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salvador dali

History of Arts/20C 2020. 5. 26. 18:18 |

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Salvador Felipe Jacinto Dali I Domenech was born at 8:45 on the morning of May 11, 1904 in the small agricultural town of Figueres, Spain. Figueres is located in the foothills of the Pyrenees, only sixteen miles from the French border in the principality of Catalonia. The son of a prosperous notary, Dali spent his boyhood in Figueres and at the family's summer home in the coastal fishing village of Cadaques where his parents built his first studio. As an adult, he made his home with his wife Gala in nearby Port Lligat. Many of his paintings reflect his love of this area of Spain.

The young Dali attended the San Fernando Academy of Fine Arts in Madrid. Early recognition of Dali's talent came with his first one-man show in Barcelona in 1925. He became internationally known when three of his paintings, including The Basket of Bread (now in the Museum's collection), were shown in the third annual Carnegie International Exhibition in Pittsburgh in 1928.

The following year, Dali held his first one-man show in Paris. He also joined the surrealists, led by former Dadaist Andre Breton. That year, Dali met Gala Eluard when she visited him in Cadaques with her husband, poet Paul Eluard. She became Dali's lover, muse, business manager, and chief inspiration.

Dali soon became a leader of the Surrealist Movement. His painting, The Persistance of Memory, with the soft or melting watches is still one of the best-known surrealist works. But as the war approached, the apolitical Dali clashed with the Surrealists and was "expelled" from the surrealist group during a "trial" in 1934. He did however, exhibit works in international surrealist exhibitions throughout the decade but by 1940, Dali was moving into a new type of painting with a preoccupation with science and religion.

Dali and Gala escaped from Europe during World War II, spending 1940-48 in the United States. These were very important years for the artist. The Museum of Modern Art in New York gave Dali his first major retrospective exhibit in 1941. This was followed in 1942 by the publication of Dali's autobiography, The Secret Life of Salvador Dali.

As Dali moved away from Surrealism and into his classic period, he began his series of 19 large canvases, many concerning scientific, historical or religious themes. Among the best known of these works are The Hallucinogenic Toreador, and The Discovery of America by Christopher Columbus in the museum's collection, and The Sacrament of the Last Supper in the collection of the National Gallery in Washington, D.C.

In 1974, Dali opened the Teatro Museo in Figueres, Spain. This was followed by retrospectives in Paris and London at the end of the decade. After the death of his wife, Gala in 1982, Dali's health began to fail. It deteriorated further after he was burned in a fire in his home in Pubol in 1984. Two years later, a pace-maker was implanted. Much of this part of his life was spent in seclusion, first in Pubol and later in his apartments at Torre Galatea, adjacent to the Teatro Museo. Salvador Dali died on January 23, 1989 in Figueres from heart failure with respiratory complications.

As an artist, Salvador Dali was not limited to a particular style or media. The body of his work, from early impressionist paintings through his transitional surrealist works, and into his classical period, reveals a constantly growing and evolving artist. Dali worked in all media, leaving behind a wealth of oils, watercolors, drawings, graphics, and sculptures, films, photographs, performance pieces, jewels and objects of all descriptions. As important, he left for posterity the permission to explore all aspects of one’s own life and to give them artistic expression.

Whether working from pure inspiration or on a commissioned illustration, Dali's matchless insight and symbolic complexity are apparent. Above all, Dali was a superb draftsman. His excellence as a creative artist will always set a standard for the art of the twentieth century.

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<매 웨스트의 초상> 미국의 인기있는 여배우. -초현실주의자들을 위한 방.

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Salvador Dalí. The Persistence of Memory. 1931. Oil on canvas. 24.1 x 33 cm. The Museum of Modern Arts, New York, NY, USA
<기억의 고집> 에스파냐의 카탈로니아 해변. 화가달리의 자화상.

Salvador Dalí. Sleep. 1937. Oil on canvas. 50.2 x 76.7 cm. Private collection.

Salvador Dalí. Apparition of Face and Fruit Dish on a Beach. 1938. Oil on canvas. 114.5 x 143.8 cm. Wadsworth Atheneum, Hartford, CT, USA.
<바닷가의 얼굴과 과일접시>

Slave Market with the Disappearing Bust of Voltaire.
1940. Oil on canvas. 46.5 x 65.5. Salvador Dali Museum, St. Petersburg, FL, USA.
<노예시장> 왼쪽여인은 갈라. 플란드르 여인이 볼테르의 얼굴로.
가끔 뭉쳐놓은 옷안에 사람의 얼굴 윤곽이 드러나거나, 모래에 찍힌 발자국이 사람얼굴로 보일때가 있다. 시각적 착시로 인한 새로운 이미지가 중첩된다.-왜상

Salvador Dalí. Design for set curtain for Bacchanale. 1939. Oil on canvas. 46 x 61 cm. Private collection.

Salvador Dalí. Soft Construction with Boiled Beans: Premonition of Civil War. 1936. Oil on canvas. 110 x 84 cm. Museum of Art, Philadelphia, PA, USA.

Salvador Dalí. Angelus. ca.1932. Oil on wood 16 x 21.7 cm. Private collection.

Salvador Dalí. Atavism at Twilight. 1933-34. Oil on wood. 13.8 x 17.9 cm. Kunstmuseum, Berne, Switzerland.

Salvador Dalí. Figure at a Window. 1925. Oil on canvas. 102 x 75 cm. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid, Spain. 

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The Lacemaker (after Vermeer) 1954-55. Oil on canvas. 23.5 x 19.7 cm. The Metropolitan Museum of Art, New York, USA.
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Matisse, Henri

History of Arts/20C 2020. 5. 26. 18:17 |
피카소와 쌍벽을 이루는 마티스.
개인적으로 피카소보다 마티스를 더 좋아한다.
그리고 그의 노년기의 종이작업은 디자인의 선구자이다.
감각적인 색채, 노련한 형태감각은 페인팅을 방불케하는 완벽성을 보여준다.


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Blue Nude IV. 1952. Gouache on paper cut out. Musée Henri Matisse, Nice, France
가위를 들고 색종이의 형태를 오리면서 주제를 완성하는 방법. 마티스는 가위는 훌륭한 소묘도구. 앉아있는 여자의 알몸을 그린 작품.

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Icarus. 1947. Illustration for the book 'Jazz', screen-print after gouache on paper cut-out <이카로스>고대신화에 나오는 인물. 이카로스의 아버지 다이달로스는 아테네의 유명한 장인이었는데, 이카로스에게 날개를 밀랍으로 붙였다.너무 높이 날아올라 태양의 뜨거운 기운으로 밀랍이 녹으면서 노란 별빛을 바라보며 바다로 추락하는 장면. 붉은 심장.

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"La Danse" with Nasturtiums. 1912. Oil on canvas. The Pushkin Museum of Fine Art, Moscow, Russia

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Madame Matisse, "The Green Line" ( La Raie verte). 1905. Oil on canvas. Statens Museum for Kunst, Copenhagen, Denmark.

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Harmony in Red. 1908. Oil on canvas. The Hermitage, St. Petersburg, Russia.

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Music. 1939. Oil in canvas. Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY, USA

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La Musique. 1910. Oil on canvas. The Hermitage, St. Petersburg, Russia.

<음악>,<춤> 사람들은 빨강, 하늘은 파랑, 땅은 초록- 색채는  단순. 
<음악>은 두사람은 악기를, 세사람은 노래를 부르고 있다.
<춤>에서는 아무것도 입지 않은 자유로운 사람들이 손을 잡고 덩실덩실 춤을 추고 있다.

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La Danse (first version). 1909. Oil on canvas. The Museum of Modern Arts, New York, NY, USA. 

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The Dance. 1932-33. Oil on canvas. Barnes Foundation, Lincoln University, Merion, PA, USA

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Matisse, Henri (-Émile-Benoît) (b. Dec. 31, 1869, Le Cateau, Picardy, Fr.--d. Nov. 3, 1954, Nice)
artist often regarded as the most important French painter of the 20th century. The leader of the Fauvist movement around 1900, Matisse pursued the expressiveness of colour throughout his career. His subjects were largely domestic or figurative, and a distinct Mediterranean verve presides in the treatment.

Matisse, Master of Color

The art of our century has been dominated by two men: Henri Matisse and Pablo Picasso. They are artists of classical greatness, and their visionary forays into new art have changed our understanding of the world. Matisse was the elder of the two, but he was a slower and more methodical man by temperament and it was Picasso who initially made the greater splash. Matisse, like Raphael, was a born leader and taught and encouraged other painters, while Picasso, like Michelangelo, inhibited them with his power: he was a natural czar.

Matisse's artistic career was long and varied, covering many different styles of painting from Impressionism to near Abstraction. Early on in his career Matisse was viewed as a Fauvist, and his celebration of bright colors reached its peak in 1917 when he began to spend time on the French Riviera at Nice and Vence. Here he concentrated on reflecting the sensual color of his surroundings and completed some of his most exciting paintings. In 1941 Matisse was diagnosed as having duodenal cancer and was permanently confined to a wheelchair. It was in this condition that he completed the magnificent Chapel of the Rosary in Vence.

Matisse's art has an astonishing force and lives by innate right in a paradise world into which Matisse draws all his viewers. He gravitated to the beautiful and produced some of the most powerful beauty ever painted. He was a man of anxious temperament, just as Picasso, who saw him as his only rival, was a man of peasant fears, well concealed. Both artists, in their own fashion, dealt with these disturbances through the sublimation of painting: Picasso destroyed his fear of women in his art, while Matisse coaxed his nervous tension into serenity. He spoke of his art as being like "a good armchair"-- a ludicrously inept comparison for such a brilliant man-- but his art was a respite, a reprieve, a comfort to him.

Matisse initially became famous as the King of the Fauves, an inappropriate name for this gentlemanly intellectual: there was no wildness in him, though there was much passion. He is an awesomely controlled artist, and his spirit, his mind, always had the upper hand over the "beast" of Fauvism.

The experimental years

Matisse's Fauvist years were superseded by an experimental period, as he abandoned three-dimensional effects in favor of dramatically simplified areas of pure color, flat shape, and strong pattern. The intellectual splendor of this dazzlingly beautiful art appealed to the Russian mentality, and many great Matisses are now in Russia. One is The Conversation (1909; 177 x 217 cm (5 ft 9 3/4 in x 7 ft 1 1/2 in)) in which husband and wife converse. But the conversation is voiceless. They are implacably opposed: the man-- a self portrait-- is dominating and upright, while the woman leans back sulkily in her chair. She is imprisoned in it, shut in on all sides. The chair's arms hem her in, and yet the chair itself is almost indistinguishable from the background: she is stuck in the prison of her whole context. The open window offers escape; she is held back by an iron railing. He towers above, as dynamic as she is passive, every line of his striped pyjamas undeviatingly upright, a wholly directed man. His neck thickens to keep his outline straight and firm, an arrow of concentrated energy. The picture cannot contain him and his head continues beyond it and into the outside world. He is greater that it all, and the sole "word" of this inimical conversation is written in the scroll of the rail: Non. Does he say no to his intensity of life? They deny each other forever.

Supreme decoration

But denial is essentially antipathetic to Matisse. He was a great celebrator, and to many his most characteristic pictures are the wonderful odalisques he painted in Nice (he loved Nice for the sheer quality of its warm, southern light). Though such a theme was not appreciated at the time, it is impossible for us to look at Odalisque with Raised Arms (1923; 65 x 50 cm (25 1/2 x 19 3/4)) and feel that Matisse is exploiting her. The woman herself is unaware of him, lost in private reverie as she surrenders to the sunlight, and she, together with the splendid opulence of her chair, he diaphanous skirt, and the intricately decorated panels on either side, all unite in a majestic whole that celebrates the glory of creation. It is not her abstract beauty that attracts Matisse, but her concrete reality. He reveals a world of supreme decoration: for example, the small black patches of underarm hair on the odalisque are almost a witty inverted comma mark round the globes of her breasts and the rose pink center of each nipple.

Sculpting in paper

Picasso and Matisse were active to the end of their lives, but while Picasso was preoccupied with his ageing sexuality, Matisse moved into a period of selfless invention. In this last phase, too weak to stand at an easel, he created his papercuts, carving in colored paper, scissoring out shapes, and collaging them into sometimes vast pictures. These works, daringly brilliant, are the nearest he ever came to abstraction. Beasts of the Sea (1950; 295.5 x 154 cm (9 ft 8 in x 5 ft 1/2 in)) gives a wonderful underwater feeling of fish, sea cucumbers, sea horses, and water-weeds, the liquid liberty of the submarine world where most of us can never go. Its geometric rightness and chromatic radiance sum up the two great gifts of this artist and it is easy to see why he is the greatest colorist of the 20th century. He understood how elements worked together, how colors and shapes could come to life most startingly when set in context: everything of Matisse's works together superbly.

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Pablo Picasso

History of Arts/20C 2020. 5. 26. 18:17 |
Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Martyr Patricio Clito Ruiz y Picasso (October 25, 1881April 8, 1973) was a Spanish painter, draughtsman, and sculptor. As one of the most recognized figures in twentieth-century art, he is best known for co-founding the Cubist movement and for the wide variety of styles embodied in his work. Among his most famous works are the proto-Cubist Les Demoiselles d'Avignon (1907) and his depiction of the German bombing of Guernica during the Spanish Civil War, Guernica (1937).

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<아비뇽의 처녀들> 아비뇽은 에스파냐 바르셀로나 거리 이름. 다섯명의 여인들의 모습에서 아프리카 가면 조각이 보인다.그리고 입체적인 식각을 엿볼 수 있다. 이 작품에서부터 입체파가 시작된다.

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<게르니카>는 스페인의 독재자 프랑코를 지원하는 독일 비행기가 바스크 지방의 작은 시골마을 게르니카를 폭격한 사건을 다룬 그림. 독재자와 공화당 내전의 피해는 민간인 대량살상으로.
이 작품에는 폭탄이나 무기를 든 이는 보이지 않고, 오직 다치거나 죽어가는 사람들의 신음소리, 비명, 울음소리가 동물들의 모습과 어우러져 있다.

<회화>는 아파트나 치장하기 위해 있는 것이 아닙니다.
<회화>는 적과 싸우며 공격과 수비를 행하는 하나의 전투무기입니다.

어떻게 예술가가 다른사람들의 일에 무관심할 수 있습니까?

어느 사진작가의 말이 떠오릅니다.
제 목소리를 내지 못하는 이들을 위한 진실의 목소리가 되 주고자
오늘도 나는 카메라를 들고 진실의 순간을 위해 셔터를 누릅니다.

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전쟁의 참사를 느끼게 하는 데 성공한 작품. 위대한 예술이 무엇을 할 수 있는가?
예술과 인류애의 중시. 우리시대의 병폐 무력앞에 무관심. 예술의 힘.
희망과 저항의 이미지를 비극적으로 묘사. 예술과 악 선과 악의 싸움.
오른편 촛불 든 사람의 손. 왼편에 거대한 황소. 전구는 악의 눈, 학살의 도구,
전구와 촛불이 대조를 이루고 있다. 출구가 없는 악몽.
고야의 나폴레옹의 처형과 비슷) 밑에는 예수그리스도처럼 손을 벌리고 손바닥에는 기독교 표시. 그리고 한송이 꽃.

당시 나치는 현대적인 표현주의와 추상미술을 퇴폐미술이라고 규정하고 탄압하였다.
<게르니카>를 보고 그들이 당신이 한 건가? 라고 묻자 아니오, 당신들이 했지요.

1920년대 파리에서는 아방가르드(1927년 마리 테레즈:16살)
제 1차 세계대전 무렵부터 기성예술과 전통을 부정하고 나선 전위적인 예술운동을 통칭.
1. 과거를 답습하지 말고
2. 여성 누드의 아름다움 부드러움, 은근한 관능 을 거부하고<아비뇽의 처녀들>
3. 미술에 대한 개념을 바꾸는 큐비즘 등장.
큐비즘: 세상을 다르게 보는 방식, "입체파" 대중울 즐겁게 하는 데 관심이 없고, 예술적으로 재배치된 실체를 표현하는 데 주력.
독일군에게 폭격 받은 게르니카 지역을 보고 시대적 의식을 갖게 된다.
1937년 만국박람회 파리, 정치적 목적 정치적 메시지를 전달하는 진지한 예술가
(파시즘)은 유럽 전역을 휩쓸었다. 프랑스 공산당에 입당하고 30년간 내리막길.

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피터브뤼겔 BRUEGEL, Pieter the Elder
(b. ca. 1525, Breughel, d. 1569, Bruxelles)

브뤼겔이 살았던 16세기는 르네상스 황금기로,

Pieter Bruegel (about 1525-69), usually known as Pieter Bruegel the Elder to distinguish him from his elder son, was the first in a family of Flemish painters. He spelled his name Brueghel until 1559, and his sons retained the "h" in the spelling of their names.

Pieter Bruegel the Elder, generally considered the greatest Flemish painter of the 16th century, is by far the most important member of the family. He was probably born in Breda in the Duchy of Brabant, now in The Netherlands. Accepted as a master in the Antwerp painters' guild in 1551, he was apprenticed to Coecke van Aelst, a leading Antwerp artist, sculptor, architect, and designer of tapestry and stained glass. Bruegel traveled to Italy in 1551 or 1552, completing a number of paintings, mostly landscapes, there. Returning home in 1553, he settled in Antwerp but ten years later moved permanently to Brussels. He married van Aelst's daughter, Mayken, in 1563. His association with the van Aelst family drew Bruegel to the artistic traditions of the Mechelen (now Malines) region in which allegorical and peasant themes run strongly. His paintings, including his landscapes and scenes of peasant life, stress the absurd and vulgar, yet are full of zest and fine detail. They also expose human weaknesses and follies. He was sometimes called the "peasant Bruegel" from such works as Peasant Wedding Feast (1567).

He developed an original style that uniformly holds narrative, or story-telling, meaning. In subject matter he ranged widely, from conventional Biblical scenes and parables of Christ to such mythological portrayals as Landscape with the Fall of Icarus; religious allegories in the style of Hieronymus Bosch; and social satires. But it was in nature that he found his greatest inspiration. His mountain landscapes have few parallels in European art. Popular in his own day, his works have remained consistently popular. Bruegel died in Brussels between Sept. 5 and 9, 1569.

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Netherlandish Proverbs
1559 (220 Kb); Oil on oak panel, 117 x 163 cm; Staatliche Museen zu Berlin - Gemaldegalerie, Berlin

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Peasant wedding
c. 1568 (150 Kb); Oil on wood, 114 x 164 cm (45 x 64 1/2 in); Kunsthistorisches Museum, Vienna

He developed an original style that uniformly holds narrative, or story-telling, meaning. In subject matter he ranged widely, from conventional Biblical scenes and parables of Christ to such mythological portrayals as Landscape with the Fall of Icarus; religious allegories in the style of Hieronymus Bosch; and social satires. But it was in nature that he found his greatest inspiration. His mountain landscapes have few parallels in European art. Popular in his own day, his works have remained consistently popular. Bruegel died in Brussels between Sept. 5 and 9, 1569.

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The Tower of Babel
1563 (200 Kb); Oil on oak panel, 114 x 155 cm; Kunsthistorisches Museum Wien, Vienna

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The "Little" Tower of Babel
c. 1563 (180 Kb); Oil on panel, 60 x 74.5 cm; Museum Boymans-van Beuningen, Rotterdam

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The Beggars
1568 (90 Kb); Wood; Louvre

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The Harvesters
1565 (180 Kb); Oil on wood, 118.1 x 160.7 cm (46 1/2 x 63 1/4 in); Metropolitan Museum of Art, New York

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The Hunters in the Snow
1565 (220 Kb); Oil on panel, 117 x 162 cm; Kunsthistorisches Museum Wien, Vienna

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Landscape with the Fall of Icarus
c. 1558 (180 Kb); Oil on canvas, mounted on wood, 73.5 x 112 cm; Musees royaux des Beaux-Arts de Belgique, Brussels
"이카로스의 추락" 농부는 밭을 갈고, 양치기 소년은 하늘을 보고,  낚시꾼은 났시대를 던지고 있다.  풍경화인듯한데,   오른쪽 하단에 허우적거리는 사람이 이카로스. 제목과 달리 이카로스가 하늘에서 떨러져 추락했는데 소리도 들리지 않고 빠져있는 사람도 본 체 만 체, 사람들의 관심 밖,
'사람이 죽어도 쟁기질은 쉴 수 없다'는 네덜란드의 속담이 들어있는 우의화.

하늘을 날고 싶어하는 인간의 욕망과 미지의 세계에 대한 동경의 대상인
'이카로스의 날개'  이카로스는 고대신화에 등장하는 인물.
이카로스의 아버지 다이달로스는 아테네의 유명한 장인.  다이달로스는  그의 아들에게 날개를 고안해서  탈출계획을 세운다. '너무 높이 날면 밀랍이 녹고 낮게 날면 바다의 물기로 날개가 무거워 지니 하늘과 바다의 중간으로만 날아라' 주의를 주나,  아차 하는 순간 너무 높게 날아 밀랍이 녹아 바다에 추락한다는 이야기. '이카로스의 추락'은 과욕과 오만이 부른 추락.
이카로스의 까만 몸뚱이 속에 붉은 색의 심장이 조그맣게 보입니다. 노란 별빛이 이카로스의
최후를 바라본다.

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Children's Games
Oil on wood, 118 x 161 cm
Kunsthistorisches Museum, Vienna

the painting is referred to as the "encyclopaedia of Flemish children's games". It represents about 84 games some of them are practiced until present days. There is also an assumption that the painting is part of a four-piece cycle representing the four seasons.
In addition to the games in the left part of the background a typical Flemish landscape, while on the right a street with excellent perspective can be seen.

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Dulle Griet (
mad-meg)  c. 1562
Oil on wood, 117,4 x 162 cm
Museum Mayer van den Bergh, Antwerp

This painting was mentioned by Carel van Mander in 1604 in his 'Schilderboeck'. He described the principal character of the painting as 'a Mad Meg pillaging at the mouth of Hell / seemingly perplexed / and cruelly and strangely attired', an evil and fearsome woman or witch. Van Mander remained vague about the actual significance of the painting. Perhaps it had already been forgotten by his time. We can be certain, however, that Bruegel gave the work a hidden allegorical or religious meaning, albeit one that remains a mystery. A great many experts have devoted their energies to solving the problem, but none has ever succeeded entirely in explaining the painting. Most of them focus on the possible symbolism of the large woman in the foreground, with her suit of armor, sword, cutlery and money-box. She has been variously interpreted as a symbol of heresy or violence, the personification of hum,an evil and an allegory of instability.

Recently it was proposed that Meg symbolizes Madness, a vice taken in the 16th century to include insanity, rage, gluttony, lust, avarice and ambition, and that the giant figure in the centre of the painting is an allegory of Folly. The additional scenes surrounding the two figures illustrate the causes and repercussions of these two human failings. It was concluded that Bruegel's allegory was intended as an attack on both human nature and the political and religious situation in 16th-century Antwerp.

We could fill a book with suggested interpretations of Mad Meg and it is highly doubtful whether it would bring the viewer any closer to the true meaning of the painting. Nevertheless, the work never fails to fascinate, even without specialist knowledge. No one can fail to appreciate its apocalyptic vision. For that reason, it has also been plausibly interpreted as the Breaking of the Seventh Seal, as recounted in the Book of Revelations. Mad Meg is, indeed, reminiscent of the book of the Apocalypse.

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Hans Holbein the Younger
(1497/8 - 1543)

Hans Holbein the Younger (1497-1543). Born in Augsburg, Bavaria, Hans received his first lessons in art from his father. In 1515 the younger Holbein went to Basel, Switzerland, with his brother, Ambrosius. Among the many scholars living in Basel at that time was the famous Dutch humanist Erasmus, who befriended the young artist and asked him to illustrate his satire, Encomium Moriae (The Praise of Folly). Holbein also illustrated other books, including Martin Luther's German translation of the Bible. In addition he painted pictures and portraits and, like his father, designed stained-glass windows. He also created designs for a series of 41 woodcuts called The Dance of Death.

About 1525 the factional strife that accompanied the Reformation made Basel a difficult place for an artist to work. In 1526 Holbein, carrying a letter of introduction from Erasmus to the English statesman and author Sir Thomas More, set out for London. He met with a favorable reception in England and stayed there for two years. In 1528 he returned to Basel, where he painted portraits and murals for the town hall. In 1532 he left his wife and children there and traveled once again to London.

In England, where he became court painter to Henry VIII, Holbein was known chiefly as a painter of portraits. His services were much in demand. The more than 100 miniature and full-size portraits he completed at Henry's court provide a remarkable document of that colorful period. An old account of his services at court relates that he painted the portrait of the king, "life size, so well that everyone who looks is astonished, since it seems to live as if it moved its head and limbs." In spite of their richness of detail, Holbein's portraits provide remarkably little insight into the personality and character of the people he painted.

Holbein also found time to perform numerous services for Henry. He designed the king's state robes and made drawings that were the basis of all kinds of items used by the royal household, from buttons to bridles to bookbindings. In 1539, when Henry was thinking of marrying Anne of Cleves, he sent Holbein to paint her portrait. In 1543 Holbein was in London working on another portrait of the king when he died, a victim of the plague.

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The Virgin and Child with the family of Burgomaster Meyer
1528 (120 Kb); Altar-painting; oil on wood, 146.5 x 102 cm (57 5/8 x 40 1/8 in); Schlossmuseum, Darmstadt

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 Sir Brian Tuke
c. 1527 (130 Kb); Oil on wood, 49 x 39 cm (19 3/8 x 15 1/4 in); National Gallery of Art, Washington

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Georg Gisze, a German merchant in London
1532 (200 Kb); Oil on wood, 96.3 x 85.7 cm (38 x 33 3/4 in); Gemaldegalerie, Staatliche Museen, Berlin

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Sir Richard Southwell
1536 (140 Kb); Oil on wood, 47.5 x 38 cm (18 x 15 in); Uffizi, Florence

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Portrait of Lady Elyot. 1532-3. Chalk, pen and brush on paper. Royal Collection, Windsor, UK.

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Portrait of Sir Thomas Elyot. 1532-3. Chalk, pen and brush on paper. Royal Collection, Windsor, UK

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The Ambassadors. 1533. Oil on wood. National Gallery, London, UK.
"대사들" 이 작품 역시 카메라 옵스큐라 이용.
대사들의 발 밑에 보이는 죽 늘려진 해골의 모양을 보면 알 수 있다.
영국 주재 프랑스대사/ 프랑스인 주교

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Portrait of Edward, Prince of Wales. 1539. Oil on wood. The National Gallery of Art, Washington, DC, USA

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Portrait of Henry VIII. 1540. Oil on panel. Galleria Nazionale d'Arte Antica, Rome, Italy.
헨리 8세 와  앤 볼린 "1000일의 앤"
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  1. @artnstory 아트중독 2009.10.22 01:31 신고 Address Modify/Delete Reply

    르네상스 부터
    이태리 르네상스 작가들은 초상화의 배경에 자연을 넣었다면,
    북유럽 르네상스 작가들은 초상화의 배경에 그들의 신분을 알릴수 있는 의상, 상징적인 소품, 글씨들이 보여진다.

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Spring. 1573. Oil on canvas. Louvre, Paris, France.

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Summer. 1573. Oil on canvas. Louvre, Paris, France.

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Autumn. 1573. Oil on canvas. Louvre, Paris, France

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Winter. 1573. Oil on canvas. Louvre, Paris, France.

Giuseppe Arcimboldo at Artprice. To look at auction records, find Arcimboldo's works in upcoming auctions, check price levels and indexes for his works, read his biography and view his signature, access the Artprice database.

            Although Giuseppe Arcimboldo was extremely famous during his lifetime, he was soon forgotten after his death. We do not know why people ever lost interest in his art. Perhaps he was misunderstood by the generations that followed. The interest to his abstruse and fantastic pictures, of which we only have a very few originals, nowadays, revived only at the end of the 19th century. Apart from the fantastic pictures, he probably painted quite a few more traditional ones. But many of these, too, seem to have disappeared.
            Giuseppe Arcimboldo was born into the family of a painter for the Milan Cathedral in 1527. The other variants of the name: Josephus, Joseph or Josepho Arcimboldi or Arcimboldus. It is uncertain which version is the correct one, because the painter used all these variants to sign his works. Many art historians agreed to use the variant of Giuseppe Arcimboldo.
             In 1549, at the age of 22, Giuseppe Arcimboldo made his debut as an artist. The records of the Milan Cathedral tell us that, together with his father, he was paid for designing several stained glass windows. He went on to work for the Milan Cathedral after his father’s death, until 1558. During this period he designed stained glass windows for the Milan Cathedral and several gobelin tapestries for the Como Cathedral.
            In 1562, Giuseppe Arcimboldo became a court painter of Emperor Ferdinand I (Habsburg) and left for Vienna, then moved to Prague. During the 2 years, when  Arcimboldo served Ferdinand I, he painted several portraits of the Imperial family as well as the first series of his Four Seasons. The artistic concept of these pictures of 1563 was unique and laid the foundation of Arcimboldo’s success as a painter. The documents of the time bear witness to the fact that monarchs and his contemporaries in general were quite enthusiastic about his art.
            When Ferdinand I died, in 1564, and was succeeded by Emperor Maximilian II (1527-1576), Arcimboldo continued as his court artist. There is little doubt that a large number of pictures were painted between 1564 and 1576, but only very few of them are known to us: Water and Fire (1566), The Lawyer (1566), The Cook (1570) another series of the Four Seasons in 1572, two series of Four Seasons in 1573, including Spring (1573), Summer (1573), Autumn (1573), Winter (1573). In 1575 Arcimboldo made several paintings for the private chambers of the Emperor. We do not know of any other works. But apart from painting, Arcimboldo also had other duties at the Imperial court. As he was a man of many talents he also served the Emperor as an architect, stage designer, engineer, water engineer and art specialist. Because of his extensive knowledge he was able to exert his influence on Maximilian II.
            Like his 2 predecessors, Emperor Rudolph II (1552-1612) also took Arcimboldo into his service. The eleven years, which the artist spent with Rudolph II, were probably the peak of his career. The Emperor was extremely fond of Arcimboldo and showed great appreciation for him. All we know about Arcimboldo’s activities as an artist at the Imperial court is that  he painted The Four Seasons twice in 1577, that he dedicated a red leather folio containing 150 pen-and-ink drawings to the Emperor in 1585, and that he organized a number of festive processions and tournaments in the same year. We have no knowledge of any further pictures, which he might have painted, at the court in Prague after 1585.
            In 1587, after 11 years of service and a number of urgent requests, Arcimboldo finally received permission from Rudolph II to return to his native Milan. And so he went back in the same year, but honored the Emperor’s request to continue working for him even, though he was no longer in his service. In 1591 he painted two of his most famous pictures, Flora (c.1591) and Vertumnus (1590-1591), which he sent to Prague. Vertumnus was particularly appreciated by everyone, especially by Rudolph himself. It is a head-and-shoulder portrait of the Emperor, showing him in the form of Vertumnus, the ancient Roman god of vegetation and transformation. Rudolph consists entirely of magnificent fruits, flowers and vegetables. Delighted with these paintings, Rudolph II  awarded Arcimboldo one of his highest orders in 1592. Next year on 11 July 1593 the painter died.

Arcimboldo by Federico Zeri. NDE Publishing, 2001.
Giuseppe Arcimboldo 1527-1593 (Basic Art Series) by Giuseppe Arcimboldi, Werner Kriegeskorte. TASCHEN America Llc, 1994.
The Portrait of Eccentricity: Arcimboldo and the Mannerist Grotesque by Giancarlo Maiorino. Pennsylvania State Univ Pr , 1991.
Hello, Fruit Face!: The Paintings of Guiseppe Arcimboldo (Adventures in Art) by Claudia Strand. Prestel, 1999.

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Giuseppe Arcimboldo. Self-Portrait. c.1575. Blue pen-and-wash drawing. Narodni Gallery, Prague, Chechia.

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Air. Oil on canvas. Private collection, Basle, Switzerland.

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Fire. 1566. Oil on wood. Kunsthistorisches Museum, Vienna, Austria.

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Earth. c.1570. Oil on wood. Private collection, Vienna, Austria.

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Water. 1566. Oil on wood. Kunsthistorisches Museum, Vienna, Austria.

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The Librarian. c.1566. Oil on canvas. Skoklosters Slott, Balsta, Sweden.

1590-1591. Oil on wood. Skoklosters Slott, Balsta, Sweden
루돌프2세의 초상. 예술가를 후원하여 프라하를 문화도시로 만든 군주. 이 독특한 초상화를 보고 슬기로운 군주덕에 만물이 번성하고 나라가 풍요롭다는 의미로 해석. 

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Flora. c.1591. Oil on wood. Private collection, Paris, France

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The Cook, a visual pun which can be turned upside down. c.1570. Oil on canvas. Private collection, Stokholm, Sweden.

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The Vegetable Gardener, a visual pun which can be turned upside down. c.1590. Oil on wood. Museo Civico Ala Ponzone, Cremona, Italy.


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  1. 티비다시보기 2020.08.31 15:30 Address Modify/Delete Reply

    잘 보고 갑니다...

marc chagall

History of Arts/20C 2020. 5. 18. 22:55 |

마르크 샤갈 (1887~1985) 러시아 유대인 화가

마르크 샤갈의 대표작은 프랑스 파리 오페라 하우스 천정화1963년





샤갈의 성서화의 내용은 
1. 유대 민족의 성조 
2. 유대 왕국 건설에 이바지한 인물들
3. 예언자들...

그의 고향은 러시아 바테브스크




 Small Drawing Room. 1908. Oil on paper mounted on cardboard. 22.5 x 29. Private collection.

Study for the painting "Rain". 1911. Gouache and pencil on cardboard. The Tretyakov Gallery, Moscow, Russia.

The Poet, or Half Past Three (Le poète, ou Half Past Three). 1911-12. Oil on canvas197 x 146 cm, The Philadelphia Museum of Art, Philadelphia, PA, USA.

I and the Village. 1911. Oil on canvas. 191 x 150.5 cm. The Museum of Modern Arts, New York, NY, USA. ,

Golgotha. 1912. Oil on canvas. 174 x 191. The Museum of Modern Arts, New York, NY, USA.

Adam and Eve. 1912. Oil on canvas. 160.5 x 109 cm. Saint Louis Art Museum, St. Louis, MO, USA.

The Fiddler. (Le violoniste). 1912-13. Oil on canvas. 188 x 158. Stedelijk Museum, Amsterdam, Netherlands. On loan from the State Collection.

Burning House (La maison brûle). 1913. Oil on canvas. 107 x 120.6 cm. The Solomon R. Guggenheim Museum, New York, NY, USA.

Paris through the Window. / Paris par la fenêtre. 1913. Oil on canvas. 135.8 x 141.4 cm. The Solomon R. Guggenheim Museum, New York, NY, USA.

Self-Portrait with Seven Digits. / Autoportrait aux sept doigts. 1912-13. Oil on canvas. 128 x 107 cm. Stedelijk Museum, Amsterdam, Netherlands.

Barber's Shop (Uncle Zusman). 1914. Gouache, oil on paper. 49.3 x 37.2. The Tretyakov Gallery, Moscow, Russia.

The Birthday. 1915. Oil on cardboard. 80.5 x 99.5 cm. The Museum of Modern Arts, New York, NY, USA.

The Promenade (La promenade). 1917-18. Oil on canvas. 169.6 x 163.4 cm. State Russian Museum, St.Petersburg, Russia.

Window in the Country. (Fenêtre à la campagne). 1915. Oil on canvas. 100 x 80.5 cm. The Tretyakov Gallery, Moscow, Russia.

Cemetery Gates.
1917. Oil on canvas. 87 x 68.6 cm. Private collection.

Peasant Life (The Stable; Night; Man with Whip). 1917. Oil on cardboard. 21 x 21.5 cm. The Solomon R. Guggenheim Museum, New York, NY, USA.

Self-Portrait with Muse (Dream). 1917-1918. Oil on canvas. 157 x 140. Private collection.

Grown Old (Le lion devenu vieux). 1926-27. Gouache on paper. 48.2 x 40.6 cm. Private collection.


Bride with Blue Face. 1932-1960. Oil on canvas. 100 x 81. Private collection.

The Green Violinist. 1923/24. Oil on canvas. 198 x 108.6 cm. The Solomon R. Guggenheim Museum, New York, NY, USA.

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1.현대미술의 개념

Modern Art-근대 미술, 또는 현대미술/ 포괄적이고 상대적 의미: 15세기 르네상스 시대의 사람들도 자신들의 시대를 modern이라 칭함.

Contemporary Art- 동시대 미술/20세기미술∼현재

2. 현대미술로 가는 길잡이

19세기 근대 사회의 태동과 미술의 전개 과정은 밀접한 관계를 맺음: 산업혁명, 도시의 발 달, 과학과 기술의 발전, 자본주의의 정착. 1, 2차 세계대전.

1) 현대 미술은 이전 미술과 어떻게 다를까?

현대 미술 이전의 미술은 시각적 사실을 충분히 재현하는데 목적이 있었음.

-착시(illusion): 2차원의 평면을 3차원의 현실처럼 보이게 할 것./원근법, 명암법 등

-사실주의(realism): 사실주의는 19세기 미술운동으로서의 Realism과 일반적 의미의 realism으로 구별할 필요가 있다. 19세기 이전의 사실주의는 미술을 현실세계의 거울 로 생각해 그림이나 조각이 실제처럼 보이게 하려함. 착시효과도 여기서 기인함. 19 세기 사실주의 이후는 직접 목격한 현실을 그림에서 표현하는데 중점을 둠.

-인상주의(Impressionism): 시각적 사실성.

2) 20세기 초 미술의 위기

사진, TV, 비디오, 영화, 가상현실의 등장으로 회화는 위기에 처하게 됨. 이에 대한 해결책으로 개념 중시, 혼합 매체, 미술 영역의 확대 등이 제시됨.

3)미술 개념의 변화

미술은 더 이상 자연의 거울이 아니라 독자적이고 자율적인 세계라는 생각이 자리 잡게 됨.

여기서 미술가 자신이 보다 직접적으로 드러나게 되었음. 1, 2차 세계대전은 미술이 신체, 생명, 고통에 대해 보다 깊이 생각하게 함.

*팝아트(Pop Art)



1956년 대중문화에 관심이 있었던 영국 젊은 미술가들의 모임인 인디펜던트 그룹의 전시회인 <이것이 내일이다>/이 전시회의 포스터 겸 카탈로그에 쓰일 이미지로 해밀턴의 콜라주 작품<오늘날의 가정을 이토록 색다르고 멋지게 만드는 것은 무엇인가> 등장, 이 작품 중에 Pop이란 단어 출현.

이 그룹의 비평가였던 로렌스 알로웨이가 팝 아트라는 말을 처음 사용함.


2.팝아트의 발생배경

2차 대전 이후 급속하게 진행된 산업국가에서 확산되는 대중문화, 영상매체에 대한 관심이 주요한 배경이 됨.


3. 팝아트의 전개


보수화되고 정체된 사회에 대한 비판적 성격이 강하며 사회와 미술을 연결시키고자 함.

1950년대 초부터 리처드 해밀턴, 데이비드 호크니 등이 대중사회와 문화의 문제에 대해 토론하고 전시회를 개최.

기존 미술과 달리 대중문화를 무시하는 태도를 보이지 않음. 뒤샹과 다다의 영향.

- 주요작가: 리처드 해밀턴, 피터 블레이크, 데이비드 호크니,에드와르도 파올로치, 엘렌 존스 등

2) 미국 팝아트

1960년대 초반에 등장함. 1940-50년대의 추상표현주의의 주관적이고 모호한 성향에 대한 반작용.

영국 팝아트와 달리 산업 사회에 대한 낙관적인 입장. 대량 생산의 결과물과 대중문화의 상징에 대한 관심을 적극적으로 표명함.


4. 팝아트의 특성

1)고급문화(순수 음악, 순수 미술 등 기존의 예술이라 칭했던 분야)

저급 문화(상업 영화, 텔레비전, 광고, 만화 등)의 구별을 무의미하게 만듬.

2) 반복과 복제

3) 작가의 독창성에 대한 의문 제기

*추상표현주의와 엥포르멜


1.추상표현주의(AbstractExpression!ism) 발생 배경

1)1930년대초 이래 나치의 위협과 전쟁을 피해 유럽 예술가들이 미국으대거이주.

2)유럽의 영향에서 벗어나 미국을 새로운 문화의 중심지로 위치시키고자 하는 시도가 나타남.

  a. 프랑스 미술을 대표한다고 여겨졌던 초현실주의에 대한 반발

  b. 보다 건전하고 순수한 미국적 토대에 기초한 미술 추구

3)새로운 현대미술의 중심지로서의 미국의 역할 강조- 2차대전 이후 냉전체제하에서 미국의 정치적, 경제적 힘을 바탕으로 세계미술의 중심지로 부상.

  a.1929년 세계 경제 대공황

  b.1933년 루즈벨트 대통령의 뉴딜정책/연방미술사업(FederalArtProject):

      미술가이  국가에 고용되어 공공 건물에 벽화를 그려 미술가의 고용창출과 최저

     생계비를 보장했던 사업-사실적 미술에 대한 장려: 미국 ‘지방색’의 형상화에 주력함.


2.추상표현주의 명칭의 유래

1)1929년 미국에서 열렸던 칸딘스키 전시회에서 알프레드 바가 ‘형식은 추상적이지만 내용은 표현적’이라고 언급한 데서 유래.

2)1946년 <뉴요커>의 미술 비평가 로버트 코츠가 한스 호프만의 전시회에 대한 전시평에서 ‘추상표현주의’라는 용어를 처음으로 사용함.


3.추상표현주의의 전개


a.순간의 행위 - 우연성의 효과를 새로운 미의식으로 발전시킴

 자신들의 회화세계 구축 -드리핑(Dripping), 타시즘(Tachisme), 컬리그래피 (Calligraphy) 와 같은 개성적인 표현

-자유롭고 율동적인 선 / 비정형적, 우연적인 형태

-즉흥적, 속도감 있는 특성의 표현 / 단순한 색채보다는 다채로운 색채를 사

b. 전면회화(All-Over painting)

: 화면 전체가 위계 없이 균일한 의미..회화 본래의 평면성에 주의 집중, 제작과정에서 상하 좌우의 구별이 무의미함.

캔버스 너머까지 확장되는 벽화 개념

색채와 회화평면이 완전히 일치되어 회화의 평면성 강조

-화면의 구성, 명암법을 제거한 색채의 균질성으로 화면의 평면성 강조

c. 원시적, 신화적 주제 추구-앙드레 마송의 자동기술법의 영향

 원초적 상태의 인간에 대한 관심-원시 미술, 인디안 미술에 대한 관심.


a. 색면추상이란: 추상표현주의의 한 경향, 전면 회화방식에서 영향 받음.

액션페인팅에 반대, 촉각적인 회화의 물질성 거부, 색채에 대한 관심이 결합됨.

명상적, 정신적인 분위기의 고요한 작품 제작

b. 색면추상의 특성

전쟁의 허무감 극복 - 실존적 입장에서 좀더 근원적인 상징물 필요함 자각

우연과 임의보다 철학적 이념 바탕.

-단순하고 강렬한 색면 회화Color-Field Painting 추구

원시미술, 마티스 연상 : 강렬, 단순한 색채 -> 숭고의 이미지를 넓은 색면 위에 나타냄.


5. 추상표현주의의  특성

1)서구 근대 미술의 복합적인 요소 모두 포함

:야수주의, 표현주의, 다다, 미래주의 초현실주의로 이어지는 한 계보와 인상주의, 입체주의, 기하학적 추상의 계보 모두 받아들임.

2)자동기술법의 강조-무의식 상태

:형상성 초월하려는 시도/구상적, 또는 추상적이든 지시성과 방향성 가진 형상 거부


1) 형식과 주제의 동시성

2) 결과물 보다는 과정 강조: 액션 페인팅, 미완성의 상태

3) 평면성의 강조-전면회화

4) ‘오브제’로서의 그림-그림의 ‘사물성’의 강조



1.앵포르멜(Informel)명칭의 유래

1) ‘앵포르멜’은 원래 부정형, 비정형의 뜻

제 2차 세계대전 후 정형화, 아카데미즘화한 추상, 기하학적 추상에 대해 반발하여 일어남.

2) 미국의 추상표현주의에 상응하는 동시대 유럽미술 지칭.

3)서정추상, 타시즘과도 거의 혼용

뜨거운 추상 전체를 양식적으로 대표하는 용어


2.앵포르멜의 발생 배경

1)2차 세계 대전 : 황폐된 유럽과 보편적 가치의 상실.

2) 사상적 배경: 장-폴 사르트르, 알베르 까뮈 / 실존주의

개인이 도덕적 가치의 근원/ 외적인, ‘객관적인’ 기준에 의지하지 않음. 삶 안에서 스스로의 행동을 선택

직접적, 자발적인 표현 : 개인의 특정한 상황 반영

=> 추상의 정당화.

=>전쟁 동안 고통을 겪은 몇몇 미술가들의 전후 (戰後) 전시는 이러한 배경에서 깊은 영향을 줌.


3.앵포르멜의 전개

1)1939년경 - 추상 : 회화와 조각의 대안으로 등장

전쟁 이후 파리의 추상미술 : 기하추상이 주류를 차지함

‘차가운 추상’(기하추상)과 ‘뜨거운 추상’(서정추상) 구별

- 타시즘, 앵포르멜, 물질주의(Matérisme), 또 하나의 미술(un art autre)등 여러 명칭으로 불림.

2)추상적인 표현주의 경향을 띠었음

=> 1950년대 후반 – 국제적으로 인정받음.


4.앵포르멜의 특성

1)포트리에, 뒤뷔페, 볼스 : 앵포르멜 미술 운동 선구자 역할/ 가혹한 전쟁의 상황속에서 자신의 체험을 기반으로 억압된 인간의 극한적인 정신을 다룸.

2) 삶의 실존적인 모습 표출하고자 함/ 소수의 문학가 및 화가에게 인정받았을 뿐, 앵포르멜의 이념은 비평가 미셀 타피에에 의해 구체화됨./구상 ,비구상을 부정. 앵포르멜 미술에서는 표현의 제스처보다는 마티에르에 중점을 두어야 한다고 강조하였으나 작가들의 양식은 다양했으며 구성원도 늘 유동적.


1.명칭의 유래: 1917년 기욤 아폴리네르가 장 콕토의 발레극 <퍼레이드>와 자신의 희곡 <티레시아스의 유방>을 “초현실적”이라 부른 데서 유래함.

2. 초현실주의의 발생배경: 다다의 반 부르주아적, 반이성적 태도에서 영향 받음. 프로이드의 정신 분석학과 꿈에 대한 연구에서 영향 받음.

3.초현실주의의 특성

-로트레아몽의 시 구절인 “ 재봉틀과 우산이 해부대에서 우연히 만나는 것은 아름답다” 가 초현실주의의 주도적 이념임.

-브르통: 선입견 없이 현실을 바라보아야 한다고 주장하며 이를 위해서는 꿈과 무의식의 영역을 탐구해야 한다고 봄.

결과적으로 억눌린 욕망의 해방 추구-비논리적이고 우연성에 입각한 예술, 내면의 그림이 미술작품의 직간접적인 원본이 됨.

4. 초현실주의의 형성

1차 세계대전 이후 다다운동에 참여했던 이들 대부분이 초현실주의에 가담..

다다와 마찬가지로 초현실주의 역시 문학에서 먼저 시작되어 회화, 조각, 사진, 영화 등으로 확대됨.

1926년 초현실주의 갤러리가 개관

1938년 ‘국제 초현실주의 전시회’-파리 보자르 갤러리

1939년 2차 세계대전 발발로 수 많은 초현실주의 예술가들이 미국으로 피난함.

1966년 지도자인 시인 브르통의 사망으로 공식 해체됨.

5. 초현실주의 미술의 특징

입체주의, 추상회화의 추상적 형식언어를 거부하고 구상적인 표현으로 복귀. 묘사수단 대신 그림 내용에 중점을 둠.

5. 초현실주의 사진과 영화

현실을 묘사하는 대신에 새롭게 창안해야 한다고 주장.

사진의 객관성이 착오임을 폭로함. 카메라의 조작이 자유롭게 이루어짐.

초현실주의 영화- 달리, 브뉘엘 / <안달루시아의 개>(1928)

브뉘엘/ <황금시대>(1930)

6. 초현실주의 기법

1) 자동기술법 Automatisme

모든 습관적 기법이나 고정관념, 이성 등의 영향을 배제하고 무념무상의 상태에서 손이 움직이는 대로 그리는 것을 말한다.

2) 프로타주frottage

나무 파편이나 나뭇잎 위에 종이를 대고 연필을 문질러 그림이 떠오르게 하는 수법을 말한다.

3) 데칼코마니decalcomanie

회화에서는 미끄러운 성질의 종이에 물감을 칠하고 그것을 접었다가 다시 피거나 또는 다른 종이를 그 위에 대고 눌렀다가 뗄 때 생기는 우연한 효과를 작품에 이용한 것을 의미한다.

4) 데페이즈망depaysement

초현실주의 회화에서는 낯익은 물체를 뜻하지 않은 장소에 놓으므로써 꿈속에서 밖에 없는 화면을 구성했는데, 이는 심리적 충격뿐 아니라 보는 사람의 마음속 깊이 잠재해 있는 무의식의 세계를 해방시키는 역할을 한다.


카메라를 사용하지 않고 직접 감광 재료 위에 물체를 얹어 거기에서 만들어지는 명암 속에서 추상적 사진을 찍은 것이다.


화면에 인쇄물, 천, 쇠붙이, 나무조각, 모래, 나뭇잎 등 여러 가지 물질을 붙여 구성하는 것인데, 이차원적 평면에 마치 3차원의 물체를 콜라주한 것처럼 트롱프 뢰이유 기법으로 그리기도 함.


예술과 관련 없는 물건, 또는 그 부분을 본래의 일상적 용도에서 떼어내어 보는 사람으로 하여금 잠재한 욕망이나 환상을 불러일으키게 하는 상징적 기능의 물체를 말한다.

*문학, 예술에서는 우연히 발견된 사물 즉 object troube. 로트레아몽의 <말도로르의 노래> 중의 한 구절에서 낯선 사물들의 만남에 관한 내용. “해부대 위에서의 재봉틀과 우산의 만남

*다다와 초현실주의


1. 다다의 발생 배경

1차 세계대전은 서구세계에 심각한 상처를 남김

-근대문명에 대한 회의와 부정적 입장의 확산

-전통적인 규범에 대한 반발과 부정

-합리주의와 기존 예술에 대한 반발에서 비합리주의와

반문화적인 예술 추구


2. 다다의 전개

1) 명칭의 유래: 아이가 내는 중얼거리는 소리, 장난감 목마 등을 뜻하기도 함-아무 런 뜻도 없는 무의미한 소리를 뜻함.

2) 다다의 전개: 다다의 태동지는 스위스 취리히의 카바레 볼테르-1916년부터 후고 발, 한스 아르프, 트리스탄 차라 등이 부르주아 문화에 반대하는 모임을 가짐.

뒤샹 등 미술가가 합류해 오브제, 콜라주, 포토몽타주 등의 표현기법 개발.

베를린, 퀄른 등지에서 또 다른 다다 그룹-막스 에른스트가 주도. 미국 뉴욕에서도 다다 그룹이 결성됨.

1922년 해산과 동시에 대부분의 다다이스트들이 초현실주의에 합류.

1차 세계대전 이후 아방가르드 미술의 중심지인 파리 예술계와 긴밀한 접촉-초현실주의 지도자인 브르통이 1920년 <리테라튀르>에서 다다 선언을 실음.

3) 다다의 의의: 반문화적, 반 부르주아적 태도를 표명-이성과 합리성에 반대하고 우연성과 개인의 근원적 욕구에 충실하고자 함으로서 초현실주의를 포함한 현대미술 전체에 큰 영향을 줌.

<뒤샹의 레디메이드(readymade)>

뒤샹은 만 레이와 같이 뉴욕 다다에서 주도적 역할.

1913년 미술가의 역할에 대해

“물질을 교묘하게 치장하는데 있지 않고 미의 고찰을 위한 선택에 있다”고 정의.

-이후 개념 미술 작가들에게 영감의 원천을 제공함.



명칭의 유래

표현주의는 20세기에 독일을 중심으로 나타난 예술의 한 경향을 말한다. 표현주의라는 명칭은 1910년 쥴리앙 에르베가 자기작품을 설명 하면서 처음 사용했고, 현재의 의미로 사용된 것은 <베를린 신분리파>전시회에서 한 심사위원이 페히슈타인의 작품을 보고 “아직도 인상주의(Impressionism)인가?”라고 물었을 때 “아니다, 표현주의(Expression!ism) 이다'라고 대답한 데서 유래했다. 표현주의라는 말이 보편화된 것은 헤르바르트 발덴이 미술 잡지 <스트룸(Strum)>에서 표현주의라는 표제로 모든 혁명적 미술운동을 취급한 이후이다.


표현주의의 발생배경

•표현주의는 미술뿐 아니라 문학, 연극, 음악, 영화 등 대부분의 예술분야에 걸쳐 다양하고 광범위한 형태로 나타나게 되었다. 당시 프랑스와 영국은 산업화와 민주정치의 발달을 보였으나 독일은 급속한 공업화와 도시화, 전쟁이 끊이지 않는 가운데 정치, 경제적으로 매우 복잡하고 어지러운 상황이었다. 그 결과 부정과 사회적 모순에 대한 항의로서의 도덕적 병폐를 고발하는 폭력, 꿈, 비관주의, 유토피아를 향한 갈망과 옛것에 대한 증오 등이 혼합된 독일사회의 문제점을 반영하는 경향을 띤 사조인 표현주의가 처음으로 나타나게 되었다.


표현주의의 형성과 전개

표현주의의 정신적 출발점은 제 1차 세계대전과 그 전쟁 중에 생긴 주변 상황에 대한 공포라고 볼 수 있다. 표현주의 회화의 선구자로는 반 고흐, 고갱, 뭉크, 앙소르(Ensor)를 꼽을 수 있다.이들은 자연을 그대로 묘사하기보다는 개성적이며 독특한 색채 사용으로 감정을 환기 시키려 시도하였다. 당시 독일의 심각한 정치, 사회, 문화 전반에 걸친 문제점을 반영하듯 독일의 표현주의는 신비주의와 종교적 감성 그리고 기계문명에 대한 반발 등의 영향으로 비물질적이고 정신적 표현을 시도하게 되었다. 독일 표현주의는 사물의 외형이나 실체를 똑같이 재현하는 사실주의에 반대하여 사물의 내면에 존재하는 것들을 나타내고자 하였으며 그 결과 미술의 영역을 확장하여 눈에 보이는 세계를 훨씬 넘어섬으로써 추상적이고 가공적인, 예지를 할 수 없는 세계까지 다루려 했다. 표현주의 작가들은 주관적 감정에 따라 형태를 왜곡해 표현함으로서 기이하고 공포스러운 분위기를 표현해 당시의 정치적, 사회적 상황을 어떻게 표현할 것인가를 고민하던 예술가들에게 영향을 주었다.

20세기초 독일에서 일어난 표현주의는 크게 두 개의 운동으로 나눌 수 있다.

독일 표현주의: 그래픽의 충동,
20세기 초 독일과 오스트리아에서 시작된 폭넓은 모더니스트 운동인 표현주의에 관련하여~
당시의 미학, 사회, 정치 상업의 융합은 독일의 화가와 조각가에게 판화 드로잉 포스터 정기간행물 등의 그래픽 매체를 선택하게 만들었고, 그래픽예술, 판화의 부활로 이어졌다. 표현주의가 처음 떠오른 드레스덴을 시작으로 청기사파의 집결지인 뮌헨, 오스트리아의 표현주의가 탄생한 빈까지 막스베크만, 오토 딕스 등 


-1905년에 결성된 원시주의적 미술운동인‘다리파’(키르히너,헤켈,슈미트-로틀러프)

-1911년에 등장하는‘청기사파’(야울렌스키,칸딘스키,파울클레,마케,프란츠마르크,뮌터)


표현주의 영화의 발생배경

독일 정부는 제 1차 세계대전과 다양한 정치적 견해로 분열된 독일국가의 단결력을 결집하기 위해 1917년 작은 영화사들을 통합-U.F.A라는 거대한 회사를 설립했다. 이러한 상황은 경쟁력 있는 상품이었던 영화를 수출하기 위해 영화의 제작을 장려하는 분위기를 확산시켰다.(외국 영화의 수입이 철저하게 제한됨)

U.F.A의 활약으로 1920년대 독일 영화계는 최고의 전성기를 누린다. 이때 독립적으로 활동하던 소규모 제작사들은 U.F.A의 통상적인 영화 제작양식에서 벗어나려는 시도를 하게 되어 다양한 장르의 실험적인 영화들이 제작되었다. 여기서 당시 전위운동의 하나로 미술에서 먼저 나타난 표현주의 양식을 영화에 도입하였고, 독일인들의 패전의 경험에 따른 비현실적이고 불안한 사회분위기를 반영하는 소재들이 이러한 표현주의 양식과 결합하면서 독일 표현주의 영화라는 독특한 양식이 탄생하였다.


표현주의 영화의 특징

독일 표현주의자들은 현실을 기계적으로 복제하는 사실주의를 넘어 영화적인 현실세계에 주목, 새로운 창조를 위해 소리, 색, 시공간적 연속성 등을 철저하게 이용하였다.

피사체를 객관적으로 반영하는 카메라에 심리적이고 주관적인 시각을 부여했으며 또 빛의 화가 렘브란트를 연상시키는 로키(Low-key)와 키 라이트(Key-light)를 사용한 극단적인 명암과 정밀하게 짜인 세팅을 종종 사용하였다.

배우들의 연기조차 과장되면서도 정교화 되었다. 영화의 공간도 초현실주의적인 이미지를 담으며 기하학적이고 왜곡된 미장센이 도입되었다.


야수주의와 입체주의

20세기 초, 20세기 미술의 성향을 단적으로 제시하는 미술운동이 프랑스에서 일어난다. 야수주의와 입체주의가 그것으로 현대미술에 대한 대중의 인식에 지대한 영향을 주었다. 야수주의와 입체주의가 태동한 배경에는 고갱, 반 고흐, 세잔과 같은 후기 인상주의에 속한 작가들의 대규모 회고전이 있었다.

20세기 초 서구 제국주의 열강의 식민지 쟁탈과 이국적인 정취 선호가 확산되면서 미술에 있어서도 아랍문화, 아프리카 흑인미술 등에 대한 관심이 증대되었다.


1. 야수주의(Fauvism)


1)명칭의 유래

야수주의는 1905년에서1910년경까지 지속되었으며, 평론가 루이 복셀이 1905년에 열린 살롱 도톤느에 출품된 마티스, 드랭, 블라맹크 등의 작품을 야수들(Les fauves)의 그림이라 혹평한 데서 유래되었다. 프랑스 국립미술학교에서 상징주의 화가 구스타브 모로의 가르침을 받았던 마티스 등은 스승의 격려에 힘입어 새로운 미술에 대한 실험을 제기했다.


2)야수주의의 전개와 특성

야수주의는 1905년 살롱 도톤느와 살롱 데쟁데팡당전에서 최고조에 다다랐고, 1908년 이후에는 독자적 방향으로 나아가게 된다. 마티스, 드랭, 블라맹크 등이 즐겨 방문했던 낙천적이고 열정적인 프랑스 남쪽의 분위기는 야수주의의 밝고 낙관적인 주제와 색채로 드러난다.

색채를 통한 회화의 독자성을 추구했던 야수주의는 그동안 회화에 있어 보조적인 위치에 있었던 색채를 선, 형태, 상징과 같은 위치로 끌어올려, 색채를 중심으로 하는 새로운 회화를 선보였다. 또한 색채를 묘사적 기능에서 해방시켜 표현적, 장식적 기능으로 사용함으로서 강렬한 원색으로 대표되는 색채 감각에 의한 형태변형과 단순화를 시도함으로서 색채의 독립을 선언했다.



2. 입체주의(Cubism)


1)명칭의 유래

입체주의는 1900년에서 1914년까지 파리에서 진행되었던 미술운동이다. 1908년 마티스는 살롱 도톤느에서 브라크의 그림을 작은 입방체(cube)라 칭했고, 평론가 루이 복셀이 브라크의 그림을 두고 ‘모든것을 기하학적 도형, 입체로 환원시킨다’라고 조롱한 것을 계기로 입체주의 이론가인 시인 아뽈리네르가 피카소, 브라크 등이 창시한 새로운 미술운동을 지칭하는공식 명칭으로 입체주의를 사용하게 되었다.


2) 입체주의의 전개와 특성

(1)입체주의의 성립배경

19세기말부터 회화적 본질에 대한 숙고와 과학은 발전은 입체주의가 태동할 수 있는 배경으로 작용했다. 막스 플랑크, 아인슈타인 등의 혁신적 이론 발표와 라이트 형제의 비행성공은 회화에서도 가시적인 것을 넘어서는 조형 분석력과 , 입체감에 대한 관심을 갖도록 부추겼다.

1907년 살롱 도톤느에서 개최된 세잔의 대회고전은 입체주의가 전개되는 데 결정적인 영향을 미친다. 인상주의가 부정한 사물의 고유색을 인정하고 데생에 새롭게 주목한 세잔의 그림은 모든 사물의 기본적 형태를 단순한 기하학적 모양으로 환원해 2차원적 평면에서 재구성해 표현한 특징을 갖고 있었다. 이렇게 모든 물체를 구, 원추, 원통으로 제시한다는 것은 한 화면에 여러 개의 시점 공존과 직결된다고 할 수 있다.

화면에 합리적, 객관적 질서를 부여하려 했던 고전미술에 다시 주목함으로서, 단순히 감정적 표현에서 벗어나 보다 이지적이고 지성적인 미술이 나올 수 있게 했다.

아프리카 흑인미술, 고갱의 타히티 그림에서 드러난 원시미술은 형태의 단순화와 힘의 표현에서 입체주의가 새로운 형태와 공간을 재현하는데 영향을 주었다.

(2)입체주의의 특성

입체주의는 전개과정에 따라 분석적 단계와 종합적 단계로 구분된다.

피카소는 1907년 작 <아비뇽의 아가씨들>에서 공간처리에서 세잔의 파사주 기법을 사용하여 여러 개의 시점을 단일 형태에서 결합했다. 인물의 처리에서 화면 오른쪽 아래에 주저앉아 있는 여인은 기존의 관점에서 보면 얼굴은 앞모습이고 몸은 뒷모습인 불가능한 자세를 하고 있다. 복수의 시점이 한 형태에서 어떻게 결합하고 있는지를 보여 주는 예이다.

또한 여인들의 얼굴 표현에서는 아프리카 가면의 영향이 드러난다.

브라크는 <레스타크의 집들>(1908년)에서 색조를 제한하고 공간 처리에 있어 역시 세잔의 파사주 기법을 사용했다. 일종의 기하학적 풍경화라 볼 수 있는 이 작품은 고정된 관객의 시점에서 벗어나 여러 시점을 사용하고 화면에 빛을 투영하는 광원을 화면 곳곳에 산재시킴으로서 공간과 2차원적 평면인 화면사이에 미묘한 긴장관계를 부여하고 있다.

a. 분석적 단계: 대상을 단면들로 잘게 분할, 색조를 제한하여 사용하거나 단색조 화면을 제시한다.

ex)피카소, <칸바일러의 초상>, 1910.

브라크, <바이올린과 촛대>, 1910.

b. 종합적 단계

1912년경부터 피카소, 브라크는 실제 생활 및 대중 문화-신문지, 벽지, 상표 등의 요소들을 화면에 직접 도입해 화면위에서 조합해 낸다. 색채가 재도입되며 콜라주(collage), 파피에 콜레(papier colle)가 발명되기에 이른다.

ex)피카소, <등나무 의자 무늬가 있는 정물>, 1912/ 밧줄, 유채, 종이를 붙임

브라크, <과일 접시와 유리컵>, 1912/ 목탄, 종이를 붙임

(3)입체주의의 의의

입체주의는 이후에도 지속적으로 작가들에게 중요한 위상을 차지한다. 입체주의는 20세기 전체에 걸쳐 지속적인 영향을 주었다. 입체주의의 미술적 이념은 회화의 독립을 완성해, 추상미술로 가는 직접적인 통로로 작용했다

Posted by @artnstory 아트중독

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  1. @artnstory 아트중독 2018.10.06 19:55 신고 Address Modify/Delete Reply

    독일 표현주의: 그래픽의 충동,
    20세기 초 독일과 오스트리아에서 시작된 폭넓은 모더니스트 운동인 표현주의에 관련하여~
    당시의 미학, 사회, 정치 상업의 융합은 독일의 화가와 조각가에게 판화 드로잉 포스터 정기간행물 등의 그래픽 매체를 선택하게 만들었고, 그래픽예술, 판화의 부활로 이어졌다. 표현주의가 처음 떠오른 드레스덴을 시작으로 청기사파의 집결지인 뮌헨, 오스트리아의 표현주의가 탄생한 빈까지 막스베크만, 오토 딕스 등

  2. @artnstory 아트중독 2018.10.06 22:18 신고 Address Modify/Delete Reply

    오토 딕스, 조지 그로스와 신즉물주의
    암울한 독일 시대상을 감정과 감성이 통제된 냉철함으로 현실을 기록하듯
    제 1차 세계대전 후 출범한 바이마르공화국(1919~1933) 시대에 활동했던 신즉물주의 작가들이다.

Timeline: The High Renaissance

라파엘로는 우르비노의 궁정화가였던  아버지의 도움으로 성격이 온화하고 감성이 풍부한 천재화가가 되었다.

Italian in full RAFFAELLO SANZIO (b. April 6, 1483, Urbino, Duchy of Urbino [Italy]--d. April 6, 1520, Rome, Papal States [Italy]), master painter and architect of the Italian High Renaissance. Raphael is best known for his Madonnas and for his large figure compositions in the Vatican in Rome. His work is admired for its clarity of form and ease of composition and for its visual achievement of the Neoplatonic ideal of human grandeur.

While we may term other works paintings, those of Raphael are living things; the flesh palpitates, the breath comes and goes, every organ lives, life pulsates everywhere.
-- Vasari, Lives of the Artists

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Madonna dell Granduca c. 1505 (110 Kb); Oil on wood, 84 x 55 cm (33 x 21 1/2 in); Palazzo Pitti, Florence
<대공의 성모> 르네상스의 아름다움을 가장 완벽하게 표현했다는 찬사를 받은 작품.
성모마리아와 아기예수그리스도.
비잔틴 초기 기독교 미술에 보여지던 icon이 르네상스에서도 계속 나타는 주제이다.
서기 5세기에 마리아는 신을 낳은 자, 예수의 어머니라는 뜻의 테오토코스 라고 불린다.

Raphael's greatest paintings seem so effortless that one does not usually connect them with the idea of hard and relentless work. To many he is simply the painter of sweet Madonnas which have become so well known as hardly to be appreciated as paintings any more. For Raphael's vision of the Holy Virgin has been adopted by subsequent generations in the same way as Michelangelo's conception of God the Father We see cheap reproductions of these works in humble dwellings, and we are apt to conclude that paintings with such a general appeal must surely be a little 'obvious'. In fact, their apparent simplicity is the fruit of deep thought, careful planning and immense artistic wisdom. A painting like Raphael's Madonna dell Granduca, is truly 'classical' in the sense that it has served countless generations as a standard of perfection in the same way as the works of Pheidias and Praxiteles. It needs no explanation. In this respect it is indeed 'obvious'. But, if we compare it with the countless representations of the same theme which preceded it, we feel that they have all been groping for the very simplicity that Raphael has attained. We can see what Raphael did owe to the calm beauty of Perugino's types, but what a difference there is between the rather empty regularity of the master and the fullness of life in the pupil! The way the Virgin's face is modeled and recedes into the shade, the way Raphael makes us feel the volume of the body wrapped in the freely flowing mantle, the firm and tender way in which she holds and supports the Christ Child - all this contributes to the effect of perfect poise. We feel that to change the group ever so slightly would upset the whole harmony. Yet there is nothing strained or sophisticated in the composition. It looks as if it could not be otherwise, and as if it had so existed from the beginning of time.

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Madonna della Sedia. 1512-1514. Oil on panel. Palazzo Pitti, Galleria Palatina, Florence,
마돈나 델라 세디아는 '의자의 성모 마리아'  평범한 나무 의자에 앉아있는 마리아. 마리아는 푸른 겉옷과 붉은 옷 대신 평범한 아낙네의 일상복을 입고 아기와 행복한 시간을 보내는 젊은 어머니로 보인다.

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Sistine Madonna. c.1513-1514. Oil on panel. Alte Meister Gallerie, Dresden, Germany

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The small Cowper Madonna
c. 1505 (120 kB); Oil on wood, 59.5 x 44 cm (23 3/8 x 17 3/8 in); National Gallery of Art, Washington

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La Fornarina. c.1518-1519. Oil on panel. Galleria Nazionale d'Arte Antica, Rome,

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The nymph Galateac.
c. 1512-14 (170 kB); Fresco, 295 x 225 cm (116 x 88 1/2 in); Villa Farnesina, Rome
갈라테아는 외눈박이 괴물 폴리페무스가 짝사랑한 여인. 괴물이 부르는 사랑의 노래에 고개를 젖혀서 뒤를 돌아보는  갈라테아의 모습. 공중에 떠있는 사랑의 신, 구름의 움직임, 소용돌이치는 파도를 타는 바다괴물들의 싸움은  화면 전체에 끊임없는  웁직임을 보여준다. 한사람이라도 빠진다면 구성의 짜임새가 허물어지고 균형이 깨지게 된다.

Raphael painted this small fresco in the villa (now called the Farnesina) of a rich banker, Agostino Chigi. As subject he chose a verse from a poem by the Florentine Angelo Poliziano which had also helped to inspire Botticelli's Birth of Venus. These lines describe how the clumsy giant Polyphemus sings a love song to the fair sea-nymph Galatea and how she rides across the waves in a chariot drawn by two dolphins, laughing at his uncouth song, while the gay company of other sea-gods and nymphs is milling round her. Raphael's fresco shows Galatea with her gay companions; the picture of the giant was to appear elsewhere in the hall. However long one looks at this lovely and cheerful picture, one will always discover new beauties in its rich and intricate composition. Every figure seems to correspond to some other figure, every movement to answer a counter-movement. We have observed this method in Pollaiuolo's showpiece. But how rigid and dull his solution looks in comparison with Raphael's! To start with the small boys with Cupid's bows and arrows who aim at the heart of the nymph: not only do those to right and left echo each other's movements, but the boy swimming beside the chariot corresponds to the one flying at the top of the picture. It is the same with the group of sea-gods which seems to be 'wheeling' round the nymph. There are two on the margins, who blow on their sea-shells, and two pairs in front and behind, who are making love to each other. But what is more admirable is that all these diverse movements are somehow reflected and taken up in the figure of Galatea herself. Her chariot had been driving from left to right with her veil blowing backwards, but, hearing the strange love song, she turns round and smiles, and all the lines in the picture, from the love-gods' arrows to the reins she holds, converge on her beautiful face in the very center of the picture. By these artistic means Raphael has achieved constant movement throughout the picture, without letting it become restless or unbalanced. It is for this supreme mastery of arranging his figures, this consummate skill in composition, that artists have admired Raphael ever since. Just as Michelangelo was found to have reached the highest peak in the mastery of the human body, Raphael was seen to have accomplished what the older generation had striven so hard to achieve: the perfect and harmonious composition of freely moving figures.

There was another quality in Raphael's work that was admired by his contemporaries and by subsequent generations - the sheer beauty of his figures. When he had finished the Galatea, Raphael was asked by a courtier where in all the world he had found a model of such beauty. He replied that he did not copy any specific model but rather followed 'a certain idea' he had formed in his mind. To some extent, then, Raphael, like his teacher Perugino, had abandoned the faithful portrayal of nature which had been the ambition of so many Quattrocento artists. He deliberately used an imagined type of regular beauty. If we look back to the time of Praxiteles, we remember how what we call an 'ideal' beauty grew out of a slow approximation of schematic forms to nature. Now the process was reversed. Artists tried to modify nature according to the idea of beauty they had formed when looking at classical statues - they 'idealized' the model. It was a tendency not without its dangers, for, if the artist deliberately 'improves on' nature, his work may easily look mannered or insipid. But if we look once more at Raphael's work, we see that he, at any rate, could idealize without any loss of vitality and sincerity in the result. There is nothing schematic or calculated in Galatea's loveliness. She is an inmate of a brighter world of love and beauty - the world of the classics as it appeared to its admirers in sixteenth- century Italy.

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Bindo Altoviti
c. 1515 (120 kB); Oil on wood, 60 x 44 cm (23 1/2 x 17 1/4 in); National Gallery of Art, Washington

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The School of Athens
Raphael, 15091510
Fresco, 500 × 770 cm
Vatican City, Apostolic Palace
The School of Athens
or "Scuola di Atene" in Italian is one of the most famous paintings by the Italian Renaissance artist Raphael. It was painted between 1509 and 1510 as a part of Raphael's commission to decorate with frescoes the rooms that are now known as the Stanze di Raffaello, in the Apostolic Palace in the Vatican. The Stanza della Segnatura was the first of the rooms to be decorated, and The School of Athens the second painting to be finished after La disputa.
바티칸의 교황 집무실 벽면에 그린 <아테나 학당>, 플라톤은 손으로 하늘을 가리키면서 영원히 변하지 않는 완전한 이데아의 세계에 대하여설면한다. 아리스토텔레스는 팔을 앞으로 뻗어서 지상을 가리키며 현실 세상을 살아가면서 인간들이 지켜야 할 도덕과 윤리의 중요성을 이야기한다. 이상을 추구하며 동시에 현실을 살아가는 지혜를 조화롭게 이것은 르네상스 예술가들의 정신적인 목표를 그리고 있다.
르네상스의 열린공간을 건축의 아치문을 통하여 보여주고, 성인과 같은 철학자들의 후광을 만들어주고 있다. 레오나르도 다비니치가 최후의 만찬에서 그러했던 것처럼.

Because it was positioned over the philosophical section of the library of Pope Julius II, The School of Athens shows the greatest philosophers, scientists and mathematicians of classical antiquity. Plato and Aristotle, the Greek philosophers that were considered most important, are standing in the center of the composition at the top of the steps. Plato is holding his Timaeus. Aristotle is carrying a copy of his Nichomachean Ethics. Their gestures correspond to their interests in the philosophical field — Plato is pointing upwards towards Heaven and Aristotle is gesturing towards the earth.

Diogenes is lying carefree on the steps before them to show his philosophical attitude: he despised all material wealth and the lifestyle associated with it. To the left, the man leaning on the block is Heraclites, meant to be Michelangelo. This figure was an afterthought: it was not in the original cartoon. In 1510, Raphael snuck into the Sistine Chapel to view Michelangelo’s work on the ceiling by candle light. He was so awed by the unfinished work that he added Michelangelo after the manner of his depiction of the Prophet Jeremiah, to show his respect for the artist.

Raphael's self portrait is at the far lower-right of the fresco, the young man with brown hair staring straight out at the audience. On the left of the painting a girl-like figure, dressed in white, is also staring out at the audience. It is thought to represent Hypatia of Alexandria. Romantic legend has it that the model was Raphael's love, Margherita. Other interpretations, however, claim that it is a portrait of the young Francesco Maria I della Rovere. One of Raphael's contemporary portraits appears to show the same androgynous figure from a similar angle.

The bracketted names are the contemporary characters from whom Raphael is thought to have drawn his likenesses. 1: Zeno of Citium or Zeno of Elea? — 2: Epicurus — 3: Unknown — (Frederik II of Mantua?) 4: Anicius Manlius Severinus Boethius or Anaximander or Empedocles? — ? 5: Averroes — ? 6: Pythagoras — ? 7: Alcibiades or Alexander the Great? — ? 8: Antisthenes or Xenophon? — ? 9: Hypatia — (Francesco Maria della Rovere or Raphael's mistress Margherita.) 10: Aeschines or Xenophon? — ? 11: Parmenides? — ? 12: Socrates — ? 13: Heraclitus — (Michelangelo). 14: Plato holding the Timaeus — ( Leonardo da Vinci). 15: Aristotle holding the Ethics — ? 16: Diogenes of Sinope — ? 17: Plotinus? — ? 18: Euclid or Archimedes with students — ( Bramante)? 19: Strabo or Zoroaster? — (Baldassare Castiglione or Pietro Bembo). 20: Ptolemy — ? R: Apelles — (Raphael). 21: Protogenes — (Il Sodoma or Perugino)[2].

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Raphael. The Annunciation (from the predella of the Coronation of the Virgin). c. 1503-1504. Oil on panel, transferred to canvas. Vaticano, Pinacoteca Apostolica Vaticano, Rome, Italy.
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Hieronymus Bosch(1450-1516)

      Bosch’s pictures have always fascinated viewers, but in earlier centuries it was widely assumed that his diabolic scenes were intended merely to amuse or titillate, most people regarded him as “the inventor of monsters and chimeras’.
Philip II, though, collected his works more for education than for entertainment. A Dutch art historian in the early 17th century described Bosch’s paintings chiefly as ‘wondrous and strange fantasies… often less pleasant than gruesome to look at’. In the 20th century, however, scholars decided that Bosch’s art has a more profound significance, and there have been many attempts to explain its origins and meaning. Some writers saw him as a sort of 15th century surrealist and linked his name with that of Salvator Dali. For others, Bosch’s art reflects mysterious practices of the Middle Ages. No matter what explanation and comprehension of his art might be, Bosch remains the most extravagant painter of his time

Timeline: Late Gothic Painting

The master of the monstrous... the discoverer of the unconscious.
-- Carl Gustav Jung, on Hieronymus Bosch

Hieronymus, or Jerome, Bosch, b. c.1450, d. August 1516, spent his entire artistic career in the small Dutch town of Hertogenbosch, from which he derived his name.

At the time of his death, Bosch was internationally celebrated as an eccentric painter of religious visions who dealt in particular with the torments of hell. During his lifetime Bosch's works were in the inventories of noble families of the Netherlands, Austria, and Spain, and they were imitated in a number of paintings and prints throughout the 16th century, especially in the works of Pieter Bruegel the Elder.

Bosch was a member of the religious Brotherhood of Our Lady, for whom he painted several altarpieces for the Cathedral of Saint John's, Hertogenbosch, all of which are now lost. The artist probably never went far from home, although records exist of a commission in 1504 from Philip the Handsome (later king of Castile), for a lost Last Judgment altarpiece. None of Bosch's pictures are dated, although the artist signed many of them.

16세기 말 스페인의 음울한 왕 필립페 2세가 인간의 간악함에 대해서 관심을. 보슈의 그림은 소름끼치는 지옥의광경, 악이 세상을 침범하는 것을 본다. 중세사람들의 마음을 사로잡고 괴롭히던 공포심을 구체적이고 실감나는 형상으로 표현하는데 성공한 미술가.


The Stone Operation. 1475-1480. Oil on panel. Museo del Prado, Madrid, Spain.

Removing "stones" from the head was a fairly common medieval operation; however, for some reason Bosch has painted a flower as the object being removed.
The Stone Operation. There was an old Dutch saying for a person of odd behavior that he had 'a stone in the head'. Trading on credulity of simple people, charlatans would offer to extract stones. They always found patients among those with headaches. The 'surgeon' would then tie his patient safely to a bench, make a small cut and under cries, moans and groans of the victim produce a pebble or two covered with blood. These 'surgeons' were a popular object of satire in the 17th century.

Scenes from the Passion of Christ and the Pelican with Her Young. Reverse of St. John the Evangelist on Patmos. 1485. Oil on panel. Staatliche Museen zu Berlin, Gemaldegalerie, Berlin, Germany.


Tabletop of the Seven Deadly Sins and the Four Last Things. 1485. Oil on panel. Museo del Prado, Madrid, Spain.
The Seven Deadly Sins is a painted rectangle with a central image of the eye of God, with Christ watching the world. The Seven Deadly Sins, depicted through scenes of worldly transgression, are arranged around the circular shape. The circular layout with god in the centre represents gods all seeing eye No sin goes unnoticed. In the corners of the image appear the "Four Last Things" mentioned in late medieval spiritual handbooks: Deathbed, the Last Judgment, Heaven, and Hell, all of which are favorite themes of separate Bosch panels.
  1. luxuria (lechery/lust)[10][11][12]
  2. gula (gluttony)
  3. avaritia (avarice/greed)
  4. acedia (sloth/discouragement)
  5. ira (wrath)
  6. invidia (envy)
  7. superbia (pride)
Christ Carrying the Cross. 1490. Oil on panel. Musée des Beaux-Arts, Ghent, Belgium
Bosch's belief in the pervasive evil of the world colored his paintings of more conventional religious subjects; the stories of Christ and the saints became images of torment by demons or mobs of mocking humans. Typical of these interpretations are the numerous images from Christ's passion, such as the half-length Crowning with Thorns, or Christ Being Shown to the People (c.1485; National Gallery, London). A representative image of this type is the view, also half-length, of Christ Carrying the Cross (c.1490; Museum of Fine Arts, Ghent), in which a crowd of grotesque faces seems to swallow up the face of the suffering Christ.

Ecce Homo. 1485-1490. Oil on panel. Philadelphia Museum of Art, Philadelphia, PA, USA. (=Behold the man!) 이 사람을 보라(Pilate가 가시면류관
을 쓴 예수를 가리키며 유대인에게 한 말; 요한 복음 ⅪⅩ: 5); 가시 면류관을 쓴 예수의 초상화

Paradise and Hell
c. 1510 (170 Kb); Left and right panels of a triptych: oil on wood, Each panel 135 x 45 cm (53 1/4 x 17 3/4 in); Prado, Madrid

 The greatest Netherlandish artist of the period are not found among the adherents of the New Style but among those who, like Grunewald in Germany, refused to be drawn into the modern movement from the South. In the Dutch town of Hertogenbosch there lived such a painter, who was called Hieronymous Bosch. Very little is known about him. We do not know how old he was when he died in 1516, but he must have been active for a considerable time since he became an independent master in 1486. Like Grunewald, Bosch showed that the traditions and achievements of painting which had been developed to represent reality most convincingly could be turned round, as it were, to give us an equally plausible picture of things no human eye had seen. He became famous for his terrifying representations of the powers of evil. Perhaps it is no accident that the gloomy King Philip II of Spain, later in the century, had a special predilection for this artist, who was so much concerned with man's wickedness. The picture shows two wings from one of Bosch's triptychs he bought and which is therefore still in Spain. On the left we watch evil invading the world. The creation of Eve is followed by the temptation of Adam and both are driven out of Paradise, while high above in the sky we see the fall of the rebellious angels, who are hurled from heaven as a swarm of repulsive insects. On the other wing we are shown a vision of hell. There we see horror piled upon horror, fires and torments and all manner of fearful demons, half animal, half human or half machine, who plague and punish the poor sinful souls for all eternity. For the first and perhaps for the only time, an artist had succeeded in giving concrete and tangible shape to the fears that had haunted the minds of man in the Middle Ages. It was an achievement which was perhaps only possible at this very moment, when the old ideas were still vigorous and yet the modern spirit had provided the artist with methods of representing what he saw. Perhaps Hieronymus Bosch could have written on one of his paintings of hell what Jan van Eyck wrote on his peaceful scene of the Arnolfinis' betrothal: 'I was there'.

Dante Alighieri (1265-1321)의 신곡 이 천국과 지옥을 글로 쓴 것이라면,
 보쉬는 그것을 그림으로 그림 최초의 화가였다.

Creation of the World
Outer wings (shutters), depicting the third day of creation (140 Kb)

Paradise. c.1504-1510. Oil on panel. Museo del Prado, Madrid, Spain.

Garden of Earthly Delights.
Central panel. c.1504-1510. Oil on panel. Museo del Prado, Madrid, Spain

Hell. c.1504-1510. Oil on panel. Museo del Prado, Madrid, Spain

Bosch's most famous and unconventional picture is The Garden of Earthly Delights (c.1500; Prado, Madrid) which, like most of his other ambitious works, is a large, 3-part altarpiece, called a triptych. This painting was probably made for the private enjoyment of a noble family. It is named for the luscious garden in the central panel, which is filled with cavorting nudes and giant birds and fruit. The triptych depicts the history of the world and the progression of sin. Beginning on the outside shutters with the creation of the world, the story progresses from Adam and Eve and original sin on the left panel to the torments of hell, a dark, icy, yet fiery nightmarish vision, on the right. The Garden of Delights in the center illustrates a world deeply engaged in sinful pleasures.

In reference to astrological alignments at the time this was painted, a lot of the instruments of torture are also musical instruments.

Posted by @artnstory 아트중독

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  1. @artnstory 아트중독 2009.10.18 18:09 신고 Address Modify/Delete Reply

    후에 스페인 고전주의 작가 고야, 초현실주의 스페인 작가 달리, 벨기에의 마그리뜨까지 그의 작품을 흠모하며 새로운 공포, 이상한 기분, 상상의 세계로 표현하였다.,