sky in every kind of weather. His early training had been as a topographic draftsman. With the years, however, he developed a painting technique all his own. Instead of merely recording factually what he saw, Turner translated scenes into a light-filled expression of his own romantic feelings.

As he grew older Turner became an eccentric. Except for his father, with whom he lived for 30 years, he had no close friends. He allowed no one to watch him while he painted. He gave up attending the meetings of the academy. None of his acquaintances saw him for months at a time. Turner continued to travel but always alone. He still held exhibitions, but he usually refused to sell his paintings. When he was persuaded to sell one, he was dejected for days.

In 1850 he exhibited for the last time. One day Turner disappeared from his house. His housekeeper, after a search of many months, found him hiding in a house in Chelsea. He had been ill for a long time. He died the following day--Dec. 19, 1851.

Turner left a large fortune that he hoped would be used to support what he called "decaying artists." His collection of paintings was bequeathed to his country. At his request he was buried in St. Paul's Cathedral.

Although known for his oils, Turner is regarded as one of the founders of English watercolor landscape painting. Some of his most famous works are Calais Pier, Dido Building Carthage, Rain, Steam and Speed, Burial at Sea, and The Grand Canal, Venice.

빛으로 가득차있는 동적인 세계, 웅대한 자연의 가장 낭만적이고 숭고한 모습을 현란하고 화려한 세계로 표현.

Peace: Burial at Sea
1842; Oil on canvas, 86.9 x 86.6 cm; Clore Gallery for the Turner Collection, London

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Rain, Steam and Speed
1844; Oil on canvas, 90.8 x 121.9 cm; National Gallery, London

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Sunrise with Sea Monsters
c. 1845; Oil on canvas, 91.5 x 122 cm; Tate Gallery, London

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Sunrise with Sea Monsters (detail)

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Slavers throwing overboard the Dead and Dying - Typhon coming on ("The Slave Ship")
1840; Oil on canvas, 90.8 x 122.6 cm; Museum of Fine Arts, Boston

Snowstorm

1842; Oil on canvas, 91.5 x 122 cm

Staffa, Fingal's Cave

1832; Oil on canvas, 90.9 x 121.4 cm; Yale Center for British Art, New Haven

The Fighting "Temeraire" tugged to her last berth to be broken up

1838; Oil on canvas, 91 x 122 cm; National Gallery, London

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The Burning of the Houses of Lords and Commons, 16th October, 1834
1835; Oil on canvas, 92 x 123 cm; Philadelphia Museum of Art

Ulysses deriding Polyphemus - Homer's Odyssey
1829; Oil on canvas, 132.5 x 203 cm; National Gallery, London

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Shade and Darkness - the Evening of the Deluge
1843; Oil on canvas, 78.5 x 78 cm; Tate Gallery, London

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Colour Beginning
1819; Watercolor, 22.5 x 28.6 cm; Tate Gallery, London

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Dido building Carthage; or the Rise of the Carthaginian Empire
1815; Oil on canvas, 155.5 x 232 cm; National Gallery, London

어렸을 때부터 느껴왔던 삶의 고통, 상처, 빈곤, 민중들의 희생. 누이의 죽음으로 정신병동에 간  터너의 엄마,
1800년대 초기 영국의 고통스런 현실을 화폭에 담는다. 심각한 실업문제, 나폴레옹 전쟁, 혼란 , 정치인이자 문학가인 월터 포커스의 노예무역 폐지에 동참.

강렬한 빛과 어둠. 혹한과 바람이 부는 겨울 풍경. 희망이라고는 보이지 않는 풍경.터너의 그림에서는 실체가 작아지고 나약한 인간을 표현. 산업혁명이 일어나면서부터 증기선을 그렸다.  1840년대 노예제 폐지로 인해 노예선을 그리며 말세의 풍경을 보여주는 작품을 하였다. 영국전통에서 벗어나 환각속의 ㅗ습을 표현하여 기이한 인물로 각인.
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  1. A 2014.04.09 17:31 Address Modify/Delete Reply



    컨스터블 건초마차- 1821 년 런던에서그린 작품 '한낮의 풍경, 전원적 평화
    고향 플랫포드 방앗간 근처. 노년의 컨스터블 집 연기로 그가 살고있다는 걸 암시
    평화로운 마을에서 말을 쉬게하는 애정.
    맑고 푸른 빛의 절대성, 원초적 휴머니즘 이 뭔지 보여준다. 삶의 참의미
    새로운 프랑스 낭만주의 영향

    터너. 역동적인 자연의 변화 순수한 색채와. 빛의변화 ( 비 증기 속력
    프랑스 혁명 에 고무되어 합리적인 정신보다 인간의 생생한 감정을
    전함 테메레르호. 1839
    프랑스와 겨룬 1805 트라팔가 해전 승리한 영국.
    ,증기선에 끌려 선박처리장으로 운반되어가는 전함의 무상. 장대한일몰과 낡은전함
    향수와 상실의 분위 전쟁과 평화 삶과 죽음, 과거와 미래, - 붉은 노을 배경으로 서정시처럼 배어난다.

밀레의 작품은 19세기 자연주의 작품이다.

이삭줍기

이삭을 줍는 아낙네들의 모습에서는 가시적으로 드러나는 노동의 이미지보다 무언가 성스러운 일을 하고 있는 고요함과 아름다운 자태가 느껴진다. 바로크 시대 얀 베르메르의 우유를 따르는 하녀 의 모습에서처럼
.

1857 (40 Kb)

Millet, Jean-Fran?is


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(1814-75) The son of a small peasant farmer of Gr?ille in Normandy, Millet showed a precocious interest in drawing, and arrived in Paris in 1838 to become a pupil of Paul Delaroche. He had to fight against great odds, living for long a life of extreme penury. He exhibited at the Salon for the first time in 1840, and married two years later. At this time, the main influences on him were Poussin and Eustache Le Sueur, and the type of work he produced consisted predominantly of mythological subjects or portraiture, at which he was especially adept (Portrait of a Naval Officer, 1845; Mus? des Beaux-Arts, Rouen).

His memories of rural life, and his intermittent contacts with Normandy, however, impelled him to that concern with peasant life that was to be characteristic of the rest of his artistic career. In 1848 he exhibited The Winnower (now lost) at the Salon, and this was praised by Th?phile Gautier and bought by Alexandre Ledru-Rollin, the Minister of the Interior. In 1849, when a cholera epidemic broke out in Paris, Millet moved to Barbizon on the advice of the engraver Charles-Emile Jacque (1813-94) and took a house near that of Th?dore Rousseau. Devoted to this area as a subject for his work, he was one of those who most clearly helped to create the Barbizon School. His paintings on rural themes attracted growing acclaim and between 1858 and 1859 he painted the famous
Ang?us (Mus? d'Orsay), which 40 years later was to be sold for the sensational price of 553,000 francs.

Although he was officially distrusted because of his real or imaginary Socialist leanings, his own attitude towards his chosen theme of peasant life was curiously ambivalent. Being of peasant stock, he tended to look upon farmworkers as narrow-minded and oblivious of beauty, and did not accept the notion that `honest toil' was the secret of happiness. In fact, his success partly stemmed from the fact that, though compared with most of his predecessors and, indeed, his contemporaries, he was a `Realist', he presented this reality in an acceptable form, with a religious or idyllic gloss. Nevertheless, he became a symbol to younger artists, to whom he gave help and encouragement. It was he who, on a visit to Le Havre to paint portraits, encouraged Boudin to become an artist, and his work certainly influenced the young Monet, and even more decidedly so Pissarro, who shared similar political inclinations.

Although towards the end of his life, when he started using a lighter palette and freer brushstrokes, his work showed some affinities with Impressionism, his technique was never really close to theirs. He never painted out-of-doors, and he had only a limited awareness of tonal values, but his draughtsmanship had a monumentality that appealed to artists such as Seurat and van Gogh, who was also enthralled by his subject-matter, with its social implications. Millet's career was greatly helped by Durand-Ruel.

만종

풍경과 인물을 떼어내도 2개의 완벽한 작품이 만들어질만한  명작이다.
생활고를 위한 노동의 모습이 아닌 경건한 분위기에서 고귀한 일을 하고 있는 젊은 부부의 모습이다.
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19C- 사실주의

History of Arts/19C 2020. 6. 15. 21:59 |
Courbet, Gustave

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The Painter's Studio; A Real Allegory
1855 (170 kB); Oil on canvas, 361 x 598 cm (11' 10 1/4" x 19' 7 1/2"); Musee d'Orsay, Paris


Courbet, Gustave (1819-77). The painter Courbet started and dominated the French movement toward realism. Art critics and the public were accustomed to pretty pictures that made life look better than it was. Courbet, against much opposition, truthfully portrayed ordinary places and people.

Gustave Courbet was born on June 10, 1819, to a prosperous farming family in Ornans, France. He went to Paris in 1841, supposedly to study law, but he soon decided to study painting and learned by copying the pictures of master artists. In 1844 his self-portrait, Courbet with a Black Dog, was accepted by the Salon, an annual public exhibition of art sponsored by the influential Royal Academy.

In 1848 a political revolution in France foreshadowed a revolution in art, as people in the arts became more open to new ideas. Courbet's early work was exhibited successfully in 1849. That same year he visited his family in the countryside and produced one of his greatest paintings, The Stone-Breakers, followed by Burial at Ornans in 1850. Both were quite unlike the romantic pictures of the day because they showed peasants in realistic settings instead of the rich in glamorized situations. In 1855 he completed a huge canvas, The Artist's Studio, and, when it was refused for an important exhibition, Courbet boldly displayed his work himself near the exhibition hall.

Courbet visited Germany in 1856, where he was welcomed by the artistic community. By 1859 he was the undisputed leader of the new generation of the French realist movement. He painted all varieties of subjects, including admirable portraits and sensuous female nudes but, most of all, scenes of nature. His series of seascapes with changing storm clouds wafting overhead begun in 1865 had a great influence on impressionist painters.

Politically a socialist, Courbet took part in some revolutionary activities for which he was imprisoned for six months in 1871. He was also fined more than he could pay, so he fled to Switzerland, where he died in the town of La Tour-de-Peilz on Dec. 31, 1877.

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Daumier, Honoré (1808-79). French caricaturist, painter, and sculptor. In his lifetime he was known chiefly as a political and social satirist, but since his death recognition of his qualities as a painter has grown. In 1830, after learning the still fairly new process of lithography, he began to contribute political cartoons to the anti-government weekly Caricature. He was an ardant Republican and was sentenced to six months' imprisonment in 1832 for his attacks on Louis-Philippe, whom he represented as `Gargantua swallowing bags of gold extorted from the people'. On the suppression of political satire in 1835 he began to work for Charivari and turned to satire of social life, but at the time of the 1848 revolution he returned to political subjects. He is said to have made more than 4,000 lithographs, wishing each time that the one he had just made could be his last. In the last years of his life he was almost blind and was saved from destitution by Corot.

Daumier's paintings were probably done for the most part fairly late in his career. Although he was accepted four times by the Salon, he never exhibited his paintings otherwise and they remained practically unknown up to the time of an exhibition held at Durand-Ruel's gallery in 1878, the year of his death. The paintings are in the main a documentation of contemporary life and manners with satirical overtones, although he also did a number featuring Don Quixote as a larger-than-life hero. His technique was remarkably broad and free. As a sculptor he specialized in caricature heads and figures, and these too are in a very spontaneous style. In particular he created the memorable figure of `Ratapoil' (meaning `skinned rat'), who embodied the sinister agents of the government of Louis-Philippe. A similar political type in his graphic art was `Robert Macaire', who personified the unscrupulous profiteer and swindler.

In the directness of his vision and the lack of sentimentality with which he depicts current social life Daumier belongs to the Realist school of which Courbet was the chief representative. As a caricaturist he stands head and shoulders above all others of the 19th-century. He had the gift of expressing the whole character of a man through physiognomy, and the essence of his satire lay in his power to interpret mental folly in terms of physical absurdity. Although he never made a commercial success of his art, he was appreciated by the discriminating and numbered among his friends and admirers Delacroix, Corot, Forain, and Baudelaire. Degas was among the artists who collected his works.

Honore Daumier, a French artist, was deeply interested in people, especially the underprivileged. In Third-Class Carriage he shows us, with great compassion, a group of people on a train journey. We are especially concerned with one family group, the young mother tenderly holding her small child, the weary grandmother lost in her own thoughts, and the young boy fast asleep. The painting is done with simple power and economy of line. The hands, for example, are reduced to mere outlines but beautifully drawn. The bodies are as solid as clay, their bulk indicated by stressing the essential and avoiding the nonessential. These are not portraits of particular people but of mankind.

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The Third-Class Carraige
1863-65 (150 Kb); Oil on canvas, 65.4 x 90.2 cm (25 3/4 x 35 1/2 in); The Metropolitan Museum of Art, New York

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Don Quixote and the Dead Mule
1867 (180 Kb); 132.5 x 54.5 cm, Musee d'Orsay, Paris

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The Uprising
c. 1860 (190 Kb); Oil on canvas, 87.6 x 113 cm (34 1/2 x 44 1/2 in); The Phillips Collection, Washington, D.C.

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The Burden (The Laundress)
c. 1850-53 (110 Kb); Oil on canvas, 130 x 98 cm (51 1/8 x 38 5/8 in); The Hermitage, St. Petersburg; No. 3K 1500. Formerly collection Gerstenberg/Scharf, Berlin



Honore Daumier. Gargantua. 1831. Lithography. State 2. Bibliotheque Nationale de France, Paris, France.

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Manet, Edouard

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The Picnic ("Le Déjeuner sur l'Herbe").
1862-1863. Oil on canvas. Musée d'Orsay, Paris, France.81 x 101 cm

풀밭위의 식사
마네의 또하나의 시끄러운 문제작.세명이 풀밭위에 모여앉아 식사를 하고있다. 근데 이여인네가 옷을 벗고 있다는 게 문제다. 또, 이 여인의 눈빛 또한 올랭피아에서와 마찬가지로 뻔뻔하게 대중을 바라보고 있다는 점이다. 다른 두남자 역시 다른 곳에 시선을 두고 서로 조화롭지 않은 손놀림까지 모두 따로 놀고 있다는 점이 재밌는 사실이다.  이 작품은 지로르지오네의 전원의 연주와 라파엘로의 파리스의 심판을 패러디한 작품이다.


Edouard Manet. Women at the Races. 1864-1865. Oil on canvas. Cincinnati Art Museum, Cincinnati, USA.

Berthe Morisot. 1872. Oil on canvas. Private collection.

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Olympia올랭피아
1863 (130 Kb); Oil on canvas, 130.5 x 190 cm (51 3/8 x 74 3/4 in) Musee d'Orsay, Paris

19세기 중반 오스만 시장으로 인해 파리는 빛의도시로, 물랭루즈 등장.
상류층을 상대하는 고급  매춘부가 시작되면서 누드모델 등장.
완성된 작품은 어김없이 요정이나 신화적인 이미지의 여신 모습.
 이 작품에서는 그 전 누드화의 성스러움과 부끄러움을 전혀 찾아볼 수 없다.
너무나 평범하고 아름답지 않은 보통의 여인을 그려넣은 것.
그리고, 창백하리만치 하얀 피부.
평면적이게 보이는 넓은 붓터치.
전체적으로 나타나는 화이트와 블랙의 조화.
마네가 드러내고자하는 이원론적인 사고가 여기서도 유감없이 색의 대비로 이루어지고 있다.
암고양이는 프랑스 은어로 여성의 성기를 가리킨다.
올랭피아의 고객으로부터 배달된 꽃,
당시 불법매춘을 단속하는 경찰, 부르주아의 위선은 심각, 그녀가 당신을 바라보고 있는 것은
너희들의 현실을 똑바로 바라보라는 뜻.
대중, 즉 이 그림을 바라보고 있는 어떤이라도 비웃어주는 듯한 도전적인 눈빛.
마네는 거장들의 작품을 패러디 한 것으로 유명하다.
이 작품은 타치아노의 오달리스크를 패러디한 작품이다.


A Bar at the Folies-Bergère. 1882. Oil on canvas. Courtauld Institute Galleries, London, UK.

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The Fifer. 1866. Oil on canvas. Musée d'Orsay, Paris, France

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The Balcony. 1868. Oil on canvas. Musée d'Orsay, Paris, France.



Portrait of Mme. Manet on a Blue Sofa. c. 1874. Oil on canvas. Musée d'Orsay, Paris, France.

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The Execution of the Emperor Maximilian of Mexico.
1867-1868. Oil on canvas. Staatliche Kunsthalle, Mannheim, Germany.

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Portrait of Emile Zola. 1867-1868. Oil on canvas. Musée d'Orsay, Paris, France.마네의 작품은 당시 파리의 모습을 비난하는 그림이다.
당시 '에밀졸라' 만이 그의 작품을 호평하는 글을 써낸다, 아무조건없이...
1863년까지 낙선하여 누드화를 포기하고 <피리부는 소년>을 그렸으나 역시 낙선.
팔리지 않고 쌓여만가는 작품 들,
전통적인 부드러운 명암법 포기하고, 강하고 거친 대조를 추구하였다.
폴 뒤랑뤼엘 의 뒷받침- 인상파화가들의 작품을 사들이고, 나다르 스튜디오에서 인상파 1회. 하지만, 냉담한 반응, 뉴욕서 전시 성공.






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CAVE ART

History of Arts/Graffiti 2020. 6. 15. 21:57 |
   

CAVE ART  
동굴 미술은 기원전 15000~10000년 경 프랑스 라스코 동굴과 스페인 알타미라 동굴에서 발견되었다. 동굴미술은 유일하게 남아있는 그들의 흔적이다. 
동굴미술은 그림을 '보기' 위한 감상보다는 ‘사용’하는 목적으로 그려졌다.   원시인들의 미술은 장식이나 즐거움의 대상으로 만든 것이 아니다. <말>,<들소>의 형상을 보고 짐작하건데 그림에 화살을 그리고 돌에 맞은 흔적이 있는 것을 볼 때  사냥의 성공을 축원하는 의미에서 혹은 동물 사냥을 나가서 무사히 살아돌아오기를 바라는 주술적인 의식을 위하여 그려진 것으로 추측한다. 최근에, 사회학자나 심리학자 등의 연구에 따르면 사람이 그림으로 무엇을 표현하는 것은 학습 없이 불가능한 표현능력이라는 새로운 학설이 제기되어 단순한 주술적 목적만을 강조할 수 없으나 아직 연구결과가 나오지 않은 상태라 우리는 이정도로 예측해본다.

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프랑스 라스코 벽화       말


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스페인 알타미라 벽화  들소


고구려벽화, 1천5백 년 전 집안 고분벽화.

한국학 연구의 출발점이 되고 있는 고구려벽화는 고구려 조상들의 삶, 그들이 아름다움과 멋을 향수하며 삶을 즐기는 모습을 보여주고 있다. 고분내부의 건축적인 구조는 과학적이고 기능적이며 간결하다. 또 이를 장식한 벽화의 구성과 내용은 고분과 일체를 이루면서 그 시대문화의 가치를 보여주고 있다. 고구려 고분벽화는 4세기 초기에서부터 7세기 후기로 나누어 볼 수 있다. 벽면의 경우 초기에는 무덤 주인공의 초상화와 그의 생활도, 중기에는 주인공과 관련된 인물 풍속도, 후기에는 사신(청룡, 백호, 주작, 현무)도가 그려지는 것이 상례였다. 천장에는 신선, 일월성신, 신수, 서조, 영초, 비운 등 하늘, 즉 천상의 세계를 나타내는 요소들이 묘사되었다. 이처럼 벽면에는 현실세계를 표현하고 천장에는 천상의 세계를 나타내고 있어서 무덤내부는 일종의 소우주와 같은 공간을 이루게 되었다. 오회분 4호묘 벽화의 특징은 풍부한 설화성이다. 천장을 받치는 받침돌에 일월신과 함께 농사의 신, 불의 신, 야철의 신, 제륜의 신 등 인류 문명 발달에 결정적 기여를 한 신들의 형상을 묘사한 것이다. 그 외에도 장천 1호분은 부부합장묘로 연꽃좌대가 많이 보여지는 강렬한 불교적 색채를 드러내고 있다. 그리고 무용총(남녀가 대열을 지어 노래를 부르고 춤추는 장면, 수렵도), 각저총(전형적인 씨름장면, 북쪽 벽엔 실내생활도, 천장엔 각종 동식물), 삼실총(고구려복식사 연구에 귀중한 자료, 기마무사 전투도) 등이 있다.


###집안 지역의 고구려 벽화

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###고구려벽화 각저총

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집안 고구려 고분벽화 오회분 4호묘 천장 받침돌의 용그림.
용의 몸뚱아리가 적-황-청의 보색대비로

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주작

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우리나라 고구려 벽화     세발달린 까마귀

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집안 고구려 고분벽화 오회분 4호묘 묘실 벽면의 부채를 든 귀부인의 인물도.

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우리나라 고구려 복식   저고리가 길다


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고구려 무용총의 수렵도.


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고구려 벽화          수렵도

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###              고구려 벽화    현악기와 관악기를 다루는 신.

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달의 신        달을 상징하는 두꺼비

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해의 신      해를 상징하는 세발달린 까마귀

 
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